Will Hunting
1998
Gus Van Sant

Si lors des Oscars de 1998 le film n’a rien pu faire face au raz-de-marrée Titanic, le film aura tout de même eu son heure et a su marquer à travers le temps. En plus d’avoir offert à ses deux acteurs vedettes leurs seuls Oscars de leur carrière (néanmoins en tant que scénariste, et non acteur, pour le fameux Will), sans compter plus de 220 M$ dans le monde, le film aura su s’imposer dans la culture populaire grâce à certains de ses passages sur le sens de la vie, ou tout simplement des performances oratoires. Oui, mais même avec un bon casting, d’excellents dialogues et un scénario de base solide, le film n’en est pas pour autant si génial que ça.

Comme les études le montrent : le bonheur est inversement proportionnel à l’intelligence. Conscient de ses facultés mentales hors du commun, Will Hunting (Matt Damon) s’évertue donc à cacher le plus possible ses dons, en s’assurant de ne jamais rien faire de sa vie. Il occupe donc un boulot de balayeur et passe le plus de temps possible au bar à se bourrer la gueule avec ses potes (Ben Affleck et Casey Affleck), et rejette les pauvres folles qui oseraient s’attacher à lui (Minnie Driver). Malheureusement pour lui, à force de multiplier les conneries, il va se retrouver au pied du mur, obligé d’accepter l’aide de Lambeau (Stellan Skarsgard), un professeur de renom qui a décelé en lui un immense potentiel. Pour l’aider à aller mieux sur le plan psychologique, il sera obligé de voir un psy (Robin Williams) qui devra lui apprendre à vivre.

Le film avait, comme à l’image de son héros, un immense potentiel, mais qui ne sera jamais correctement exploité. Dans un premier temps, on ne voit pas bien ce que le film essaye de dire ou de montrer, si ce n’est le cas « typique » du gars qui fait exprès de foutre sa vie en l’air, à ceci près que d’habitude il s’agit plutôt d’un jeune homme de bonne famille qui perd pied. Le problème, c’est qu’à force, ses petits jeux orateurs dévoilent sa faiblesse : il est exactement ce qu’il critique, incapable de penser par lui-même et régurgitant sa science comme une sorte d’armure pour le protéger du monde extérieur. Les mécanismes du film manquent de subtilité ; tout, jusque dans la toute dernière scène, est téléphoné à outrance ; on ne dénotera pratiquement aucune évolution psychologique des personnages, moteur pourtant indispensable à l’avancement de l’histoire ; la romance n’a pas de développement suffisant pour avoir une réelle ampleur ; et au final les fameuses tirades si brillantes sonnent parfois creux, comme un discours pré-mâché d’auto-défense. Le film reste intéressant, pas mal de pistes de réflexions sur la vie et la société, mais globalement on en ressort mitigé, comme si ça n’allait pas assez loin. Un film pour ma part très surcoté.

Roma
2018
Alfonso Cuarón

Voici donc l’un des grands favoris des Oscars qui récolta pas moins de dix nominations, dont toutes les catégories les plus importantes (meilleur film, réalisateur, actrice, scénario, photographie… ). Après deux films de science-fiction très biens accueillis, on attendait avec impatiente de savoir quel allait être le nouveau projet d’Alfonso Cuarón, et nombre ont été déçu de savoir qu’il nous préparait un pur film d’auteur, espagnol et en noir et blanc. Pourtant, le voilà auréolé de prestigieuses critiques, acclamé dans les plus grandes cérémonies. Et pourtant…

Le film nous conte l’histoire d’une bonne (femme de ménage) hispanique dans une famille de « riche » à Mexico aux alentours des années 60-70 semble-t-il (La Grande Vadrouille, sorti en 1966, étant diffusé en salles). La mise en images de la banalité de la vie, du quotidien de chacun, vue par une femme banale.

Dès les premières minutes les problèmes s’enchaînent. Ne serait-ce que deux choix de réalisation qui laissent perplexes, que ce soit le style contemplatif ou le traitement de l’image. Il y a deux types de films contemplatifs : les films d’atmosphère qui misent sur la poésie de l’instant, et ceux qui confondent se poser et se reposer. Les scènes semblent s’éterniser sans que cela ne serve le propos, à supposer qu’il y en ait un. On comprend aussi l’intérêt de la couleur quand le noir et blanc empêche parfois de comprendre ce que l’on regarde. Également, l’étalonnage est bizarre, manquant de contraste, faisant que les nuances de blancs perdent en lisibilité, et côté réalisation les mouvements de caméras sont parfois peu esthétiques. Mais bon, si le rythme ou l’esthétisme peuvent effectivement empêcher d’apprécier un film, une bonne histoire aurait pu tout rattraper. Seulement c’est là le hic, c’est le assurément le point le moins convaincant du film. On suit une famille, sa bonne qui tombera enceinte, et c’est tout. Le film tentera bien de créer un petit électrochoc après 1h30 de profond sommeil, mais ne connaissant pas l’histoire Mexicaine de l’époque, à titre personnel la mini guerre civile de moins de cinq minutes m’a plus sorti du film qu’autre chose. Le passage à l’hôpital est en revanche une très grande réussite en terme d’émotion et d’intensité, mais les questions sont nombreuses. Par exemple, à quoi sert le chien ? Montrer que les riches sont des connards qui prennent un animal sans prendre conscience de la charge de responsabilité qui en incombe ? C’est lourd. Le cliché du connard qui se barre quand la fille annonce sa grossesse… Au secours ! Pire, le film en rajoutera deux couches, pour être vraiment sûr que le spectateur ait bien compris le message. Clairement s’il n’y avait pas le nom d’un illustre réalisateur attaché au film, il est évident que jamais le film n’aurait fait parlé de lui, sauf à la limite pour les pauvres cinéphiles tombés dessus par hasard, et qui auraient le devoir de mettre en garde le reste du monde contre un ennui si mortel. Rarement vu un film aussi surcoté, les quelques moments réussis et le talent des actrices ne pouvant effacer autant d’esbroufe visuel, mais surtout une histoire si plate et ennuyeuse.

Johnny English contre-attaque
2018
David Kerr

Très fan de l’humour British et trouvant que Rowan Atkinson a un pouvoir comique énorme, j’ai toujours voulu y croire, mais le passé n’est pas très glorieux. Troisième opus d’une saga parodiant l’espionnage, Johnny English avait un certain potentiel, mais jusqu’à présent l’inspiration faisait défaut, les gags étant éculés et le scénario désastreux. Avec un budget en baisse et des recettes identiques, il y a fort à parier que le pire agent secret reviendra, mais à quoi bon…

Cette fois devait être la bonne : le MI7 avait enfin réussi à se débarrasser de Johnny English (Rowan Atkinson), reconverti en professeur de collège. Seulement voilà, la base de donnée contenant l’entièreté des agents actifs va être piratée, et pour enquêter dessus il fallait donc faire appel à un agent qui n’y figurait plus. Le dernier recours pour la première ministre (Emma Thompson), désespérée de devoir confier la sécurité du pays à un individu pareil.

On pourra se consoler sur au moins un point : si le pitch du film est anecdotique, il a le mérite de justifier le retour de Johnny, et pour une fois les réactions qu’il suscite sont raccord avec son personnage. Et pourtant, même si c’est malgré lui, il n’a jamais été aussi efficace, prenant même certaines bonnes décisions consciemment ! Le personnage de Jake Lacy ne trompera personne et Olga Kurylenko est pratiquement réduite à l’état d’objet sexuel, servant juste d’atout charme telle une James Bond girl, faisant de l’écriture du film une vaste blague, mais au moins ça a le mérite d’être cohérent. Un peu à l’image du gag sur la réalité virtuelle, une hérésie de hasard dans la pratique, mais admettons. Pourquoi pas, au moins c’est à peu près drôle. Le film est toujours dans cette inconfortable zone de dérangement, donnant un ressenti mitigé entre l’amusement et le grotesque absurde, gênant même, des situations. La tandem avec Bough marche plutôt bien, mais étant absent du second volet, son retour a moins d’impact, le public l’ayant largement oublié en deux décennies. Sans rire jusqu’aux éclats, le film arrivera à nous arracher tant bien que mal quelques sourires, un peu forcés à cause de la lourdeur générale. C’est peu, mais mine de rien c’est probablement le moins mauvais de la saga.

En eaux troubles
2018
Jon Turteltaub

Voilà ce qui s’annonçait comme l’un des blockbusters les moins intéressants et les plus dangereux commercialement de l’été. Faire un énième film de requin en rappelant un ancêtre préhistorique démesuré sonnait comme de la série B pathétique, et lui accorder un budget faramineux de 130 M$, ce qui est pratiquement le triple de la moyenne des recettes des films où son acteur vedette Jason Statham tient le premier rôle, était tout simplement une aberration. Alors certes, le film s’est notamment gavé en Chine où il a rapporté près du tiers de ses recettes, mais avec 530 M$ dans le monde, ce qui sonnait comme une grosse blague s’est avéré être un coup de génie monstrueux. La preuve qu’il y a l’art et la manière.

À priori scientifiquement irrecevable, mais théoriquement fascinant, le film repose sur une idée assez dingue : et si le fond des océans n’en était pas un ? Persuadée que le fond marin n’est en réalité qu’une inter-couche, un peu comme une plaque de calcaire (posée expressément par dame nature ?), une équipe de scientifiques va chercher à en percer les mystères, loin de se douter du drame qui allait survenir. En effet, en créant une brèche dans ce fond marin, ils vont libérer un Mégalodon, requin géant préhistorique de plus de vingt mètres de long, désormais plus grand prédateur de notre ère.

Alors oui, bien sûr, le film est avant tout un grand spectacle proposant un monstre de taille gigantesque, rendant terrifiant tout ce qui est en contact avec de l’eau. Tout n’est pas la démonstration, créant une ambiance en plus de la violence de la confrontation, et le rendu à l’écran est impressionnant. Sur la forme, le film est donc évidemment ce qu’il se targuait d’être, mais sur le fond le film est finalement bien plus intéressant qu’il n’y paraît. Déjà son idée de base sonne crédible, même si on se doute qu’elle ne l’est pas. Les personnages dépeints arrivent eux aussi à nous convaincre, car malgré quelques stéréotypes ambulants, la sincérité semble là, créant une certaine affection, et on se surprend nous-même à vouloir voir avancer l’histoire entre le héros et la mère célibataire. Le film joue assez intelligemment sur nos attentes, ménageant avec brio certains effets de surprise. En terme d’écriture le constat est contre toutes attentes excellent, reposant sur un scénario solide, des personnages réussis et des dialogues drôles et percutants. On peut même lire une critique du capitalisme, voir un message un peu végane. Plus qu’un divertissement d’envergure, le film arrive aussi à proposer une histoire cohérente et intéressante, une prouesse à louer.

Final Fantasy VII – Advent Children
2005 (et 2009 version Complete)
Tetsuya Nomura, Takeshi Nozue

Alors qu’aucun épisode numéroté ne se situe dans le même univers ni n’intègre aucun personnage d’un quelconque autre jeu numéroté, les gens n’ont visiblement pas comprit que Final Fantasy, ça n’est pas une longue histoire déroulée sur une pléthore de jeux, mais bien une foultitude d’histoires indépendantes ayant pour seuls points communs quelques noms d’objets, quelques mêmes monstres du bestiaire, des magies et invocations identiques. Bref, c’est avant tout un héritage lexical, brièvement aussi en terme d’ambiance et de style, mais chacun ayant son propre style visuel et univers, la licence véhicule plus un savoir-faire qu’un style établi et fixe. Entre ceux ne connaissant pas la saga et ceux qui n’ont pas compris que le film n’avait aucun rapport à avoir avec les jeux et pouvait s’autoriser une dépendance totale, le film Les Créatures de l’esprit fut un échec cuisant, et c’est là qu’intervient ce film. Puisque l’originalité n’avait pas payé, voici donc une suite sous forme de long-métrage à leur plus gros succès de tous les temps : Final Fantasy VII, qui avec ses diverses sortie a cumulé pratiquement dix millions de ventes dans le monde.

Même si la tentative de Marlène de resituer le contexte, il faut partir du principe que la personne regardant le film connait le jeu, sans quoi elle passerait assurément un assez mauvais moment. Quand il y a autant de personnages et aucune présentation ni développement, ce qui est largement problématique dans le cas de nouveaux arrivants, c’est clairement qu’on ne prend pas en compte la possibilité d’un public là par hasard, ou débarqué en cours de route. Se déroulant deux après l’affrontement dans le cratère nord, le film part d’un postulat assez intéressant et raccord avec la fin du jeu qui annonçait grosso modo la fin de l’humanité d’ici 500 ans (à moins d’une évolution à la FFX) : puisque la Terre a failli mourir à cause des humains, pour s’en prémunir à l’avenir notre planète a décidé de nous éradiquer. Par la rivière de la vie qui coule en toute chose, notre planète a disséminé une toxine mortelle : les stigmates. Un climat de peur et de désespoir s’est alors installé, et trois autres expériences d’Hojo se sont échappées et entendent bien tirer parti du chaos pour poursuivre le combat de Séphiroth.

La première fois que j’avais vu ce film, j’étais comme un dingue. Les combats sont dantesques, graphiquement le film est magnifique, je retrouvais mes personnages adorés et les musiques cultes du jeu. Depuis la magie s’est ternie, le jeu ayant passablement mal vieilli, pas tellement au niveau visuel (la version PC agrémentée de quelques mods permet même d’avoir un rendu à la fois très fidèle et moins hideux) mais surtout au niveau de son histoire. Entre une localisation française pas top, des longueurs et des personnages au fond assez creux, c’est probablement l’épisode le plus mal écrit de sa génération (VIII à revérifier, mais le IX a des personnages bien plus profonds, et son scénario, certes plus simpliste, est néanmoins plus cohérent et solide). Le vide des personnages est dans ce film criant à souhait, les turks étant des comic-relief usants, Cloud est l’éternel dépressif avec deux de tension et zéro d’émotion, et ses acolytes sont des stéréotypes en puissances entre Barret la grosse brute au grand cœur (pas ressemblant pour un sou à sa version dans le jeu au passage), Youfie la waifu pure jus, Tifa la grognasse transie d’amour (on sent que Sakura en est largement inspirée), pour ne citer qu’eux. Et que dire du méchant iconique Séphiroth sans qui la franchise n’arrive pas à exister ? Pour en revenir encore à FF IX, dans le genre création qui pète un plomb, Kuja était mille mieux travaillé. Là on a trois méchants lambda, sortis d’on ne sait où, faisant complètement n’importe quoi dans un hasard complet, simplement poussé par « la volonté de Séphiroth ». Le scénario est plat, son idée de base n’étant pas correctement développée, et les incohérences sont légion. Les deux plus énormes sont l’utilisation d’une matéria bleue pour faire à la fois de la magie et une invocation (pauvre Bahamut sorti tout droit de Power Rangers… ), mais surtout le combat de fin où Cloud est seul, comme dans le jeu. Là aussi le problème était de taille, et avoir Tifa en soutien aurait était magnifique, mais encore une fois, au risque qu’il meurt comme un con, on le laisse tout régler. C’est usant, ça ne va nulle part, ça ne raconte rien. Alors oui, c’est visuellement superbe, la VF est excellente, quelques idées de design sont top, les combats en jettent un max et on a plaisir de revoir cet univers qui a bercé nos jeunes années de joueurs, mais le film en lui-même ne vaut pas grand chose. Du divertissement fan-service pur et dur, et il faut espérer que le remake a venir sera moins fainéant sur le fond, sans quoi la désillusion sera fatale.

The Passenger
2018
Jaume Collet-Serra

Fatigué des films d’action et ayant franchit la barre des 60 ans, Liam Neeson avait déclaré vouloir prendre ses distances avec le genre après Taken 3, mais c’était sans compter sur le réalisateur Jaume Collet-Serra, qu’il retrouve pour la quatrième fois. Après le vol d’identité et le huis clos en avion, leur troisième collaboration fut une douche froide, dénuée de concept et proposant un polar classique et ultra décousu qui se prit une claque au box-office. Cette fois on revient à un pitch plus marqué, à défaut d’être original puisqu’on a déjà deux films d’action en train : L’attaque du métro 123 et Unstoppable.

Chaque nouvelle génération qui arrive est encore plus cupide, opportuniste et dénuée de morale. Après une carrière comme policier, Michael (Liam Neeson) s’était reconverti dans les assurances, prenant depuis dix ans le même train pour se rendre à son travail. Ayant déjà un crédit sur sa maison et sur sa voiture, il passait déjà un moment difficile avec l’entrée en université de son fils, et le changement de direction, avec à la tête un jeune con constatant simplement qu’un employé âgé est plus cher et moins efficace, ne pouvait pas tomber plus mal. Quand une étrange dame (Vera Farmiga) va lui proposer cent mille dollars en échange d’un petit service, la tentation sera grande, loin de se douter dans quoi il allait s’embarquer sans même le vouloir.

Enquête en huis clos dans un train avec de grosses séquences d’action, voici cette combinaison gagnante à mi chemin entre Le Crime de l’Orient-Express et Non-Stop, même si le scénario ne sera pas aussi retord, de même que l’action sera un peu moins extrême, bien que largement efficace. Dès le début le film rassure sur sa qualité, tant au niveau de l’écriture que du jeu des acteurs, puisqu’en moins de dix minutes le film arrive à dresser un portrait plus large et plus probant des principaux problèmes du modèle américain que dans l’entièreté du film Lady Bird, pourtant entièrement centré dessus. On découvre alors un casting assez dingue, comprenant Sam Neill, Elizabeth McGovern, Jonathan Banks ou encore Patrick Wilson. Mieux encore, le film a l’intelligence de n’en placer aucun dans le train, à part brièvement un habitué, évitant le syndrome Mentalist, série où le coupable (ou personne à trouver en l’occurrence) de l’épisode était systématiquement le seul acteur vaguement connu. Un concept pas forcément si original, mais au moins le film le traite efficacement, ça reste globalement cohérent, et pas une fois on ne décrochera entre le rythme effréné et le suspense haletant. Une bonne cuvée du genre qui fait plaisir.