BlacKkKlansman
2018
Spike Lee

Nombreux sont ceux à avoir été dubitatif à l’annonce du film, pourtant tiré d’une histoire vraie. Certes, les suprématistes blancs du Ku Klux Klan sont une bande d’ivrognes dégénérés, mais l’idée qu’un policier noir ait pu les infiltrer, ça semblait complètement con. Et pour cause, c’est un terrible raccourci complètement faux, et l’histoire que le film met en avant est autrement plus crédible.

L’histoire prit place au début des années 70 alors que les mentalités tentaient d’évoluer pour un avenir plus tolérant où le mot « minorité » ou « ethnie » disparaîtraient au même titre que le mot en N qu’il ne faut pas prononcer. Dans l’optique de changer l’image de la police, et potentiellement faire évoluer les mentalités en son sein, une campagne de recrutement favorisant la mixité permis à Ron Stallworth (John David Washington) de rejoindre les forces de police de Colorado Springs. Fougueux et déterminé, il passera vite enquêteur, se donnant comme mission d’intégrer le Ku Klux Klan (dirigé par Topher Grace). Excellent baratineur, il aura tôt fait d’y arriver, mais ne pouvant clairement pas se présenter lui-même, son collègue Zimmerman (Adam Driver) le représentera. Au téléphone et en dehors, un noir et un juif faisant équipe pour infiltrer une organisation en guerre contre ce qu’ils sont.

Le film est une grande réussite. Si bien sûr les tarés de suprématistes sont représentés comme des psychopathes pro armes, complètement illettrés et souvent bourré, ce qu’ils sont en dehors des « élites » qui les gèrent, le film a l’intelligence de ne pas s’arrêter là. Déjà l’infiltration est assez difficile, mais pendant une grande partie du film on nous fait douter de la véracité de la menace. Après tout, ça boit beaucoup mais peut-être qu’ils en restent à de simples intentions ? De plus, le film contre-balance pratiquement chacun de ses propos alarmistes avec des extrêmes de chaque bord. Ainsi, si des membres de la police dévient et se vautrent dans un racisme lattant, d’autres apportent un soutien indéfectible indépendant de l’origine de la personne. De même, si le film met en garde contre le KKK, il dépeint aussi la menace de l’époque des Black Panther, un groupe afro-américain qui n’hésitait pas parfois à se salir les mains et basculer dans le terrorisme. Comme il est de bon ton de taper sur Trump, on trouvera aussi nombre de parallèles avec la situation actuelle, dénotant bien sûr d’une prise de partie, mais elle était évidente dès le début et ça reste un gimmick assez drôle, bien qu’inquiétant. Le casting est très efficace, le fils Washington s’en sort admirablement, et le passage d’Alec Baldwin est très drôle. Une histoire très intéressante, qui malgré les décennies reste toujours d’actualité, et le film traite son sujet avec une grande finesse qui fait plaisir.

The Man From Earth Holocene
2018
Richard Schenkman

Avant d’être mis en ligne par les créateurs même du film, j’avais aperçu le film il y a plus d’un an dans les charts du box-office américains, n’en revenant pas. Succès surprise sorti dix ans avant, The Man from Earth avait surpris le monde entier de par sa simplicité et son efficacité. Huis clos tourné avec les moyens du bord et qui a mit près de 20 ans à se faire (faisant que son auteur est mort neuf ans avant que le film ne se fasse, reprit par son fils), le film partait d’une idée formidable, nous fascinant tout du long de par un récit formidablement pensé, logique scientifiquement et bouleversant historiquement. Une claque comme on en connaît que trop peu, et voir une suite débarquer était complètement fou. Y avait-il plus à dire ou à faire ? Oh que oui.

Homme de Cro-Magnon né il y a 14 000 ans, John ne vieilli pas, ne marque pas, traversant les âge sans pouvoir rester plus de dix ans au même endroit, sans quoi il finirait vraisemblablement ses jours dans un laboratoire. Cette fois il s’est installé comme professeur de religions dans l’Ohio, coulant des jours tranquilles avec sa nouvelle compagne Carolyn (Vanessa Williams) – dommage finalement qu’il n’ait pas tenté l’aventure avec la Sandy du premier film, pourtant créditée au générique comme celle qui incarnait Edith, et au final aucune des deux ne sont présentes -. Une petite vie rangée qu’il pensait pouvoir conserver quelques années encore avant de changer d’identité, mais c’était sans compter sur des élèves un peu curieux qui vont tenter de découvrir son secret.

Le film avait deux belles pistes à explorer. Notre immortel semble toucher à sa fin et commencer à vieillir, avec deux développements possibles à la clé : soit il se dirige effectivement vers la mort à un rythme inconnu, remettant en cause son statut quasi divin et nous faisant explorer la confrontation avec la fatalité, soit il s’agit d’une sorte d’épreuve spirituelle où son pouvoir de guérison s’affaibli avec la lassitude, et il doit alors retrouver en lui la force d’être l’homme qui ne marque pas. Cette première piste semble s’orienter vers la première possibilité, mais ne sera pas vraiment exploiter dans la mesure où la priorité n’est pas là. Avec l’évolution des technologies et une vie privée de plus en plus difficile de cacher avec la surexposition qu’on subit, volontairement ou non, avec les réseaux sociaux, le film explore surtout la piste d’un mode de vie qui arrive à son terme. Les jeunes sont curieux, et si le partage de ses connaissances est sa grande motivation, leur proximité peut vite devenir problématique. Il y avait là une possibilité de relation professeur-élève à la Californication, d’autant que la jeune Tara est à se damner et qu’on voit mal comment quelqu’un pourrait résister, et globalement le film ne les développe pas assez, mais c’est là un autre problème. En effet, le film se veut comme la mise en bouche de quelque chose de plus grand, avec toujours les débats philosophiques et la quête de soi en sous-texte (les cours en amphithéâtre sont d’ailleurs passionnants), mais prenant aussi le danger d’être découvert en trame de fond. Pourquoi pas, surtout si on retrouve certains personnages du premier film, car seuls deux – en plus du héros – sont de retour, mais pas sûr que le financement participatif soit à la hauteur, surtout que le film peine à exister par lui-même, ne faisant que mettre en lumière un style de vie déjà dépeint. Espérons néanmoins que d’autres films ou qu’une série complémentaire voient le jour car le potentiel est immense.

A Star Is Born
2018
Bradley Cooper

Assurément un film que je me devais de voir avant de potentiellement publier mon top annuel tant il aura marqué une très grande partie du public. Avec plus de 8 sur IMDb et 88 de metascore, sans compter un 4,5 sur 5 sur allociné et un 90% sur rottentomatoes, le film a été l’un des gros cartons de la fin d’année avec plus de 400 M$ dans le monde, un score rarissime pour une romance, et si un certain Bohemian Rhapsody n’avait pas explosé tous les compteurs, on serait même au niveau des plus gros succès musicaux de tous les temps. Avec en prime de prestigieuses nominations dans les différentes cérémonies et une chanson phare déjà culte, la question n’était plus de savoir si le film était bon, mais à quel point.

Troisième remake du film éponyme de 1937, deux autres étant sortis en 1954 et 1976, le film raconte comment la vie de Ally (Lady Gaga) va se retrouver bouleversée suite à sa rencontre avec Jackson Maine (Bradley Cooper), grande star de la chanson américaine. Sous le charme de la jeune femme et de son timbre de voix unique, il va lui offrir le tremplin qu’elle n’a jamais eu en la faisant chanter avec lui lors d’un de ses concerts. Entre la force de ses paroles et sa puissance vocale, le public sera immédiatement conquis et une star va naître.

La voix est un instrument comme les autres, il faut de la pratique et du temps pour la maîtriser, mais c’est à la portée de tout le monde pour peu qu’on s’en donne les moyens, comme à peu près tout. Avoir du talent c’est une question de patiente et d’acharnement, mais réussir est avant tout une question de chance. Que ce soit pour la musique ou autre chose, on a tous rêvé un jour de quelque chose de grand, et qu’un mentor viendrait nous tendre la main pour atteindre les étoiles. Un sujet universel qui se raccorde bien avec la musique, forme d’art la plus immédiate en terme d’émotions, et y voir naître un amour entre les deux protagonistes était inévitable tant une passion commune peu rapprocher. Le film traite son sujet avec beaucoup de poésie et de tendresse, dressant malgré tout le portrait d’un écorché en mal d’amour et qui ne saura jamais se contenter de quoi que ce soit, un mal qui touche de nombreuse personnes et qui fera écho pour beaucoup d’entre nous. Des thèmes forts que le film développe avec une grande justesse, notamment grâce aux interprétations à fleur de peau des deux personnages principaux, excellents dans leurs rôles et qui n’ont pas volé leurs nominations aux différentes cérémonies. Deux seuls bémols viennent obscurcir un peu le tableau : à l’image de Glass, le héros ne surmontera jamais ses peurs, et musicalement, la plupart des titres d’Ally sont insipides, du pop rock lambda, peu inspiré et racoleur, là où ceux de Jackson Maine sont plus « vieux rock » limite country avec beaucoup de personnalité. Un très beau film à l’histoire classique et musicalement pas si bon, mais entre les prestations magnifiques, la réalisation très soignée et quelques tubes d’envergure, on ne peut que saluer le travail artistique.

Première année
2018
Thomas Lilti

Le système éducatif français ? Peut-être le pire. On demande aux enseignants et aux professeurs d’avoir un bac+5 pour enseigner des notions basiques qui ne demandent pas tant de savoir mais plutôt de la pédagogie, chose qui s’apprend ou non sur le tas, alors même que nos voisins allemands proposent pour se faire comme en France à la belle époque : une réorientation bien plus tôt dans le cycle d’apprentissage, avec derrière un cursus plus rapide et plus pertinent. Pour la médecine, on frôle la blague de mauvais goût : la somme de connaissances à emmagasiner est abusive, recalant ainsi de brillants élèves à cause d’un nombre de places extrêmement limitée, avec à l’arrivée 10 à 15 % de sélection. Et à côté de ça, le pays manque de médecins et va en chercher dans d’autres pays, montrant la connerie ahurissante de nos « élites » qui dictent nos lois. On a tous connu au moins un ami extrêmement brillant, ayant eu le bac avec mention Très Bien, et ratant malgré tout la première année de médecine, démontrant que la vie est dénuée de sens à cause de ceux qui influent dessus.

Réalisateur de films centrés sur la médecine, profession qu’il connaît puisqu’il a pratiqué, Thomas Lilti nous revient avec un tout autre problème. Après la rudesse du métier et la désertification en campagne, place à l’impitoyable sélection de première année en école de médecine. On y suivra Benjamin (William Lebghil), fraîchement devenu bachelier et entrant donc en première première année, s’étant inscrit pour poursuivre une tradition familiale plus que par vocation, et Antoine (Vincent Lacoste), un triplant, chose normalement interdite (on ne peut redoubler qu’une fois) mais qu’il a obtenu grâce à une dérogation. Pour lui la médecine est une vraie passion, un rêve qu’il touchait du bout des doigts à sa dernière tentative, et cette année sera sa dernière chance.

Quand un réalisateur est aussi passionné et maîtrise autant son sujet, ça se sent. Sans même avoir vécu ce genre d’expérience, ouvrir un livre pour réviser me provoquant de terribles allergies, quant au par cœur n’en parlons pas, il n’empêche qu’on se sent immédiatement dans l’ambiance et les personnages semblent criants de vérité. Les acteurs sont excellents, certains dialogues sont finement pensés, un peu trop parfois, la mise en scène s’offre occasionnellement quelques plans esthétisés (le travelling arrière sur la chambre au sol tapissé de livres est magnifique) et le tout sonne avec une rare justesse. On sent les nerfs à vif, le raz-le-bol général, la pression monstrueuse avec un burn out lattant. On en ressort avec l’envie de brûler des bibliothèques, de fuir loin en courant dans la nature, partant le plus loin possible de ce monde de fous où en oubli de vivre. La fin est donc à la fois forte et logique, mais ô combien frustrante car même quand la réussite est à la clé, on a tout de même perdu une année de sa vie, et dans le cas contraire il y a de quoi sombrer dans la folie. On peut universaliser les propos du film, voyant là la symbolique de l’acharnement à la poursuite de ses rêves, donc assurément le film parlera à tout le monde. Reste quelques facilités de scénario, dans l’ensemble très prévisible, et on regrettera l’absence de romance dans cette spirale de travail, d’autant que la voisine asiatique était une candidate toute désignée et aurait permis de mieux travailler l’évolution psychologique de Benjamin. Un très bon film donc, et il est quasi certain qu’il est meilleur que celui qui gagnera le César du meilleur film dans quelques semaines.

Glass
2019
M. Night Shyamalan

Prévue de longue date par le réalisateur, cette suite d’Incassable arrive pratiquement deux décennies plus tard, alors même que le public avait répondu présent et que les critiques étaient bonnes. Constatant que M. Night Shyamalan n’a connu qu’un seul échec en salle, immédiatement rattrapé ensuite, cette longue attente est étonnante. Plus encore, le twist de fin de Split nous révélait son statut de seconde partie d’une trilogie prenant fin ici, et le film eu un énorme succès en salle, et malgré tout Glass nous arrive avec un budget représentant un sixième de celui d’Incassable en tenant compte de l’inflation. Pourquoi tant de difficultés à financer un film de super-héros si attendu dans une ère où ils dominent tant le box-office ? Eh bien parce qu’à nouveau, le film se refuse d’en devenir un.

Dix-neuf ans se sont écoulés et David Dunn (Bruce Willis) a pleinement endossé son costume de protecteur de Philadelphie, traquant les criminels de sa ville dans sa parqua verte. Alors qu’il était en proie avec Kevin Crumb (James McAvoy), le psychopathe aux multiples personnalités, qui aime capturer et tuer de jeunes filles (seule Casey (Anya Taylor-Joy) avait réussi à lui échapper), capable de se transformer en bête féroce, tous deux seront arrêtés et envoyés dans un hôpital psychiatrique géré par Elie Staple (Sarah Paulson). Comme pour son autre patient Elijah Price (Samuel L. Jackson), elle va essayer de leur faire prendre conscience que les super-héros n’existent pas.

Alors que Incassable avait un potentiel énorme, mais était gâché par ses personnages trop mous pour prendre des décisions, faisant que l’histoire s’achevait avant même que David ne devienne le héros qu’on attendait, Split décevait à son tour par une écriture trop classique, aboutissant à une narration prévisible. Sans aller jusque dans une démesure à la Chronicle en terme de pouvoirs, on attendait fébrilement le tout premier super-héros ordinaire de l’histoire du cinéma, aux supers-pouvoirs modestes, non milliardaire et avec une réalisation extrêmement esthétisée mais néanmoins réaliste, comme pour nous donner l’illusion que des êtres exceptionnels peuvent se cacher parmi nous. Comme à son habitude, le réalisateur fait un excellent travail de mise en scène, réutilisant ses codes couleurs par personnage, travaillant extrêmement bien son suspense sur la question de la légitimité des supers-héros et la véracité de leurs supposés dont extraordinaires. Un choix de piste néanmoins douteux, car rendre banals ses protagonistes enlèverait tout l’intérêt du film, d’autant que la justification réelle arrivera comme un cheveu sur la soupe.

Place maintenant aux spoilers pour expliquer tout ce qui ne va pas dans ce film, détruisant sa propre démarche et anéantissant tout son potentiel par des choix qui n’en ont pas forcément été. Traînant beaucoup trop sur la longueur avec des manipulations de Elijah qu’on comprend mal comment elles ont pu passer inaperçues dans un endroit si surveillé, le film se met lui-même en danger en laissant entrevoir la possibilité que tout ça soit bidon et que les supers-pouvoirs n’en sont pas. Puis finalement, le film semble déclarer solennellement que leurs pouvoirs sont réels, annonçant au passage un affrontement dantesque qui aurait pu être une apothéose grandiose, pouvant à la fois ouvrir la porte à des suites ou au contraire conclure admirablement le tout, mais difficile d’y croire avec un budget si minimaliste. Et pour cause, le combat épique n’aura pas lieu. À la place, une bagarre sans envergure sur un parking vide où tour à tour les trois personnages phares vont mourir de façon pitoyable : Elijah à cause d’un coup fatal de par sa maladie des os de verre, Kevin par un simple tir de police, et David va se noyer dans une flaque d’eau. Trois morts lamentables avec derrière deux twists sortis de nulle part et à l’impact risible : une société secrète cachant les surhumains, mais finalement tout ça n’aura servi à rien parce qu’Elijah aura tout anticipé et balancé sur internet des « preuves » de l’existence des supers héros. Oui mais non, tout ce que l’on voit c’est le combat mollasson sur le parking où les démonstrations de force n’ont rien de surhumain (même sans équipement nombre d’athlètes peuvent soulever jusqu’à 300 kg, soit suffisamment pour soulever une partie d’une voiture). Alors oui, ce que l’on voit n’est pas à la portée du premier venu (surtout la porte en métal), mais ça reste du domaine du possible, donc pas de quoi rendre crédible aux yeux du monde entier l’existence de personnes aux capacités hors du commun.

Bref, malgré un casting énorme – assez en forme d’ailleurs -, une réalisation léchée, d’excellentes musiques et un concept passionnant, le film n’est pas la réussite tant attendue. Entre un rythme poussif, des incohérences de partout, des promesses non tenues et un scénario qui ne cesse de décevoir avec un final incroyablement mauvais, l’espoir s’est définitivement éteint autour de cette saga au potentiel colossal qui n’aura jamais eu droit à un traitement digne de son envergure.

Critique aussi disponible en vidéo : https://www.youtube.com/watch?v=CM448maCIyg

The Predator
2018
Shane Black

De base j’avais une hype monumentale. J’avais beaucoup aimé le premier film quand j’étais petit, la SF m’a toujours passionné, j’adore les films de Shane Black, surtout Iron Man 3 qui avait quelque peu divisé, et même Predators, largement décrié, m’avait assez bien diverti malgré ses nombreux défauts. Sur le papier le film avait tout de génial, et je pensais pouvoir passer outre ce qui a tant fait rager le public, mais malheureusement tout est absolument justifié et impardonnable. Quand un film connaît plus de trois reports et des reshoot de plus d’un mois avec la réécriture de près de 80% du script en urgence, ça puait – il est vrai – bien salement de la gueule, et ô mon dieu quel bordel.

Comment résumer un tel foutoir ? Eh bien d’un côté on a un Quinn McKenna (Boyd Holbrook) qui va tomber sur un Predator (capable de maîtriser la courbure espace-temps mais incapable de poser son vaisseau sans se crasher) lors d’une mission militaire, qui va se retrouver avec une troupe de psychopathes de l’armée qu’il faut faire taire (incluant Trevante Rhodes et Alfie Allen) ; de l’autre on a l’armée qui fait ses expériences, épaulée par le professeur Casey Brackett (Olivia Munn), une spécialiste de renommée mondiale qui donne des cours dans un établissement de merde et qui semble avoir une formation militaire supérieure à des soldats d’élite (et capable de courir à plusieurs centaines de kilomètres par heure, mais ça c’est une autre histoire). Et au milieu de ça, il y a l’ex femme (Yvonne Strahovski) et le fils de McKenna (Jacob Tremblay), à qui il a envoyé en secret de la technologie alien. Ah oui, et y’a un Predator de trois mètres de haut avec des Predachiens qui vient récupérer l’autre Predator. Voilà voilà…

On dit que le réalisateur a saboté lui-même son propre film car le studio le dépossédait de son œuvre. Ça semble énorme de se dire qu’un studio qui gère des milliards et accorde un budget plus de deux fois supérieur à Predators fasse exprès de sortir le plus mauvais film possible. Quoique avec Solo il y a de quoi se poser la question… Et en fait le film aurait pu être bon. Quelques clins d’œils aux films originaux marchent bien, visuellement le film propose des choses assez dingues avec de la violence très crue, le casting est plutôt bon même si l’écriture des personnages est problématique, et dans l’ensemble ça pourrait faire un bon divertissement. Olivia Munn est à tomber dans le film, tantôt fragile comme lors de la décontamination, tantôt badass comme personne en sautant de toit en toit, mais pourquoi ? D’où sort-elle ? Son personnage n’a aucun sens, comme la plupart des autres qui font n’importe quoi de bout en bout, et le film n’apporte jamais la moindre explication rationnelle. La fin enchaîne les situations stupides avec des sauts de dix mètres sans aucune égratignure, des gens qui s’accrochent sur un vaisseau en plein vol, et d’autres qui rattrapent ledit vaisseau en courant (!). Si le film ne mettait pas tant d’énergie à nous sortir de l’immersion avec ses blagues de merde, ses personnages inconsistants et son scénario abrutissant, il y avait là de bonnes bases pour un bon gros délire bien vénère. Mais à force d’avoir été raboté de partout, remonté en urgence pour enlever un acteur (pour des histoires pour lesquels il a déjà été jugé bien des années avant, donc bravo le respect de la loi et la réintégration) et fignolé à la pisse à causes de tensions supposées entre le studio et le réalisateur, le film ne ressemble plus à grand chose à l’arrivée, surtout dans sa seconde moitié en roue libre. En l’état ça se regarde avec quelques passages sympas, mais clairement oui, le film a été saboté.

Pokémon 2, le pouvoir est en toi
2000
Kunihiko Yuyama, Michael Haigney

Après avoir vu les deux films du reboot Pokémon, le fan nostalgique en moi se disait que c’était mieux avant, que les deux premiers étaient vraiment bien, même si après le 3 bof et que derrière sauf le 8 tous étaient bien moisis. Sauf que non en fait, j’étais petit, et à chaque fois il y a avait la hype, que ce soit pour le premier qui sortait dans la foulée des premiers jeux (alors qu’au Japon la seconde cuvée venait déjà de débarquer, la France ayant gardé pendant longtemps près de trois ans de retard pour les jeux et quasi deux pour les films) ou ce second long-métrage, précédent de peu la deuxième génération. Bref, l’objectivité n’était pas là, et comme pour le premier film, la nostalgie avait bon dos.

Comment ne pas révéler tout le film en essayant d’en parler ? Impossible, il tiens sur un timbre et on connaît le dénouement dès l’introduction. Que se passe t-il durant les cinq premières minutes ? On découvre qu’un méchant veut capturer les oiseaux légendaires pour faire sortir de sa cachette Lugia et ainsi essayer de le capturer. Quant à Sasha, comme par hasard il est en expédition dans une île voisine où on lui explique qu’il est l’élu et qui devra rétablir l’équilibre de trois îles. Oh bah dit dont, on se demande qu’est-ce qu’il va bien pouvoir se passer !

Anémique. Rarement un scénario n’aura été aussi plat et inconsistant. On nous ressort le coup de l’élu et de la prophétie de mes couilles ; le méchant a une base volante de malade à la puissance de frappe supérieure à un pokémon légendaire, mais il veut mettre la main sur Lugia ; on ne saura jamais d’où il sort ni ses objectifs ; et au final on ne comprend pas pourquoi Sasha est l’élu et encore moins, vu ce qu’il fait, pourquoi le premier clochard venu ne pourrait pas prendre sa place. Pire, à peu près tous les protagonistes ont le QI d’une huître, à l’image des scénaristes. Le méchant se fout tout seul dans la merde en libérant ses otages ; Sasha va se servir de Dracaufeu pour tirer une luge au lieu de monter sur son dos pour aller mille fois plus vite ; et la palme des consanguins tétraplégiques revient aux pokémons sauvages, venant se masser comme des trisomiques devant une émission de télé-réalité, regardant simplement le spectacle hébété, sans jamais essayer d’aider un seul instant. Ah ça valait le coup de faire une telle traversée, abrutis ! L’histoire n’est même pas raccord avec les jeux puisque les oiseaux légendaires et Lugia ne sont même pas censés vivre dans la même région. Et puis quelle idée de le faire parler… Une catastrophe à tous les étages, et comme dans mes souvenirs le troisième était moins bon, je n’ose poursuivre l’aventure, qui se terminera du coup avec uniquement le huitième, meilleur de tous et seul vraiment excellent dans mes souvenirs, en espérant qu’il me déçoive moins tant ma mémoire me joue des tours.

Breathe
2018
Andy Serkis

Après avoir vu une bande-annonce très prometteuse il y a presque deux ans, j’ai entendu de ci de là que le film fut présenté à plusieurs festivals, puis enfin fin 2017 une bonne dizaine de pays l’accueilli en salle. L’attente fut longue, très longue, et au final la France eu enfin accès au film un an après la majorité des autres territoires. On ne saura jamais pourquoi, le mystère des distributeurs, mais il était temps, ce premier long-métrage d’Andy Serkis étant sorti pour nous presque en même temps que sa revisite du mythe de Mowgli.

Chose que j’avais oublié depuis le temps, et c’est formidable que le film soit produit par le fils des deux principaux protagonistes, mais le film est tiré d’une histoire vraie qui changea la face du monde. Tout commença au milieu des années 50 alors que Robin Cavendish (Andrew Garfield) tomba follement amoureux d’une belle britannique se prénommant Diana (Claire Foy). Elle tomba sous son charme, ils se marièrent, elle tomba enceinte : le début d’une belle histoire ? Eh bien non, car peu après lors d’un voyage en Afrique Robin concocta la polio, terrible maladie paralysant l’entièreté du corps, nécessitant donc une assistance respiratoire à vie puisqu’une partie du système respiratoire est lui aussi paralysé. Privé même dans un premier temps du langage, il était condamné à finir ses jours en hôpital, avec une espérance de « vie » d’à peine quelques semaines voir mois. Il ne pensait plus qu’à la libération de la mort, mais c’était sans compter sur le soutien indéfectible de sa femme, qui fera tout pour l’extraire de sa condition de mourant et lui offrir une vie décente.

Si vous connaissez une personne en fauteuil roulant, de par la vieillesse ou un problème quelconque, sachez que cette possibilité aurait probablement mit beaucoup plus de temps pour se démocratiser si cette histoire n’avait pas eu lieu. Il est certain que l’invention aurait fini par se faire, mais c’est en tous cas pour Robin Cavendish que le système a été inventé, et c’est grâce à lui et son entourage que cela a été démocratisé. Rien que pour ça, je vous invite chaleureusement à voir le film tant il est important pour la grande histoire. Au delà de ça, si la romance avant drame est trop vite installée, elle marche au final assez bien même si l’acteur, pourtant un an plus vieux que sa partenaire, garde cet éternel air adolescent et semble avoir dix ans de moins qu’elle, rendant le couple difficile à accepter. On notera d’ailleurs que comme l’histoire se déroule sur plus de 20 ans, quelques tentatives de maquillage essayent de faire illusion, mais à aucun moment le vieillissement n’est crédible. Côté photographie et réalisation c’est assez sobre et classique, avec néanmoins de jolis effets d’éclairage naturels. Pour le casting c’est vraiment pas mal puisqu’on retrouvera tout de même Hugh Bonneville et Ed Speleers en plus du duo d’affiche, et tous sont très bons dans leurs rôles. À noter une scène géniale où un prêtre lui dit que toute la misère sur Terre fait parti du grand dessin de Dieu, déclaration à laquelle il va répondre en lui crachant littéralement à la gueule, et je dis ô combien bravo ! Bref, si finalement il n’aura pas sa place dans mon top annuel, contrairement à ce que j’espérais, ça reste une belle romance qui a marqué l’histoire, donc à voir.