M3GAN
2022
Gerard Johnstone

Enième gigantesque succes story du cinéma horrifique rapportant presque vingt fois son budget avec quasiment 200 M$ dans le monde, le film fut assez décrié à sa sortie, de quoi laisser présager une campagne marketing plus efficace que le film en lui-même, et donc me refroidir personnellement. Mais le voici fraîchement débarqué sur Netflix, immédiatement propulsé top 1, de quoi se laisser tenter, et tant mieux.

Sujet de réflexion majeur depuis que Asimov a inventé la notion même de robot, avec l’IA qui va avec, le film propose une approche assez nouvelle sur ce thème : le prisme du jouet. Travaillant dans une société de jouets robotiques pour divertir les petits, Gemma (Allison Williams) va vouloir aller plus loin, proposant carrément une amie robotique pleinement autonome, une vraie IA évolutive. Ne sachant comment s’occuper de sa nièce orpheline dont elle a obtenu la garde, elle va tester M3GAN – son prototype – sur elle.

Difficile de tomber de sa chaise quand on mélange genre horrifique et IA évolutive. N’importe qui ayant un minimum de bases en science-fiction sait qu’inéluctablement, la machine trouvera un moyen de dépasser ses prérogatives, ou encore que pour protéger l’humain, il faut avant tout le protéger de lui-même en lui enlevant son libre-arbitre. Un vrai banger sur le papier, et indéniablement oui, le film a eu le nez creux : ça marche fort. On sait que ça va déraper, reste à savoir quand, comment, et dans quelles propensions. Que ce soit dans la mise en scène, l’évolution ou l’écriture des personnages, le film est une vraie réussite, la poupée robotique est à la fois mignonne, réaliste, mais aussi parfois flippante, et toujours dans cette vallée de l’étrange qui nous rappelle sans cesse que quand le fond est troublant, la forme n’est clairement pas humaine. Une narration assez prévisible, quelques effets faciles comme les jump scare, mais l’histoire est prenante, le rythme soutenu et l’efficacité optimale. Une belle surprise, et j’aurais presque hâte de découvrir la suite en 2025.

Tout sauf toi
2024
Will Gluck

Depuis le Covid, et même plus généralement depuis pratiquement une quinzaine d’années, le genre de la comédie romantique n’attire plus vraiment les foules. Pour preuve, seuls deux représentants du genre ont dépassé la barre des 100 M$ dans le monde depuis cinq ans : Ticket to Paradise, et ce film dont il est question. Timide sortie à Noël dernier aux Etats-Unis, le film y a connu un maintient exceptionnel, multipliant son score de premier weekend par 15 (quand la moyenne tourne entre 2.5 et 3, et même plus de 4-5 en période de fête reste énorme) ! Dans le reste du monde ? Rebelote, notamment en France où il a multiplié son score de première semaine par plus de 6, avec là une moyenne tournant à 2-2,5, pour un total mondial de près de 220 M$. Le renouveau du genre ? Du tout…

Quiproquo, coïncidences et gros forçage. Rencontrés par hasard, Ben (Glen Powell) et Bea (Sydney Sweeney) vont se manger une vilaine combinaison de connerie et mauvais timing. Après une nuit ensemble, Bea va partir sans réfléchir, trop excitée à l’idée de raconter à sa sœur sa nouvelle rencontre prometteuse, et alors qu’elle revenait chez lui, comme par hasard la porte sera ouverte, Ben recevant la visite d’un ami, et elle surprendra une conversation où il parlera en mal de sa nouvelle conquête, désabusé de son réveil solitaire. Seulement voilà il se trouve que la sœur de Bea va se marier avec la meilleure amie (Alexandra Shipp) de Ben, obligeant les deux à se revoir alors qu’ils sont persuadés que l’autre le déteste.

C’est affligeant un scénario pareil. Tout repose sur un quiproquo débile, et derrière ils vont faire semblant de s’apprécier pour le bien du mariage. Et bien évidemment, à force de simuler des sentiments, ils finissent par émerger pour de vrai. Tout est archi prévisible à un point stupide, et les situations « comiques » sont une avalanche de mauvais goût, jouant énormément sur la gêne et l’humiliation publique, deux sentiments que je déteste. Et c’est là aussi très personnel, mais je trouve Glen Powell affolant de nullité : un faux charisme bidon, caricature d’homme parfait mais qui en ressort totalement vide. Le blague sur le cardio aurait pu marcher, mais l’acteur est trop mauvais pour qu’on y croit, et l’écriture de son personnage est littéralement anecdotique : l’histoire de sa mère ne sera jamais développée. Une absence totale de background des personnages qui pèse lourd, rendant l’attachement moindre. Si la star d’Euphoria rayonne, même Dermot Mulroney ne sauvera pas les meubles, l’écriture est juste abyssale. La réalisation est assez propre, les décors jolis, mais Ticket to Paradise faisait bien mieux en la matière, donc même en termes de production les arguments sont maigres. Mieux vaut se tourner vers Netflix décidemment, leurs programmes en la matière sont d’un niveau clairement supérieur, même les moins réussis.

La Demoiselle et le Dragon
2024
Juan Carlos Fresnadillo

Le mois de mars est décidément très chargé pour le géant du streaming Netflix, puisque deux semaines avant la gigantesque claque du Problème à 3 corps, qui se pose déjà là comme l’une des œuvres artistiques les plus abouties de la décennie, sortait un blockbuster particulièrement attendu, mettant en scène la fameuse Eleven de Stranger Things, désormais adulte. Que vaut cette version presque horrifique des contes de fée ?

Princesse d’un royaume à l’agonie où le froid a entraîné une spirale de déforestation dévastatrice, Elodie (Millie Bobby Brown) va recevoir une proposition de mariage tombant à pic, venant justement d’une contrée immensément riche (dirigée par Robin Wright), mais abritant un terrible secret. En effet, depuis des siècles, chaque génération doit sacrifier trois princesses en tribu à un dragon, et Elodie sera justement la prochaine.

Après 40 minutes à faire mumuse avec des décors tantôt convaincants, tantôt FX bien criants, on rentre enfin dans le sujet : le sacrifice, et donc Millie Bobby Brown en mode survie, pourchassée par une dragonne vicieuse qui aime jouer avec ses victimes. Un mix entre la poursuite du Basilic dans La Chambre des secrets et du pur horreur / survie à la The Descent. Avis aux claustrophobes cauchemardant de la spéléo, quelques passages seront rudes. Le rythme n’est pas toujours maîtrisé, l’héroïne galérant longuement, alternant entre sursauts de génie et erreurs stupides, et il faudra attendre la quasi toute fin pour qu’elle passe brutalement en mode guerrière, un peu trop sur-sexualisée d’ailleurs, finissant avec très peu de vêtements. Tout ça crée au passage une histoire un peu superficielle, basée sur l’absence de dialogue. Le côté fantastique n’est que peu exploité, mais le peu l’est très bien, que ce soit les chenilles ou surtout le dragon, assez bluffant visuellement. Comme quoi, les artistes VFX de chez Netflix font un travail bien meilleur que les derniers films de super-héros avec le quart du budget. En vrai le concept est plutôt bien tenu, difficile d’en espérer plus, donc autant savourer simplement un divertissement honnête, il serait éreintant d’être confronté à une révolution artistique chaque jour.

Nos cœurs meurtris
2022
Elizabeth Allen Rosenbaum

Apparemment gros succès de l’été 2022 sur Netflix, je me rappelle après coup avoir effectivement beaucoup entendu la chanson principale du film à la radio, « Come back Home ». Un sursaut dans le parcours de la chanteuse / actrice, qui n’aura connu que peu de hauts dans une carrière assez discrète (moins d’une dizaine de chanson au delà des dix millions de vues sur YouTube, dont une seule à plus de 50, et pas un seul de ses films n’est sorti au cinéma), et dont c’est visiblement là son plus grand fait d’arme.

L’histoire est celle de Cassie (Sofia Carson), une jeune femme qui s’est récemment fait diagnostiquer un diabète de niveau 1, l’obligeant à prendre de grosses doses d’insuline, mais dont seulement une partie est remboursée, l’obligeant à vivre dans une grande précarité pour simplement survivre. Un soir, alors qu’elle se faisait draguer par des marines, l’un d’eux évoquera la couverture maladie complète dont bénéficie les femmes de militaires. Ayant contracté une grosse dette à cause d’anciens problèmes de drogue et étant lui aussi marines, Luke (Nicholas Galitzine) va avoir passer un marché avec elle pour arranger un mariage de principe, se partageant ainsi la prime familiale.

Oh la la, deux jeunes gens séduisants qui se marient pour de faux, on se demande bien ce qu’il va se passer… Oh la la, problèmes de drogue et mariage bidon puni potentiellement par la cours martiale, on se demande bien comment les choses pourraient mal tourner… Oubliez donc toute notion de surprise, le film est une comédie-dramatique-romantique ultra classique, glissant sur des rails qu’on connaît par cœur. Ca joue bien, c’est assez bien mis en scène, mais le vrai argument c’est évidemment la bande-son, du fait que l’actrice principale soit aussi une chanteuse, et qu’elle a écrit là objectivement ses meilleures chansons, qui sont vraiment excellentes d’ailleurs. Eh puis bon, c’est un peu le pacte tacite entre le spectateur et le genre même de la romcom : ça ne peut qu’être prévisible à souhait, et pas d’émotion sans élément perturbateur, car l’happy end ça se mérite. Le reprocher serait donc malhonnête tant la marge de manœuvre est inexistante. Si vous n’êtes donc pas trop blasés par ce genre de films et que vous savez dans quoi vous vous embarquez, c’est une plutôt belle surprise, mignon et efficace.

American Fiction
2024
Cord Jefferson

Grand prétendant aux Oscars, nommé dans quasiment toutes les catégories dont les plus prestigieuses, le film y a reçu tout de même un prix de taille : celui du meilleur scénario adapté (étant tiré d’un roman). Pourtant, il fut balancé sans la moindre communication ni mise en avant sur Amazon Prime juste quelques jours avant la cérémonie. Une sortie française qui dénote avec le buzz l’entourant, d’autant que son sujet semblait à première vue très prometteur.

Ecrivain de seconde main gagnant péniblement sa vie, Monk (Jeffrey Wright) va un jour avoir une révélation à force de voir les médias blancs mettre en avant systématiquement des histoires de noirs en galère, de problèmes de « la street », avec d’autres auteurs noirs se complaisant dans ce registre alors qu’ils sont issu de la bourgeoisie et n’ont jamais approché de près ou de loin les galères qu’il décrivent. Et si c’était là le piège ? Et s’il faisait pareil ? Après la mort de sa sœur, il va mettre son plan à exécution et écrire une caricature du genre, une pure farce complaisante, mais qui sera prit premier degré par les éditeurs, y voyant là le prochain bestseller que les blancs vont s’arracher.

Le concept de base était génial : mettre le nez dans la merde de la fausse bienséance, le racisme inversé ou dissimulé. Des lecteurs blancs qui se jettent sur les récits tragiques de noirs des cités pour se donner bonne conscience et dire « oui oui je soutient le mouvement progressiste », alors même qu’il a été insufflé par des bourgeois sans le moindre problème. Une manière de dénoncer le phénomène de wokisme, où la diversité est le fruit d’une démarche mercantile, fourbe, et non d’une réelle envie d’inclusion, qui quand bien même n’aurait rien d’honnête. Seulement voilà, il faudra attendre près d’une heure pour que cela se mette en place, et ce sujet en or restera toujours en arrière-plan. Le vrai sujet est avant tout un homme cherchant sa place, que ce soit dans sa famille ou dans la société, à gérer ses traumatismes et ses échecs. Du bon vieux drame éculé, et plus que d’être relégué au second plan, cet entubage du système ne sera même pas pleinement développé, sans une once de répercutions. Juste « oh le bon sujet de film ! », histoire de toujours chercher le profit sans jamais rien remettre en question. Triste… C’est d’autant plus dommage que quand le film ose l’insolence, c’est juste jubilatoire, mais terriblement frustrant tant on effleure tout juste la surface. Le film est donc un peu ce qu’il dénonce : nous détourner du sujet avec du pathos, pour au final n’avoir aucun réel impact sur quoi que ce soit.

Irish Wish
2024
Janeen Damian

Après la très belle surprise La Probabilité statistique de l’amour au premier regard, Netflix enrichie à nouveau son catalogue d’une comédie romantique maison, que beaucoup ont eu tôt fait de conspuer (est-ce à cause du fait que Lindsay Lohan soit la tête d’affiche et produise ?), alors même que sous ses airs de romcom télévisuelle de Noël se cache un projet un chouia plus ambitieux, et surtout finalement assez réussi.

Ah qu’est-ce qu’on ne ferait pas par amour… Maddie (Lindsay Lohan) a très vite eu le béguin pour Paul, un écrivain raté, mais qui grâce à ses réécriture, a pu sortir un livre de bien meilleure qualité et devenir un auteur à succès. Seulement voilà, lors d’une soirée où elle espérait enfin se rapprocher de lui, il tombera à la place sous le charme d’une de ses meilleures amies. Quelques mois plus tard alors qu’elle était invitée à leur mariage, jalouse à en crever, elle va faire le vœu d’être à la place de son amie et que ce soit elle qui soit destinée à porter la robe blanche. Et justement, une bonne fée va lui accorder ce vœu.

Effectivement, le début du film fait assez peur : on empile un sacré paquet de clichés du genre tel un film diffusé sur M6 un après-midi en période de Noël. Des gags téléphonés, des situations ô combien prévisibles, mais avec quelques arguments. Si on passe outre la tronche encore un peu ravagée de Lindsay Lohan qui semble avoir dix ans de trop pour son rôle, on y découvre un film au moins ambitieux visuellement avec un somptueux domaine à faire frémir Downton Abbey, et un certain nombre de décors irlandais magnifiques. Le coup de la réalité alternative avec la fée ancre un peu plus le long-métrage dans la tradition des téléfilms de Noël, mais ça a le mérite de dynamiser un peu le récit, et surtout quel plaisir de retrouver Ed Speleers ! Le bougre a fait un sacré chemin depuis Eragon, et il mériterait une carrière dépassant un peu plus le milieu télévisuel. De la romance qui ne révolutionne rien, tout est cousu de fils blancs, mais c’est honnêtement divertissant, souvent drôle voir touchant, donc pourquoi bouder son plaisir ?

10 jours sans maman
2020
Ludovic Bernard

Coupé en plein élan dans sa route vers les 1,5-2 millions d’entrées par le Covid, le film aura tout de même été un surprenant succès avec presque 1,2 millions de spectateurs, un exploit quand on sait à quel point son acteur vedette, Franck Dubosc, est l’incarnation absolue du « has been », où la quasi intégralité de sa filmographie des dix dernières années est composée de naufrages critiques et commerciaux, avec plus de la moitié en dessous des trois cent mille entrées, y compris son second film en tant que réalisateur qui n’aura pas atteint le dixième de Tout le monde debout, son unique film de la décennie qui soit et populaire et couronné de succès, hormis celui dont il est question aujourd’hui, mais qui n’aura clairement pas autant convaincu le public.

Quel est le plus gros cliché familial ? La mère qui s’occupe seule des enfants (surtout valable dans le temps où la plupart des femmes étaient femmes au foyer, mais un cliché de plus en plus éculé depuis un bon demi-siècle). On va donc suivre une famille où la mère (Aure Atika) s’occupe – presque, avec une femme de ménage tout de même – seule de tout ce qui est ménage, entretient, administratif de la maison, et surtout les enfants, au nombre de quatre (trois garçons et une fille). Le mari (Franck Dubosc) est DRH dans une grande enseigne de bricolage et se voit être le centre de toute l’attention et la reconnaissance, au point de ras-le-bol consommé où la mère va décider de tout simplement se barrer dix jours pour un peu souffler et faire prendre conscience à son ingrat de mari que non, « elle ne se repose pas quasi toute la journée pendant que lui trime si dur au boulot ».

On aura rarement vu un scénario aussi poussif et poussiéreux, se basant sur les plus gros poncifs des clichés de famille bourgeoise. La mère soi-disant débordée qui a en fait une femme de ménage qui vient plusieurs fois par semaine et dont les enfants sont tous placés en journée, et le mari qui semble clairement se la couler douce au boulot, a une bonne voiture et une immense maison en quartier chic, mais qui espère carrément devenir directeur à force de ne plus se sentir pisser. Quand on rêve d’avoir un bon gros smic de bourgeois et de se la couler douce comme une faignasse aux 35 heures, on se sent bien loin de leurs problèmes de petits privilégiés… Mais est-ce au moins efficace dans ce qu’il propose ? Mouef. Disons que l’idée de remettre le mari à sa place est réussie, et que le connard arrogant déconnecté de la réalité, c’est du Dubosc dans le texte, donc il campe toujours l’éternel même rôle. Quatre enfants, c’était à la fois une bonne et une mauvaise idée. Bonne car elle représente un challenge organisationnel et d’autorité, mais mauvaise car ils n’existent pratiquement pas individuellement dans une comédie d’à peine 90 minutes. De même, la scène d’ouverture tease un carnage de dérapage à la Babysitting, pour au final s’avérer être un banal accident expédié en deux minutes. Le film n’est pas mauvais, il est juste incroyablement convenu et attendu. Dire qu’une suite a vu le jour en 2023 !

Saltburn
2023
Emerald Fennell

Alors que la saison des cérémonies touche à sa fin, le grand challenger britannique s’est heurté à un sacré mur : absolument aucun prix nulle part, et carrément aucune nomination aux Oscars. Le fameux thriller sulfureux a fait pschitt après son vague buzz, finissant même directement sur Prime Video pour ce qui est de la France, et même en tant que membre, je ne me suis clairement pas précipité pour le voir.

Dans ce remake non assumé de M. Ripley, on suivra là encore l’admiration / romance / amitié plus qu’ambiguë entre deux hommes, le prolétaire Oliver Quick (Barry Keoghan) et le noble Félix Catton (Jacob Elordi), dont la famille possède une fortune colossale, ainsi qu’un immense domaine : Saltburn. Durant leurs études à Oxford, les deux jeunes hommes vont se lier d’amitié, et Félix va inviter Oliver à passer l’été dans sa prestigieuse demeure.

Sans vouloir trop spoiler, le film est vraiment plus qu’inspiré par Le Talentueux M. Ripley, c’en est carrément une revisite avec les grandes lignes strictement identiques. On troque l’exubérance américaine et le luxe des hôtels européens par la sophistication britannique et le prestige des demeures et modes de vie d’antan à la Downton Abbey. Les points communs avec M. Ripley sont si ahurissants qu’il y a de quoi se demander pourquoi personne n’a crié au plagiat, mais heureusement le film est moins raté que son aîné. Le casting est là aussi très prestigieux, avec également Rosamund Pike, Richard E. Grant, Carey Mulligan, et même la tanche de Gran Turismo, Archie Madekwe, ne fait pas trop tâche. Le rythme est un peu mieux maîtrisé, et contrairement au « modèle », la fin n’est pas un naufrage ici, bien que la dense illustre parfaitement le principal problème de conception du film : son ton vulgaire. Certaines scènes auront beaucoup fait parler, notamment la baignoire et le « vampire » (qui n’a jamais passé outre ?), mais ce voyeurisme n’apporte pas grand chose, voir est complètement débile comme le coup de la terre encore fraîche. Sérieusement ?! Le côté thriller arrive très tard, et tout ce qui précède est du sous Call me by your name. De même, le style « arty » du 1:33 avec un grain d’époque est stupide, l’histoire étant censée se dérouler en 2006, par en 1920, et le format d’image ne rend pas justice aux décors. Un projet mal branlé en somme, dont l’intérêt de l’histoire est d’une part long à venir, et est sacrément prévisible d’autre part.

Le Consentement
2023
Vanessa Filho

Véritable phénomène ayant prit un peu tout le monde de court, le film se destinait à être perdu dans les limbes, dans les tréfonds du box-office. Même pas soixante mille entrées en première semaine, mais peu après ce début très timide, un engouement sans précédent s’empara de Tik Tok et résonna auprès des jeunes, comme un défi : se filmer en état de choc à la fin de sa séance. Le film connu alors un gigantesque boom, faisant mieux chaque semaine pendant un mois entier, surfant près de deux mois sur son buzz pour multiplier par plus de dix ses entrées, au delà des 600 000 en fin de carrière quand la barre des 100K semblait un plafond difficile à dépasser à la base. Une petite production destinée à une existence confidentiel, devenant l’un des films français les plus rentables de l’année. Le genre de succès story qui donne envie de se pencher dessus.

Le film adapte le livre éponyme écrit et tiré de l’histoire vraie de Vanessa Springora (incarnée par Kim Higelin, puis Elodie Bouchez pour le petit prélude). L’histoire se déroula dans les années 80, alors que sa mère (Laetitia Casta) va avoir nulle autre que le très célèbre écrivain Gabriel Matzneff (Jean-Paul Rouve) à sa table lors d’une soirée. Ce dernier, pédophile notoire s’en vantant même dans ses livres, va tomber sous le charme de la petite ingénue Vanessa, collégienne d’à peine 13 ans. Il va alors lui envoyer des mois durant des lettres d’amour, tantôt poétiques, tantôt plus directes et charnelles, laissant peu à peu germer dans son esprit en construction l’idée d’une romance avec cet esprit brillant, immense auteur à succès acclamé par tous, certes déjà quinquagénaire, mais encore en pleine force de l’âge comme il le dirait lui-même. Puis un beau jour, refermant le piège, il ira la récupérer à son collège, près à asséner le coup de grâce pour la rendre folle de lui. Vraiment ?

Qui n’a jamais fantasmé sur un professeur ou tout simplement une personnalité publique plus âgée mais ô combien désirable à nos yeux ? La loi en a conscience, et il serait tôt fait d’en profiter, dans un sens comme dans l’autre, d’où la notion de rapport d’autorité, faisant monter aujourd’hui l’âge de consentement de 15 à 18 ans dans ce genre de cas. Oui mais voilà, nous étions là dans les années 80, avec des parents en provenance directe de la période hippie, pour ne pas dire des dépravés pas vraiment inquiets à l’idée qu’une adolescente soit l’amante d’un vieux pervers. L’amour n’a pas d’âge. On a donc là une ordure ayant un stratagème bien développé, sachant exactement comment s’y prendre pour manipuler de jeunes esprits naïfs pour les faire croire à un grand amour sur fond excitant d’interdit. Dans l’absolu l’amour aurait été possible, mais ça ne sera pas le cas, le bougre ayant plus d’une maîtresse, avec une obsession insatiable proche de l’aliénation, qui en aucun cas ne peut se rapprocher d’une quelconque romance. La seule question de fait qui se pose, et qui est d’ailleurs tout le sujet du film, c’est de montrer en quoi la manipulation orchestrée rend flou la notion de consentement, voir démontre au contraire en quoi toute forme de consentement a été bafouée.

Quid du film dans tout ça ? L’histoire est très intéressante, surtout la première demi-heure pour montrer toute la froideur du plan d’endoctrinement, faisant basculer du harcèlement d’un vieux dégueulasse de 50 piges en un illustre écrivain d’âge mur prit de folie charnelle pour la douceur d’une enfant ingénue mais « si en avance pour son âge ». Une façon vicieuse pour détourner l’attention de sa démarche, effaçant l’écart d’âge choquant, invoquant de nobles sentiments et en flattant la fameuse Vanessa en louant son intelligence, car aimer quelqu’un comme lui serait justement une grande marque de maturité. Jean-Paul Rouve est méconnaissable, effrayant presque, et Kim Higelin fait très bien les ahuries ébahies, mais leurs jeux frôlent souvent le cabotinage. Eh puis bon, une actrice de 23 ans pour camper une ado ayant de 13 à 18 ans, ça atténue le propos et adouci la violence psychologique qu’est censée représenter ce couple illégal. De manière générale, le film manque de finesse, notamment dans la mise en scène avec un côté provoquant trop prononcé, cassant la rythmique. On se retrouve avec une large majorité du métrage uniquement consacré aux abus et à la toxicité de cette relation, rendant l’étude des conséquences moindre, presque rushée. Le contexte de l’époque passe un peu mal aussi, car impossible de croire qu’un homme de plus de cinquante ans se pavanait de partout, plateau télé, restaurant, en terrasse, avec des dizaines de jeunettes à peine pubères de 13 à 16 ans, que tout le monde savait, même les parents et amis, et que tous ont fini par accepter la situation. Et que dire de la morale du film quand on présente comme le sauveur de l’adolescente en perdissions (alors âgée de 15 ans) un étudiant en fin de cycle d’environs 25 ans ? Certes, l’écart est moindre, mais quitte à opposer manipulation et vrais sentiments, autant éviter de remettre un rapport de confort matériel de l’homme plus âgé. Un film sur un débat de fond important, qui semblait partir sur de bonnes bases de par son premier acte maîtrisé, mais qui se perd ensuite entre voyeurisme et égarements.