Colombiana
2011
Olivier Megaton

Grande spécialité de la société EuropaCorp de Luc Besson, ses films d’actions sont plus ou moins réussis avec toujours cette notion de rythme, véritable marque de fabrique et gage de qualité. Quitte à foncer dans le mur, autant le faire le plus vite possible. Il officie d’ailleurs en tant que scénariste, chose qui avait particulièrement réussi pour l’explosif Taken.

Comme le titre l’indique, l’histoire trouvera ses racines en Colombie, terre natale de notre héroïne. Suite à des problèmes avec un trafiquant de drogues, la famille Restrepo se fait massacrée et leur fille de 10 ans survie de justesse en fuyant. 15 ans plus tard, Catalaya (Zoe Saldana) est adulte et a apprit l’art du meurtre avec son oncle et effectue quelques assassinats alimentaires. Mais son réel objectif est tout autre : venger ses parents.

La bande-annonce ne m’avait, à l’époque, vraiment pas convaincu. Et pour cause, que faire d’une énième histoire de vengeance ? Et sans acteurs reconnus, la curiosité n’était pas non plus tellement titillée. Mais finalement le début se montre des plus rassurants : pas de temps morts, une course-poursuite endiablée et une jeune actrice prometteuse, plus d’ailleurs que son homologue adulte. Puis le film s’enchaîne intelligemment et accumule les scènes fortes entre la discussion devant l’école et le premier meurtre. Le personnage s’installe avec une efficacité redoutable et on se prend de passion pour sa quête de justice. Le résultat manque bien évidemment d’originalité mais son rythme permet un divertissement de grande qualité pour les cinéphiles.

Le Phare du bout du monde
1971
Kevin Billington

Souvent, le film n’est pas celui qu’on croit. Sa véritable origine est d’ailleurs très révélatrice et, après avoir vu le film, explique bien des choses : il s’agit d’une adaptation de Jules Vernes. Romans fantastiques, de science-fiction ou bien d’aventure, cette nouvelle épopée est bien différentes des autres.

Tout commence paisiblement sur une île rocheuse alors qu’un brave capitaine et son matelot viennent faire escale au phare pour attendre leur navire. Ils patientent donc avec le gardien du phare : Denton (Kirk Douglas). Mais soudain, le vent se mit à tourner et un voilier fit son apparition. Et alors que Denton surveillait le phare, les deux autres rendirent visite aux arrivants. Pirates fous et psychopathes, ils fendirent sur eux et les massacrèrent sans autre forme de négociation. Heureusement pour lui, la distance lui aurait permis de fuir, mais c’était sans compter sur le fait que leur accostage fut prémédité : ils savent pour Denton. Traqué, il devra se monter fort et rusé pour survivre. Ou faire n’importe quoi, ils sont de toute façon tous très cons…

Parler de déception serait un euphémisme hilarant. Tout commence assez bizarrement entre des personnages énigmatiques, un ton pesant, des musiques saccadées et une ambiance autant malsaine qu’envoûtante. Le spectateur sent qu’il va se passer quelque chose d’énorme. Puis les pirates arrivent et c’est un déchaînement de violence gratuite et sordide qui pèse d’une lourdeur infinie sur un Kirk Douglas au charisme prodigieux. L’homme seul et traqué par des chiens enragés, en voilà une perspective des plus réjouissantes et intéressante. On se retrouve à mi-chemin entre Seul au monde, Shutter Island et La Planète des Singes. Du très très lourd ( j’étais d’ailleurs parti sur une base d’au moins quatre étoiles) ! Mais chaque pas supplémentaire ne sera que désastre et désolation. Denton va se révélé d’une connerie hallucinante et rien ne viendra justifier la présence ni le comportement des intrus. Chaque décision prise va à l’encontre de toute notion de survie et de logique. Avec tant de bêtise et un rythme infâme, le film évoluera tristement vers le nanar… Ce qui s’annonçait comme un thriller psychologique exceptionnel va s’avérer être une vaste plaisanterie qui fera rire par dépit.

La Horde
2010
Yannick Dahan, Benjamin Rocher

Comme le disait Sam Witwicky, « sous la carapace se cache la richesse ». Et bien ici, sous le classique et la misère se cache le plagia. Alors que le film commence douloureusement dans un univers policier avec les habituels discours aussi vides que le jeu des acteurs, on nous lâche d’emblée et dans la confusion la plus totale sur une histoire de vengeance. Un gang aurait, semble t-il, tué un flic, et une bande du service crie justice. Ainsi, une demi-douzaine de policiers cagoulés débarquent dans immeuble et réclament le sang des meurtriers. Mais tout va très très mal se goupiller : alertés par un concierge trop bruyant, les malfrats vont ouvrir le feu à travers la porte. L’un d’eux meurt sur le coup puis deux autres sont froidement abattus. Les trois restants seront quand à eux faits prisonniers. Mais alors que la séance de torture allait démarrer, d’étranges halos et d’énigmatiques grognements vont interrompre la réunion. Que se passe t-il ? Quelques minutes plus tard, l’un des guetteurs revient en mode zombie et s’attaque, mâchoire en avant, à ses amis. Trois chargeurs vidés dessus n’y font rien, il se débat telle une créature immortelle, jusqu’à ce que le chef sorte son fusil et lui fasse sauter le caisson. Mais qu’est ce que c’est que ça ?

Trop occupé à se lamenter sur les acteurs atroces et les dialogues pathétiques, le spectateur ne se doutait pas de ce qui l’attendait, et les scénaristes non plus d’ailleurs. Telle une perruque dans la soupe, on nous balance une invasion de zombies sans autre forme d’explication. Soit, c’est un choix audacieux. Par contre, le cerveau était-il obligatoirement à ce point en option ? Quelle meilleure place que le toit d’un immeuble ? La vue est dégagée, cela permet une évacuation en hélicoptère et l’armée peu nous repérer aisément. Vouloir quitter une place aussi stratégique ne devrait être qu’un cas d’extrémité majeur : se nourrir. Il faut en tout cas avoir un sacré plan pour tenter une sortie. Non ? Eh bien non : ils quittent le toit sans autres pensées que sortir. C’est malheureux un instinct de survie aussi dangereux… Le film contrebalance donc son casting ingrat et ses dialogues insipides par une histoire misérable. Le résultat est passablement grotesque…

Peggy Sue s'est mariée
1987
Francis Ford Coppola

En voilà un titre pour le moins non-accrocheur, et accessoirement quasi hors sujet. Surtout que cette affirmation (« s’est mariée ») est des plus variables quand on prend on compte le thème du film : le voyage temporel. Il y a un certain suspense autour de ce fait marital et le titre n’en est que plus mauvais, mais bon…

L’histoire prend place en 1985, à la fête symbolique pour les 25 ans de la promotion du lycée de Peggy Sue (Kathleen Turner), qui s’y rend avec sa fille (Helen Hunt), qu’elle a d’ailleurs eu avec son petit ami de l’époque : Charlie (Nicolas Cage), de qui elle s’apprête à divorcer. La soirée classique par excellence où tout le monde se met en avant et déballe aux autres sa carrière infiniment supérieure, ou ses réussites familiales. C’est alors que prise de vertiges, Peggy Sue s’effondra par terre. Mais son réveil fut encore plus brutal : elle était retournée en 1960 ! Que faire ? Profiter des disparus, se réconcilier avec sa famille ? Et que faire de Charlie, le beau gosse qui s’est tapé un jeunette vingt ans plus tard ? Nouveau départ, nouvelle vie.

Un grand fantasme qui ne remonte pas d’hier : revivre sa vie, mais en se souvenant de tout, pour éviter de refaire les mêmes erreurs. Le cadre très rétro ne change rien à la donne, c’est une expérience qui ne peut qu’être passionnante. L’immersion est excellente et si le décalage des deux époques a moins d’impact, l’effet est ressenti. Bien évidemment, pour être à peu près crédible à 18 comme à 33 ans, les acteurs approchent plus de la trentaine et cela se traduit par des lycéens plutôt attardés, mais cela est et a toujours été. Et avec un casting cinq étoiles, on l’oublie facilement. On notera d’ailleurs la présence discrète de Jim Carrey, pas encore connu à l’époque. L’idée de départ est donc bonne et est pas mal exploitée avec d’un côté des passages assez drôles, et de l’autre des moments plus émotionnels avec l’attendrissant Nicolas Cage qui joue les romantiques avec son cheveu sur la langue et sa maladresse perpétuelle. On reste dans du très classique, et donc pas spécialement original, mais on en apprécie chaque nuance, et un petit film mignon et léger, c’est toujours bon à prendre.

Bliss
2009
Drew Barrymore

Pour son tout premier film en tant que réalisatrice, Drew Barrymore va s’attaquer au Roller Derby, mélange de sport de contact et course sur roller. Particulièrement présente dans les années 60, cette discipline très particulière fait son grand retour aujourd’hui et aura inspiré le livre « Whip it », dont le film est l’adaptation.

Celle qui nous plongera au cœur des rollers, c’est Bliss (Ellen Page), une finissante qui jongle entre l’école, son boulot de serveuse, et la passion de sa mère (Marcia Gay Harden) pour les podiums et autres concours de beauté auxquels elle l’oblige à participer. Mais alors qu’elle allait voir son tout premier match de roller derby fortuitement, elle se prit de passion pour ce sport féminin ultra-violent et décida de participer au recrutement. Excellente sur la vitesse, elle fut immédiatement prise. Mais comment vivre sa passion quand personne ne vous encourage, et pire, vous pousse à abandonner vos rêves ?

Le sujet est pour le moins original, d’autant que si le sport est reconnu aux Etats-Unis (et a même inspiré les films de science-fiction Rollerball), il est pour ainsi dire inexistant outre-Atlantique. Et quand on voit cette bande de brutes se foutre des coups de hanches et de coudes plus ou moins réglementaires, on ne peut que se prendre de sympathie pour elles. On notera d’ailleurs dans le groupe, outre la délurée Drew Barrymore en mode castagne, la désormais incontournable Kristen Wiig. Le concept marche bien et avec un entraîneur souffre-douleur un peu cinglé, on obtient un film sympathique et très frais. Un fois installé, le film n’évoluera malheureusement plus beaucoup et ne nous surprendra que très peu, de même que seules deux équipes s’affrontent à l’infini, mais le résultat reste très divertissant et le charme de Juno n’a rien perdu de sa superbe.

Un jour
2011
Lone Scherfig

Comme près d’un film sur deux, on se retrouve une nouvelle fois face à une adaptation d’un roman : le best-seller éponyme de David Nicholls, d’ailleurs au centre du film puisqu’il en a écrit le scénario. On pourra néanmoins se rassurer un tant soit peu en apprenant que le succès du livre se fit sur la durée.

L’histoire reposera sur une romance des plus classiques : deux meilleurs amis. Leur rencontre eu lieu le 15 juillet 1988 alors qu’ils terminaient leurs études. – Les acteurs avaient sept et six ans mais bon… – Ce jour là, au lieu de coucher ensemble, Emma (Anne Hathaway) et Dexter (Jim Sturgess) ont décidé de devenir amis. Une bêtise qui leur coûtera très cher puisqu’il sont en fait amoureux et que Emma va enchaîner les boulots de merde et renoncer à ses rêves tendis que Dexter va sombrer dans toutes les formes d’addiction en plein méandre télévisuel. Mais qui sait, peut-être qu’un jour…

L’histoire nous balance trois gros clichés d’emblée : « les hommes sont des lâches immatures », « les femmes sont connes et ne savent pas ce qu’elles veulent » et « l’amour entre amis est toujours plus fort ». C’est du vu et revu à l’infini. Au moins, la structure est intéressante : le film ne nous raconte qu’une journée par an, le 15 juillet. On regrettera par contre que les changements physiques dus à la vieillesses soient si peu convaincant. Reste le couple Anne Hathaway / Jim Sturgess tant esthétique qu’efficace. Si le film trouve clémence à nos yeux, c’est principalement grâce à leur charme et à leur talent, et certes aussi grâce à quelques rebondissements et une fin intelligente. Le passage de pommade est utile et donne une touche poétique qu’il manquait depuis le début. Ça n’excuse pas la quasi absence d’originalité mais force est de reconnaître que le film est plutôt solide et que si on passe outre l’habituelle bêtise amoureuse, l’histoire vaut le détour.