L’Outsider
2016
Christophe Barratier

Alors que le monde avait le regard plein de colère en pensant à la crise du subprime et tous ces traders américains qui avaient ruiné des milliers de familles avec leurs produits AAA tout sauf garantis, le phénomène a conjointement touché les marchés boursiers du monde entier, faisant craindre pour leurs économies tous les petits particuliers qui avaient investis dans les valeurs « refuges ». Encore plus touchée que leurs comparses d’outre-Atlantique (-60% Vs -53%, mais surtout un cours actuel à -33% contre +28% par rapport à juillet 2007), la France a aussi eu ses déviances capitalistes exposées au grand jour avec un trader qu’on ne présente plus.

Entré à la Société Générale au début des années 2000, Jérôme Kerviel (Arthur Dupont) y a fait ses débuts comme simple informaticien, mais y a très vite grimpé les échelons. Ami de Keller (François-Xavier Demaison), le meilleur trader de la banque, il va rapidement faire ses preuves et ce dernier va lui offrir le travail d’assistant avant de finalement devenir à son tour trader. Son boulot était simple : rapporter de l’argent à sa banque en prévoyant les fluctuations financières et ainsi vendre et acheter aux meilleurs cours. Pulvérisant tous ses collègues et tous les objectifs de la banque, il va peu à peu s’enfermer dans une spirale du chiffre, grisé par sa réussite et cherchant continuellement à se surpasser, quitte à mettre en jeu des sommes considérables qu’il n’aurait jamais dû avoir en mains.

Savoir les origines du scandale Kerviel pouvait être intéressant, d’autant que récemment Margin Call avait montré que ces monstres de la finance qu’on appelle trader, dont le métier est le paroxysme du capitalisme et abîme l’image de notre société, sont avant tout des êtres humains au demeurant sympathiques. Le parallèle entre les deux films ne s’arrête d’ailleurs pas là, on retrouve ici ce même dynamisme, la même simplicité dans la vulgarisation du métier, sans compter le savoir-faire artistique. La réalisation est très ambitieuse avec des plans aériens, des plans grues avec notamment un passage extérieur-intérieur impressionnant, et l’idée de la représentation de la valeur de l’argent donne toute la mesure des enjeux. Le personnage de Kerviel est particulièrement intéressant, en bonne partie grâce à son interprète, et son mentor nous fera lui aussi forte impression. Un film édifiant à l’impact indéniable.

Blood Father
2016
Jean-François Richet

En 2010 on annonçait le grand retour de Mel Gibson avec Hors de contrôle, mais le film fut un échec critique et commercial. L’année suivante le très bon Le Complexe du Castor devait définitivement le faire renouer avec le public après des années de passage à vide à cause de ses dérapages médiatiques, mais finalement non plus, il ne fait depuis qu’enchaîner les rôles de gros durs ou de méchants dans des sous-productions ou des suites qui se sont cassé les dents. Encore une fois, on annonce prématurément son retour, le film n’étant pratiquement pas sorti en dehors de la France, a tout juste rapporté quatre millions de dollars dans le monde et ne sortira à priori pas aux Etats-Unis.

Ancien alcoolique qui avait de mauvaises fréquentations, John Link (Mel Gibson) venait de sortir de prison depuis tout juste un an quand les emmerdes vont lui tomber dessus. Disparue depuis quelques années, beaucoup plus pour lui de par son séjour à l’ombre, sa fille va refaire surface, l’appelant à l’aide. Complice dans une affaire de trafic de drogues, elle a par accident tué l’un des caïds du milieu, lui attirant les foudres d’un cartels des plus dangereux. Lui qui s’était imaginé mainte fois ces retrouvailles, il n’en espérait pas tant.

Alors oui, on retrouve l’acteur de légende en grande forme et son charisme ne s’est pas tari d’un iota, la barbe lui va très bien et il est une fois de plus un badass évident, mais le film est d’un banal confondant. Le père qui protège sa fille avec des trafiquants en toile de fond, c’est bien trop classique pour qu’on le tolère tel quel, et l’histoire d’ex taulard aux alcooliques anonymes n’est pas une idée follement originale non plus. Un scénario pas très intéressant donc, mais heureusement il y a une vraie dynamique de récit et les personnages sont assez bien écrits à défaut de dépasser leur statut de stéréotype, avec parmi eux William H. Macy en parrain de John et Thomas Mann en réceptionniste simplet. Un film sans grand intérêt en dehors de retrouver un acteur trop peu présent, bien que son efficacité certaine nous offre un divertissement honnête.

La Ferme du pendu
1945
Jean Dréville

Si la France venait tout juste de sortir de la Seconde Guerre Mondiale, elle n’allait pas s’arrêter à cette seule bonne nouvelle durant l’année 1945. En effet, dans ce film sorti quatre jours et 46 ans avant A.L. un certain Bourvil faisait ses débuts au cinéma, bien que son rôle y soit quasi figuratif, poussant une fois la chansonnette au fond d’une tablée, coursant celui qui l’a fait cocu à deux reprises puis se mêlant une dernière fois à la foule. Rien de très glorieux, et le film n’a pour sa part rien de mémorable.

Dans un petit coin rural du pays, trois frères et une sœur venaient de perdre leur père, menaçant donc la ferme familiale de vente à cause des parts des uns et des autres. Chose impensable pour l’aîné, il va faire pression sur les trois autres pour que personne ne touche à l’héritage et que tous continuent de trimer comme des bêtes dans la ferme. Une situation sous haute tension qui va donner des envies de se barrer à la sœur, tandis que les esprits des deux frères cadets vagabonderont ailleurs.

Déjà pour commencer, pas bravo à ceux ayant décidé du titre du film, gros spoiler d’un événement ne survenant que dans le dernier quart de l’histoire. Ensuite, les personnages sont chiants. La sœur n’est qu’une pauvre chose qui tombe dans les bras du premier venu, le plus jeune des frères est d’une mollesse insupportable et le cadet mérite amplement le retour de karma qu’il va se manger à force de coucher avec toutes les femmes du village, même celles qui sont mariées, faisant passer tous les hommes pour des cocus lamentables, et toutes les femmes pour des salopes complètement débiles. Pour ce qui est de l’aîné, l’adjectif « connard » semble tout désigné tant rien ni personne ne vaut quoi que ce soit à ses yeux en dehors de sa ferme, n’hésitant à rabaisser tout le monde, faire pression sur eux et multiplier les sales coups, sans compter son arrogance, son côté dédaigneux et son air de supériorité immérité. Un caractère d’enfoiré qui se manifeste aussi physiquement entre sa forte corpulence, ses gimmicks méprisables et son hygiène atroce. Voir tout le monde s’écraser devant un tel être abjecte est offusquant, bien plus que ce la patiente ne le permet, alors pourquoi s’infliger ça en tant que spectateur ? Personnellement, malgré les rebondissements et certains personnage attachants, ça m’insupporte plus qu’autre chose.

Love, Rosie
2015
Christian Ditter

Dans une romance, il n’y a souvent que deux possibilités : soit ils se rencontrent et c’est le bonheur, soit il y a quelque chose qui gène, comme quelqu’un d’autre, une maladie ou des histoires de castes. Donc au bout d’un moment, quand la plupart des romances sont basées sur le même moule, on en a vite marre. Entre des notes excellentes et un casting sympathique, on pouvait espérer un certain renouvellement ici, mais la formule reste invariablement classique.

Ah bah non, pas lui, c’est mon meilleur ami. Eh bien si, comme d’habitude c’est le bon copain d’enfance qui est l’amour de sa vie, mais comme personne ne veut se l’avouer on commence à se faire sa vie avec un autre / une autre, et au fil des années on se rend compte qu’on est malheureux mais c’est jamais le bon moment pour tout avouer à l’autre. Voilà les tourments qui accableront Rosie (Lily Collins) et Alex (Sam Claflin), les deux meilleurs amis du monde qui en réalité fantasment sur l’autre depuis le premier jour.

Payes-toi la pair d’abrutis ! Mais bon, après tout ce genre de problème n’est pas insurmontable, la preuve en est avec l’excellente série How I Met Your Mother qui fait passer la pilule avec un humour légendaire et qui justifie le tout avec une romance magnifique et bouleversante donnant naissance au titre. Ici, sans atteindre le niveau de la série, il y a aussi quelques bonnes idées pour tenir la route, notamment la fille, qui avant même son arrivée est à l’origine de blagues très cocasses. La meilleure amie de Rosie est aussi un très bon personnage et de manière globale la plupart des intervenants sont intéressants de par leur dimension tragique ou comique. L’intervention du professeur avec l’ordinateur, le passage dans l’ascenseur ou encore les divers running-gag sur Bettany sont autant de bonnes idées qui confèrent au film une grande efficacité comique, mais en dehors de ça le principe du film est usant. Les meilleurs amis qui se courent après, on a vu ça des centaines de fois, le discours gênant au mariage aussi et le film n’innove pas assez pour se démarquer. En résulte une énième comédie romantique reposant sur le même thème, même s’il est vrai que cette itération est sympathique.

Au nom de ma fille
2016
Vincent Garenq

S’il y a bien un homme qui lui a pourri la vie, c’est bien Dieter Krombach. En 1971, alors qu’André Bamberski (Daniel Auteuil) vivait au Maroc avec sa femme (Marie-Josée Croze) et ses deux enfants, Dieter, qui était sensé être un bon ami de la famille de par la complicité de leurs filles, se tapait en réalité sa femme. Après avoir déménagé en France, il espérait retrouver son foyer comme avant, mais Dieter les avait suivi et avait remit le couvert, entérinant définitivement son mariage. Une trahison qu’il a toujours eu en travers de la gorge, mais ça ne l’empêchait pas de laisser de temps à autre ses enfants à son ex femme et celui qui l’avait prise. Seulement lors de l’été 1982, sa fille alors âgée de 14 ans mourut subitement chez eux et l’affaire fut classée. Anéanti par le chagrin et cherchant à comprendre, ce qu’il va lire dans le rapport d’autopsie va se révéler accablant. Et si Dieter avait violé et tué sa fille ? Va alors débuter un long combat contre un homme potentiellement responsable des pires atrocités et une justice corrompue et faible.

Tiré d’une histoire vraie, le récit du film aura fait beaucoup parlé de lui au fil des années, faisant régulièrement la une entre 1982 et 2009, ne laissant que peu de place à l’imagination quant à l’issue de l’affaire pour ceux qui s’en souviennent.  La question n’est donc pas de savoir quand, comment ou pourquoi, on se concentrera sur le combat d’un père ayant perdu celle qu’il aimait le plus au monde. L’intérêt du film est donc l’envers de l’enquête, nous montrant pas à pas les tentatives désespérées du père, les avancements de l’investigation, les découvertes troublantes et les divers soutiens obtenus. Sa motivation force le respect tant son acharnement ne vacillera pas 28 années durant, redoublant continuellement d’efforts et trouvant régulièrement des idées brillantes pour sa cause. Certains personnages apportent aussi beaucoup comme l’avocat et le professeur d’allemand, sorte de gardes-fou et soutiens moraux. Le combat est plein de rebondissements, l’affaire est à la fois importante et marquante, les acteurs sont d’une rare justesse et avec seulement 78 minutes de film l’histoire est particulièrement bien condensée. Une retranscription sobre et digne.

Les mots pour lui dire
2014
Marc Lawrence

Vaguement sorti dans quelques pays entre 2014 et 2015, le film est sorti chez nous directement en DVD en décembre dernier mais est passé complètement en dessous de mes radars. Réalisateur à qui l’on doit notamment Le Come-Back, l’une des plus belles comédies romantiques jamais vues, il retrouve ici son acteur fétiche pour une nouvelle histoire emplie de romance produite par Showtime, chaîne de télévision à qui l’on doit la série Californication dont la la troisième saison semble avoir beaucoup inspiré le film.

Scénariste d’un seul succès, Keith Michaels (Hugh Grant) a depuis vu sa carrière décliner, au point qu’aujourd’hui plus personne ne veut de lui ou de ses scénarios. Au bord du gouffre et sans le sou, il va accepter un poste d’enseignant en université dans un coin paumé et humide, loin de se douter de toutes les responsabilités et du travail qu’il allait avoir. À des années lumière de se soucier de ses élèves et de ses cours, il va peu à peu prendre conscience de son importance et de ce qu’il pourrait leur apporter.

Une immaturité flagrante, une carrière d’écrivain au point mort après un seul et unique succès, le recours fréquent à l’alcool et le goût prononcé pour les jeunes femmes : l’inspiration est évidente, mais heureusement le film n’est pas qu’une copie conforme de la série susmentionnée. Moins accès sur l’auto-apitoiement et la recherche de l’âme sœur, les diverses romances étant ici bien plus secondaires, c’est surtout de renaissance humaine et professionnelle dont il est ici question avec la découverte de l’enseignement. Une quête identitaire intéressante et très bien portée par l’acteur britannique Hugh Grant, toujours aussi classe et charismatique, donnant accessoirement la réplique à Marisa Tomei, femme s’essayant à une reconversion tardive en intégrant la classe du professeur, et J.K. Simmons, campant le proviseur de l’établissement. L’histoire est simple, assez prévisible même, mais le cadre est sympathique, l’approche efficace et l’humour grinçant.

Avant toi
2016
Thea Sharrock

Souvent cantonnés à de modestes succès, les films romantiques n’ont pas l’habitude de déchaîner les passions comme ici, mais à l’image de Nos étoiles contraires, dernier film du genre à avoir connu un succès planétaire, il semblerait que la tristesse fasse vendre. Avec plus de 207 M$ dans le monde à l’heure actuelle (sortira t-il en Chine ?), cela faisait deux ans qu’on avait pas vu un engouement pareil, et il est vrai que le film a de solides arguments.

Adaptation du roman de jojo Moyes, le film raconte le calvaire de William Traynor (Sam Claflin), ancien grand nom de la finance qui menait une vie de rêve et à qui tout réussissait, mais qui va du jour au lendemain se retrouver quasiment intégralement paralysé à cause d’une collision avec une moto. Anéanti par la prison qui lui sert de corps, il a perdu du goût à la vie et ses parents vont alors embaucher la jeune et pétillante Louisa Clark (Emilia Clarke), qui va tout faire pour lui redonner la joie de vivre.

Le principe du film est simple : une âme perdue à sauver. C’est un peu le principe d’Intouchables, d’autant plus que la personne handicapée est très riche. On retombe donc immédiatement dans les travers classiques de ce genre de films, comme pour le récent Un Homme à la hauteur. La personne ne pouvait pas être un individu lambda, il fallait évidemment qu’elle soit riche sinon comment pourrait-on s’y intéresser ? Le pire, c’est qu’en réalité le film ne s’en sert pas tellement pour développer l’intrigue sentimentale, c’est surtout une alchimie de grande amitié humaine, donc cette tare scénaristique n’était même pas utile. L’histoire en elle-même est plutôt bonne, à ceci près que la fin est passablement ratée, faisant beaucoup de mal à sa cause et se basant sur une théorie de l’après qui ne repose sur rien. C’est dommage car le film a vraiment quelque chose de spécial entre son ton très poétique, sa réalisation aux plans soignés, mais surtout la sincérité des émotions véhiculée par des acteurs de très haut niveau (incluant Charles Dance, Brendan Coyle et Matthew Lewis, le Nevil de Harry Potter), surtout notre Khaleesi. Difficile de dire si elle est la meilleure actrice du monde ou si c’est l’hallucinante attirance charnelle qui parle, mais il est clair qu’elle dégage quelque chose d’unique et de fascinent. De mémoire je n’ai jamais vu quelqu’un d’aussi expressif, surtout en terme de sourcils et de fossettes, l’actrice possédant des muscles sur-développés au visage. Elle véhicule tant d’émotions qu’elle rend crédible le film à elle seule. Entre une direction artistique de qualité, des acteurs exceptionnels et une histoire très touchante, le film fait office de référence, et c’est d’autant plus dommage de se fourvoyer à ce point dans la dernière ligne droite.

Ce sentiment de l’été
2016
Mikhaël Hers

Dans la catégorie « films joyeux », voici l’acceptation du deuil. Vivant le parfait amour à Berlin avec sa petite française, un américain va voir son monde s’effondrer quand sa fiancé va s’écrouler raide morte en sortant du travail (rupture d’anévrisme ?). Anéanti, il sera néanmoins soutenu par la famille de feu sa conjointe, mais cette proximité lui rappelant sa douleur, il va peu à peu couper les ponts. Un an plus tard, le hasard des choses lui fera revoir son ancienne belle-sœur à Paris, étant tous deux invités à une soirée d’une amie commune qu’ils partageaient avec la défunte. Va alors s’instaurer une tradition d’été de partager ensemble leurs souvenirs de celle qu’ils aimaient.

Ah que c’est glauque ce genre de films… On nous montre la misère humaine dans ce qu’elle a de plus fragile : l’affectif. On y ressasse donc le passé, les protagonistes s’enferment dans leur malheur, les choses n’avancent pas et les rechutes sont nombreuses. Le récit s’étale sur trois ans, et même après ça les séquelles restent sévères. Plus d’un millier de jours à retracer, ça peut paraître beaucoup, mais en réalité le film ne s’attarde que sur quatre étés (ou trois si Paris et Annecy sont le même été, pas fait gaffe) avec à chaque fois un ou deux jours de montrés, et la plupart du temps le film ne fait qu’alterner les plans sur la solitude des personnages et leurs discutions, créant de gros problèmes de rythme tant la narration est tout sauf fluide. Ce que propose le film n’a pas grand intérêt ni humainement ni philosophiquement, tout juste peut-on dire que les acteurs sont bons et que certains plans baignant dans la lumière sont jolis. C’est peu.