Le Placard
2001
Francis Veber

De temps à autre les français se ruent sur une comédie bien basique sans qu’un soupçon de piste ne se dégage. Il y a de ça plus de dix ans, plus de cinq millions de spectateurs se sont jetés sur ce film au pitch bien gras et au résultat qui n’avait pourtant pas convaincu grand monde. À moins qu’à «l’époque» rire sur l’homophobie était d’un niveau de provocation inédit, un peu comme Qu’est-ce qu’on a fait au bon dieu ? avec le même problème à l’arrivée : le film est exactement ce qu’il dénonce.

Grande tradition du réalisateur pour les têtes de turc qui se font victimiser au cinéma, le film met en avant un François Pignon (Daniel Auteuil) qui va apprendre par un concours de circonstances que son poste est plus que menacé : son renvoi est acté. Désespéré et voulant en finir entre son licenciement, son divorce et son fils qui le rejette, il sera secouru par un voisin qui lui soumettra une idée qui pourrait le sauver. En faisant son coming out, le virer reviendrait à un crime homophobe. Il va donc décider de sortir du placard.

Quand on touche à un sujet polémique, taper dedans en donnant dans le graveleux n’est pas tout à fait ce qu’on pourrait qualifier d’approche subversive. Ah c’est sûr qu’avec Thierry Lhermitte qui transforme un bourru de Gérard Depardieu en petit être sensible à grand coup d’endoctrinement, ça n’est pas gage de finesse. Bon, le principe est marrant deux minutes et le casting est dingue avec en prime Michèle Laroque et Jean Rochefort, mais difficile de faire l’impasse sur les innombrables problèmes. De un le film parle d’homosexualité sans qu’il y ait d’autre représentant que le voisin, dont on ne sait presque rien au final, de deux le film appuie trop sur les barrières psychologiques et ne parle que des à priori, et de trois l’écriture des personnages est médiocre. Le héros a une vie lambda, les autres ne sont pas développés voir oubliés en cours de route, oubliant ou se foutant de leurs enjeux personnels. Le sujet de base est sympathique et assez bien exploité avec quelques gags efficaces, mais c’est d’une telle paresse qu’on ne peut tout excuser.

The Host
2006
Bong Joon-Ho

Le cinéma sud-coréen connaît un essor phénoménal, notamment grâce au réalisateur de ce film, Bong Joon-Ho, dont le dernier film en date Okja a fait énormément parler de lui à Cannes et qui est acclamé tant par la presse que par les spectateurs. Si jusqu’à présent l’engouement autour de lui était surtout une exclusivité locale malgré quelques tentatives d’exportation, le voilà désormais dans la cours des grand, l’occasion de s’intéresser au reste de sa filmographie.

Dans la culture asiatique, les kaiju (sorte de gros monstres) ont une importance cruciale, et c’est une nouvelle fois l’un d’eux qui occupe une place centrale dans le film. Suite à l’absence de conscience professionnelle et d’un je-m’en-foutisme ahurissant en terme d’écologie, un labo va rejeter une quantité phénoménale de produit toxiques dans l’eau, aboutissant à la fusion de diverses espèces sous-marine formant un gigantesque et mortel prédateur ultime. Arrivé à maturation dans le fleuve de Séoul, capitale sud-coréenne, le monstre va plonger la ville dans l’horreur entre la violence de ses attaques et la paranoïa ambiante entourant le risque de virus.

Comme pour bon nombre de films du genre, on suit la grande histoire au travers de petits yeux, à savoir une famille frappée par la perte de la petite dernière, prise lors de la première attaque. Dans l’absolu ça peut être une bonne idée, mais le film ne marche pas très bien. Pour un film à si petit budget (11 M$), la créature n’est pas totalement ridicule, ce qui est déjà pas mal, et en terme de réalisation c’est même plutôt esthétique et dynamique, mais le reste est excessivement mauvais. Les acteurs sont atroces et lors de scènes comme le mur des disparus on frise le nanar, mais ce qui passe le plus mal c’est le scénario. D’un côté on a une créature qui fait des centaines de morts et qui semble très facile à trouver sans pour autant que l’armée ne tente quoi que ce soit de sérieux contre elle, et de l’autre on a la crainte qu’une pandémie terrible sans pour autant que des mesures de protection et de confinements à la hauteur ne soient adoptées. On suit péniblement cette grotesque attaque parce qu’elle est plutôt bien mise en scène et que deux trois pointes d’humour fonctionnent de temps à autre, mais globalement c’est assez honteux.

Julietta
1953
Marc Allégret

Voici l’histoire de « comment fumer nuis gravement à la santé ». Alors qu’il prenait le train ce jour-là, André (Jean Marais) va oublier son étui à cigarettes que lui ramènera sa voisine de cabine, Julietta (Dany Robin). Seulement le train ne faisant qu’un arrêt éclair, le temps de rattraper l’étourdi le train repartait déjà et en voulant lui rapporter son étui Julietta va se retrouver piégée à Poitiers à devoir attendre le prochain train pour Paris qui n’arrivera que le lendemain. En bon prince et parce qu’à cause de quelconques festivités locales les hôtels affichent tous complets, André va l’amener chez lui pour la nuit, en tout bien tout honneur dans la mesure où aux premières lueurs du jour il devait partir chercher sa fiancée (Jeanne Moreau). Voulant échapper à un mariage qui ne l’enthousiasmait guère et persuadée que la maison allait rester vide d’après ce qu’André avait annoncé, elle ne prit jamais le train et resta dans sa maison, mais dès le soir suivant André arrivait avec sa promise. Elle faisant sa boudeuse qui veut rester et lui ne souhaitant s’exposer au scandale d’une autre jeune femme présente chez lui, il va la cacher dans son grenier et va alors commencer une cohabitation secrète.

Le film aurait aussi put s’appeler « Un Pauvre homme et deux chieuses ». Alors que lui est un homme respectable qui ne demandait rien à personne, de bonne famille et avec un bel héritage immobilier, il va se retrouver dans une situation intenable entre les caprices de l’une et l’hystérie de l’autre. Aucune des deux ne fera jamais la moindre concession ni le moindre effort, créant un climat particulièrement tendu et très peu évolutif. Les seuls changements viendront de la résignation du pauvre homme, ce sur le tard. Ainsi, une fois le contexte installé, la situation devient très vite redondante et figée, créant inlassablement un ennui permissif. Comme en plus le film donne raison à ceux qui ne cèdent pas alors même que moralement et légalement ça n’est clairement pas ça, on se demande bien quel est l’intérêt. Au début oui, c’est amusant, mais ça fini par lasser.

Mary
2017
Marc Webb

Alors qu’il devait enchaîner sur un troisième Amazing Spider-Man, Marc Webb fut finalement libéré de ses obligations malgré le succès solide du second opus, l’occasion pour lui de s’éloigner un peu des superproductions pour se focaliser sur un film plus modeste mais potentiellement plus ambitieux, car divertir n’élève pas autant qu’une belle leçon de vie. Présent sur la fameuse black-liste des meilleures histoires, le film a connu un maintient incroyable, amenant ce petit film indépendant à près de 25 M$ sur le seul territoire américain. Une jolie performance pour un film qui l’est plus encore.

Certaines vies sont marquées par le drame, mais elles ne tournent pas forcément ma pour autant. Abandonnée avant même sa naissance par son père, la petite Mary (Mckenna Grace) se retrouva peu après sa venue au monde orpheline, sa mère ayant mit fin à ses jours, la laissant ainsi à son frère Frank (Chris Evans). Mary a aujourd’hui huit ans et vie pleinement heureuse avec son oncle, épaulé par une voisine (Octavia Spencer) qui s’est rendue indispensable en tant mère de substitution. Seulement voilà, obligée d’intégrer l’école, Mary va exposer au monde son statut de génie précoce, amenant sa grand-mère à refaire surface et s’immiscer dans sa vie.

Ce film est juste magique. On découvre au début simplement la vie de Frank et Mary, un père exceptionnel et une fille non moins incroyable. Il fait tout pour la rendre heureuse et elle de son côté nous épate de par son intelligence et sa précocité. À l’âge où les autres apprennent péniblement les additions, elle maîtrise déjà les équations différentielles et dépasse le niveau des étudiants d’université. Une surdouée qui n’en reste pas moins une enfant avec des joies et des envies simples, arrivant à garder les pieds sur terre grâce au protectionnisme de son oncle qui a bien vu ce que le travail acharné et la vie de bourreau de travail a donné sur sa regrettée sœur. Leurs rapports sont loin d’être conventionnels et à l’image de Captain Fantastic ils prônent la vérité inconditionnelle, donnant lieu à une bouffée d’honnêteté déstabilisante mais jubilatoire avec à la clef des dialogues particulièrement soignés et savoureux. Le talent des acteurs est dingue – notamment le boy-scout au bouclier et sa petite qui sont bluffants – et ils arrivent à restituer énormément d’émotion, nous faisant vibrer à chaque instant tant chaque passage a une ampleur énorme. Le choc à l’école est monstrueux, les révélations sur le passé sont de véritables séismes et le coup de l’affiche frôle l’arrêt cardiaque avant un tonnerre d’applaudissement intérieur. L’impact est gigantesque, la morale indiscutable. Un film aussi brillant qu’inspirant.

Chacun sa chance
1930
René Pujol

Récemment restauré, ce film du début du cinéma parlant a aujourd’hui un intérêt qui était à l’époque loin d’être soupçonné, ou en tous cas pas dans de telles propensions. En effet, cette comédie-musicale fut la première occasion qu’à eu le public de voir sur grand écran celui qui deviendra par la suite l’une des plus grandes légendes du cinéma français : Jean Gabin.

La chance, ça tourne. Simple ouvrier du textile qui était jusqu’alors persuadé d’être sous une mauvaise étoile, Marcel Grivot (Jean Gabin) va voir sa chance arriver un beau jour. Une erreur de consigne va changer sa vie quand la personne chargée des vestiaires va lui rendre les affaires du mauvais Marcel, en l’occurrence un certain baron de Monteuil. De coïncidences en erreurs d’interprétation, il va se retrouver prit au piège d’un mensonge pas désagréable où il jouera les grands seigneurs, le genre riche qui va au théâtre, offre des bonbons et le champagne au restaurant. Pendant ce temps, le vrai baron va passer une très mauvaise soirée, étant prit pour un usurpateur.

Coup vieux comme le monde, le film nous ressort le couplet des rôles inversés entre le prolétaire et l’aristocrate, assorti d’une petite romance des familles qui va bien. Tout est ainsi incroyablement téléphoné, d’autant plus de par le côté comédie-musicale, qui ne passe pas très bien au passage de par la qualité sonore de l’époque, souffrant même après restauration de désagréables grésillements. Les performances sont au mieux acceptables, mais peu auront le recul nécessaire pour le tolérer, la platitude des dialogues et chansons n’aidant pas. Un intérêt qui se résume donc à voir le tout premier rôle d’une légende, et effectivement le bougre démarrait très fort avec une présence loin d’être transparente. En dehors de ça, le film n’a pas de raisons de survivre à l’épreuve du temps…

La Fille du train
2016
Tate Taylor

Si vous êtes passé dans une librairie ou au rayon livre d’une quelconque grande surface au cours des neuf derniers mois, il est peu probable que vous soyez passé à côté de ce best-seller de Paula Hawkins. Il est vrai que les romans policiers se vendent bien plus facilement que les autres pour d’obscures raisons, amenant à relativiser les succès du genre tout comme pour les romances, mais cette fois l’histoire semblait pas mal et le casting était juste dingue. Mouef.

Devenue alcoolique suite à une incapacité à tomber enceinte, Rachel (Emily Blunt) est désormais sans famille ni travail, son ex-mari (Justin Theroux) ayant refait sa vie avec une petite secrétaire (Rebecca Ferguson). Sa vie se résumait jusqu’alors à prendre le train toute la journée, ne focalisant son attention que sur Megan (Haley Bennett) et Scott (Luke Evans), un jeune couple d’apparence très heureux et qui occupait une maison non loin de celle qui fut la sienne. Seulement voilà, au lendemain d’une cuite monumentale, elle va se réveiller couverte de sang et va apprendre que la fameuse Megan est portée disparue.

Le film se construit assez intelligemment comme un puzzle où on découvre progressivement toutes les pièces de telle sorte que le coupable idéal change constamment en fonction des révélations. Le début est un peu lourd dans la mesure où il ne se passe pas grand chose, que les personnages sont stéréotypés et que le coup de « l’ivrogne qui a tout oublié » est bien trop pratique, mais on fini par se laisser emporter par l’enquête, d’autant plus grâce au casting impressionnant qui compte aussi dans ses rangs Edgar Ramirez en psychologue et Lisa Kudrow en femme de l’ex patron. Au final on reste dans du policier assez banal mais ça n’en reste pas moins solide et appréciable.

Take Down
2016
Jim Gillespie

On regarde habituellement avec amusement ou dédain les sorties direct to DVD, constatant soit le déclin des carrières de certaines des plus grandes stars d’une époque révolue, soit tout simplement des productions indignes qui ont déjà eu le mérite de se concrétiser. Cela n’empêche pas de temps à autre de tomber sur des petites perles qui n’ont pas été en mesure de convaincre les distributeurs pour d’obscures raisons, et dans le cas présent le synopsis laissait entendre une potentielle bonne surprise.

Fils d’un milliardaire, Kyle (Jeremy Sumpter) était ce qu’on pourrait qualifier de petit bourge né avec une cuillère en platine dans le bouche, et comme bien des autres dans son cas où l’argent ou la réussite ne seront jamais un problème, il a mal tourné. Entre décadence et excès, son train de vie va provoquer l’incident de trop, poussant son père (Sebastian Koch) à agir : comme d’autres dans son cas, il sera envoyé sur une île un peu spéciale. Coupée du reste du monde, l’île est une sorte de prison naturelle où les pensionnaires devront survivre par leurs propres moyens. Une thérapie de choc pour des fils et filles de milliardaires qui vont de surcroît être prit pour cible par des ravisseurs alléchés par la possibilité de rançons mirobolantes.

On a tous au fond de nous quelque chose de communiste, nous faisant rager face au comportement arrogants de certains ultra-riches. Alors quand en plus on voit leurs progénitures se pavaner comme des parvenus, les voir se prendre un bon gros retour d’ascenseur ça fait du bien. Un camp de l’extrême avec des épreuves de survie, c’est exactement ce qu’il leur fallait et finalement on découvre l’humain qui se cachait derrière, arrivant à peu près à créer une attache suffisante pour qu’on s’inquiète de leur sort. Le film a des allures de série B entre un casting stéréotypé de tops-modèles pas toujours convaincants et un décor quasi unique (mais joli) qui fleure bon le budget serré, mais on s’y fait vite et les maquilleurs aident à l’immersion de par leur travail irréprochable. L’histoire ne va pas chercher très loin et le suspense n’est pas vraiment au rendez-vous, sans compter les comportements si prévisibles que s’en devient parfois pénible, mais le concept marche bien et le film l’exploite solidement. Par rapport à tous les slashers qui pullulent sur nos écrans, le film est clairement au dessus de la mêlée et paraît même intelligent en comparaison, donc autant le soutenir.