La Traversée du temps
2007
Mamoru Hosoda

Premier vrai film de Mamoru Hosoda après deux films de commande (Le premier de Digimon et le sixième de One Piece), cette adaptation du célèbre roman éponyme de 1965 de Yasutaka Tsutsui fut un grand succès critique, remportant nombre de prix dont presque tous les japonais portant sur l’animation. Vu les excellents films qu’il a fait par la suite, j’étais curieux de voir les débuts du réalisateur, d’autant que le voyage dans le temps est un sujet fort et au potentiel illimité.

Alors que l’été arrive et que l’heure sera bientôt à choisir son orientation universitaire, la jeune Makoto va mourir écrasée par un train suite à l’abandon des freins de son vélo. Du moins c’est ce qui aurait dû se passer. Au moment de l’impact, Makoto s’est subitement retrouvée quelques minutes plus tôt, alors en mesure d’éviter l’incident. Un saut dans le temps improbable et pourtant, d’après sa tante ce genre d’événements arrive de temps à autre, et c’est un pouvoir tout à fait maîtrisable. La voilà maintenant en pleine possession de sa vie, pouvant la modeler comme bon lui semble.

Si finalement l’histoire de famille est écartée, ou tout du moins pas approfondie ni utilisée, la base n’est pas sans rappeler l’excellent Il était temps, certes sorti après et ne pouvant pas être prit comme référence. Néanmoins la comparaison ne tourne pas en son avantage, la construction de l’histoire laissant à désirer. Il n’est pas nécessaire d’expliquer l’origine du pouvoir, le mystère peut tout à fait rester entier, mais tout va partir en vrille avec l’histoire du visiteur du futur. Le fait qu’un principe soit à la fois régit par la magie et par la science le rend incohérent, et la raison de la présence de cette personne n’a aucun sens : juste pour voir un tableau. Sérieux ? Avec le pouvoir de voyager dans le temps c’est tout ce que cette personne trouve à faire ? Le motif du départ est tout aussi flou, transformant peu à peu une magnifique histoire en essai un peu foireux. C’est d’autant plus regrettable qu’à l’exception de la forme des personnages quelque peu disproportionnée, le film est excellent sur nombre de points. Les décors et la musique sont magnifiques, le casting vocal sympa (les deux principaux sont Tomoko de GTO et Joker de Mass Effect), les personnages attachants, et l’ambiance est particulièrement réussie, d’une simplicité reposante. Mais voilà, l’histoire ne tient pas la route, et vu le sujet c’est d’autant plus dommageable.

Paddington
2014
Paul King

Colossal succès des fêtes de fin d’année de par chez nous avec plus de 2,7 millions d’entrées, et surtout en Angleterre avec près de 7 millions d’entrées, le film a ensuite peu à peu gagné son statut de succès planétaire, étant actuellement à 253 M$ dans le monde, pour un budget modeste de 55 M$. Adaptation des livres de Michael Bond, le petit ours est le plus connu et populaire de l’histoire de la Grande-Bretagne, et visiblement le film a enchanté des familles entières. Pourquoi ? Un mystère total…

Il y a bien des décennies auparavant, un explorateur britannique a découvert une espèce péruvienne d’ours aux capacités vocales spectaculaires, et aujourd’hui cette espèce maîtrise le langage humain. Pas très motivé à l’idée d’accompagner sa tante à l’hospice, le jeune ourson Paddington (Guillaume Gallienne) va alors partir pour la capitale anglaise dans le but de se faire adopter. Malgré sa réticence première, Henry (Hugh Bonneville) va céder à sa femme (Sally Hawkins) et recueillir l’orphelin, mais très vite son inadaptation à la vie en société va se faire sentir, et l’envie de le mettre à la porte se fera pressente. Une situation qui ravirait Milicent (Nicole Kidman), taxidermiste bien décidée à ajouter une pièce de choix à sa collection.

Je sais, il faut faire preuve d’ouverture d’esprit, communier avec le soi enfant et autre connerie du genre pour s’ouvrir aux films familiaux surtout orientés pour les petits, mais ce film m’a profondément ennuyé. Déjà abordons le problème central : Paddington. Rien ne va avec lui. Sa modélisation est lamentable, pas réaliste pour un sou ; le doublage français est à hurler tant Guillaume Gallienne est insupportable avec ses deux de tension, son côté chétif et larmoyant (et pourtant avec Peabody on savait qu’il était mauvais dans ce domaine) ; et SURTOUT, personne ne s’étonne qu’un putain d’ours tape la discussion ! Un ours qui parle, merde ! On a tout simplement pas le droit de faire comme si c’était naturel, classique, que tout le monde s’en fout, car sinon ça enlève le côté incroyable et unique du personnage. Complètement foireux dans son traitement, le personnage est antipathique (sans gènes et égoïste) et pas émouvant une seule seconde. Et pour le coup, les histoires de marmelade et sandwich, on s’en contrefout puissamment. Et si seulement il n’y avait que ça… Avec une histoire ultra classique à la 101 dalmatiens et autre Beethoven, il y a déjà de quoi se faire chier, mais quand en plus les acteurs n’y croient pas et cabotinent à outrance, on atteint vraiment un niveau difficilement supportable. Voilà donc à quoi se résume cet immense succès familial : une histoire incroyablement banale, incohérente, au héros raté, aux personnages ratés, et à l’humour débile. Honte à vous !

Vie sauvage
2014
Cédric Kahn

Ferme ta gueule connard de géniteur ! Voilà comment est perçu le droit paternel dans notre pays, confiant pour ainsi dire systématiquement la garde des enfants à la mère lors des divorces. Summum de l’inégalité homme / femme, la société a inventé le principe de pension alimentaire, obligeant occasionnellement le mari à fournir une aide financière à son ex conjointe, alors que l’inverse n’est jamais applicable. Fait divers qui avait fait beaucoup de bruit, l’histoire du film est tirée de faits réels.

Deux marginaux, Paco (Mathieu Kassovitz) et Nora (Céline Sallette) se sont rencontré au cours de leur vie de bohème, voguant de ville en ville, de camp de fortune en roulotte. Une vie qui leur allait très bien, faisant eux même l’école à leur trois enfants (le premier étant issu d’un autre père), Nora ne souhaitant jamais se poser et avoir un vrai foyer. Seulement voilà, quelques années plus tard, elle va subitement se réveiller fatiguée de ce mode de vie, et va kidnapper un beau matin ses enfants et partir avec pour s’installer dans le sud. Pourtant, la justice ne va rien faire, allant même jusqu’à confier à la mère en fuite la garde totale des enfants. Écœuré par un système stupide, Paco va profiter de ses premières vacances avec ses fils pour les garder et ne jamais les ramener.

Les sentiments nous font faire de sacrées conneries. La mère était dans son tort le plus complet, et avec un bon avocat, un peu de patience et de calme, l’affaire aurait peut-être tournée en la faveur du père. Mais non, ce dernier se laissera emporter et tombera dans la criminalité, l’obligeant à passer onze ans en cavale à se cacher à vivre dans la peur. Le film ne rend d’ailleurs pas justice au combat de cet homme, désigné tout de même inapte à la vie en société, à moitié fou et potentiellement violent. Il possède bien sûr quelques qualités humaines, mais globalement on aurait plus tendance à prendre le parti de la mère malgré l’incompréhension de son geste premier. On doute de la pertinence de ce style de vie pour des enfants, qui semble t-il leur a causé beaucoup de peine et de regrets, bien qu’au final leur amour pour leur père fut indéfectible. Le film a sans doute cherché à ne pas trop prendre parti ou embellir l’un des deux camps, mais les choix ont eux des conséquences de toute évidence néfastes. Un film fort, bien interprété et intéressant, mais qui dérange, et pas forcément en bien.

Reversion
2016
Christopher Nolan, Roland Emmerich

Evénement majeur dans l’histoire du cinéma, la rencontre de deux des plus grands cinéaste de leur génération, Christopher Nolan et Roland Emmerich, s’est faite autour d’un film catastrophe d’une ambition sans précédent, et le moins que l’on puisse dire est que le rendez-vous dépasse de très loin toutes les attentes générées. Déjà d’un point de vu financier le monstre dévore tout sur son passage, ayant engrangé plus de 1,5 milliard en seulement deux semaines, et le record détenu par Avatar tombera à n’en point douter. Mais niveau critiques le mastodonte impose là aussi le respect, culminant à 99% sur Rottentomatoes et 9,8 sur IMDb, ce qui en fait le blockbuster le plus apprécié de l’histoire. Et quand on voit le résultat, c’est une évidence.

2022 sera l’année du cataclysme. Le professeur John C. Bogard (Leonardo DiCaprio) avait tenté de prévenir le monde, mais le gouvernement (représenté par Sean Connery, le président, et Sylvester Stallone, le conseillé) a caché la vérité au peuple car de toute façon la fin du monde ne pouvait être empêchée, les laissant sans la moindre préparation face à la plus grande catastrophe de l’histoire : une inversion des pôles. Durant l’été 2022, les pôles magnétiques de la Terre vont s’inverser, laissant la planète sans la moindre gravité pendant plusieurs minutes. Les objets, les gens, les océans vont alors se soulever, et les retombées vont tout dévaster.

Nom de dieu quelle claque ! Bien sûr, avec deux spécialistes du genre et un budget avoisinant le demi-milliard, on s’attendait à du très grand spectacle, mais le film atteint un tel niveau de réalisme et d’immersion que s’en devient presque indescriptible. Le cinéma a tout simplement fait un bond spectaculaire, prouvant non seulement que la 3D peut encore nous surprendre quand elle est bien faite, mais qu’en plus alliée aux sièges amovibles (DBox), elle peut littéralement nous transposer dans le film. Voir des immeubles entiers s’engouffrer dans le ciel, l’eau du globe se surélever avec une poésie incroyable, pour au final voir le tout s’écraser dans un déluge de destruction et de violence, c’est tout simplement magnifique. Il y a trop de plans hallucinants pour tous les citer, mais le bal des voitures et la séquence du stade de foot comptent parmi les expériences les plus fortes de l’histoire du septième art. Une perfection de tous les instants en terme de visuel, trouvant toujours l’angle le plus vertigineux pour filmer, et y ajoutant en prime des effets de lumière à se damner, prouvant que la destruction est la plus belle forme de création. Filmer le Big-Bang n’aurait pas autant d’impact que cette purge d’effets-spéciaux. L’histoire est un peu prétexte à ce déluge, mais vu le résultat on pardonnera facilement, d’autant que les personnages font preuve d’une belle écriture, avec des comportements brillants et des dialogues épiques. On notera d’ailleurs la surpuissance du casting, avec pour les femmes Sigourney Weaver, Scarlett Johansson, Nicole Kidman et Emma Stone, et côté homme Matt Damon, Matthew McConaughey et Jean Dujardin. Un film historique donc, qui s’impose sans mal comme une référence absolue en la matière, et prouve aussi que la cinéma n’a pas fini de nous faire rêver.

Calvary
2014
John Michael McDonagh

Irlande, terre de communistes extrémistes religieux, abritant en plus un nombre d’alcooliques qui avoisine celui de la population, enfants compris. Un territoire d’autant plus inhospitalier pour les étrangers, fléau combattu avec la plus grande fermeté, sauf pour celui qui saura se montrer généreux. Bref, de francs camarades avec qui il fait bon vivre, et un film cynique sur cette civilisation atypique avait de quoi convaincre.

Dans une ville où seule l’église rassemble l’ensemble de ses habitants, le père James (Brendan Gleeson) y est donc l’homme le plus important, influant. Nombre de personnes comptent sur lui, et tout le monde le respecte. Pourtant, un beau matin, un homme est venu lui parler, lui avouant son passé trouble, sa quête de vengeance et ce qui pourrait l’apaiser : sa mort. L’idée d’abattre un homme d’église de valeur serait pour lui un séisme délicieux, et à la fin de la semaine il passera à l’acte, histoire de laisser le temps à sa victime de mettre de l’ordre dans sa vie.

Mon dieu quelle déception ! En admettant qu’on ne remette pas en cause le principe arbitraire premier, rien ne nous satisfera vraiment, que ce soit la remise en ordre ou l’ambiance du film. Dans un rythme des plus mollasson, on suivra le vieil homme prodiguer ses derniers conseils, tenter de résoudre les problèmes insondables d’une ville corrompue jusqu’à l’os, aux dérives aussi nombreuses que les habitants. Une liste exhaustive mais presque jamais intéressante, multipliant les personnages anecdotiques dont l’utilité est discutable. Mais le vrai problème vient de la forme du récit, très loin de la piquante et noire comédie, celle qui ose et qui profane tout. C’est juste gentillet, doucement provocateur, mais n’allant jamais jusqu’au bout des choses. Une ébauche, une veine tentative qui n’abouti finalement nulle part, ne tirant d’autres leçons que « monde de merde ». Un film vain et assez ennuyeux.

Les Enfants Loups, Ame & Yuki
2012
Mamoru Hosoda

Si de temps à autre un studio américain d’animation arrive à pondre un chef d’œuvre, il faut bien avouer que le monde entier souffre la comparaison face à l’industrie nippone et ses bijoux sur pattes. Seulement la qualité a un prix, celui de notre santé mentale, car bien souvent qui dit histoire magnifique implique destin tragique et film dépressif. L’an dernier Le Vent se lève et Kaguya justifiaient à eux seuls le leadership mondial du Japon en matière de suicide, et encore une fois le mouchoir sera accompagné du scalpel. Mais avec l’homme à qui l’on doit l’époustouflant Summer War aux commandes, la curiosité a fini par surpasser l’appréhension.

Parfois on rêve de choses fantastiques, mais parfois on aimerait un retour à des choses plus normales. Pour Hana, son histoire commençait comme un conte de fée, rencontrant sur les bancs de la fac un mystérieux jeune homme, grand, fort et séduisant. Un beau jour il lui dévoila son secret, sa nature d’homme loup, capable de métamorphose. Leur amour fut immédiat, fougueux, et en naquit deux magnifiques enfants, Ame et Yuki. Mais alors qu’ils étaient encore très jeunes, leur père ne revint pas de l’une de ses chasses, plaisir coupable de sa vie animal qui lui coûta la vie. Hana va alors se retrouver seule, et décidera de partir à la campagne pour élever ses deux enfants-loups à l’abris des regards.

Avec son dernier long-métrage, le doute n’était pas permis, mais le film confirme son statut de bijoux visuel, démontrant si besoin était que le dessin à la main surclassera indéfiniment les animations 3D, même si les prouesses artistiques y restent possible. Encore une fois les décors magnifient la réalité, et les personnages sont presque les plus beaux du genre. Une direction artistique remarquable jusqu’aux transformations animales, bien qu’encore plus probantes pour Yuki dont la chevelure s’intègre mieux et sonne plus naturelle. La véritable interrogation autour du film résidait dans son scénario. Si sur bien des aspects l’histoire est magnifique, bourrée d’idées exceptionnelles, elle déçoit un peu dans son ensemble. L’apparition du maître dans la seconde moitié laissait espérer, mais non, la mythologie autour des hommes-loups n’est tout simplement pas abordée. En revanche, avec Yuki la jeune fille fofolle, et Ame, jeune garçon solitaire, on voit deux appréhension différentes de ce qu’est la vie d’homme-loup, et c’est une totale réussite. La fille est d’abord très enjouée et vit cette dualité à fond, avant de vouloir se fondre dans le moule pour mener une existence plus humaine, tandis que son frère lui redoutait dans un premier temps le monde sauvage et rognait sa nature louve, puis découvrira finalement le sens de la communion et l’importance qu’il peut avoir sur l’écosystème. On ne se rendait pas vraiment compte qu’il y avait un choix à faire, mais en nous montrant le cheminement des deux enfants, le film propose un questionnement passionnant, bien que pas totalement abouti, et on ne sait pas trop si il aurait fallut aller encore plus loin chronologiquement, ou si au contraire les premières années à la campagne auraient mérité un film entier. On en ressort triste, ayant eu la démonstration de toutes les imperfections du monde, voyant de pauvres enfants se briser face à tant de désillusions. Une petite perle artistique à l’histoire sublime, mais qui s’est perdue en route puis s’est noyée dans son chagrin.

Un illustre inconnu
2014
Matthieu Delaporte

Je pourrai bien sûr dire « la France est un pays de cons », et il est vrai que cette part de la population est assez largement majoritaire, mais moi aussi j’ai fait la moue devant ce film, d’apparence peu reluisant. Et même avec la palme du « Coup de cœur » décernée par Durendal, je restais perplexe et n’attendais pas grand chose du film, d’autant que son bide fut large avec tout juste cent-sept mille entrée. Pourtant, il est une nouvelle preuve que le cinéma français continue de se réinventer.

Quel est le sens de la vie ? C’est triste à dire, mais il n’existe qu’une infime fraction de l’humanité dont la vie a réellement eu du sens, mais ça n’est pas non plus une raison pour se faire chier. Seulement voilà, lui plus que n’importe qui d’autre, Sébastien Nicolas (Mathieu Kassovitz) a ce qu’on appelle une vie de merde. Il a un physique banal, n’a aucune passion, aucun hobby, aucune famille, et mène une vie sordide d’agent immobilier parisien, victime du système engrainé dans le métro-boulot-dodo. Habile en maquillage, il use d’artifices pour usurper l’identité d’inconnus, car n’importe qui est susceptible de vivre quelque chose de plus palpitant que lui. Et un beau jour, il va faire la rencontre d’un ancien violoniste, homme ravagé par les âges au lourd passé, mais cette fois le mimétisme va totalement déraper.

Un parisien à la con, regardant passer les jours avec une lassitude invariable et logique tant sa vie est dénuée d’excitation. Donc oui, forcément, n’importe qui vaut mieux que lui, et vivre la vie de l’autre est une réponse certes étrange et absolument malsaine, mais compréhensible. Le film a l’intelligence de nous laisser découvrir au fur et à mesure le personnage, permettant de nous laisser le temps d’appréhender sa psychologie, et elle est véritablement passionnante. L’histoire est elle aussi d’un grand intérêt, nous piégeant d’emblée avec un artifice surprenant qui prend tout son sens à mesure qu’on avance, et sa structure est excellente, mais pas parfaite pour autant. Le stresse d’un tel stratagème peut bousculer un peu la logique avec l’improvisation, mais tout de même, nombre de passages laissent perplexes. Déjà celui de la poursuite au début, aveu improbable tant l’erreur d’appréciation aurait faciliter les choses. La prise de contact avec l’ex femme (Marie-Josée Croze) et le fils partait étrangement aussi, bien que peu à peu rattrapé, mais certains choix étonnent. De même, l’enquête finale est carrément tarabiscotée, et même si un élément permet de nous convaincre en partie, on reste dubitatif quand au verdict. Un film original, formidablement interprété et à l’ambiance surréaliste et glaciale, mais qui a un peu des airs de brouillons tant son scénario est parsemé d’imperfections, et le transformisme déçoit un peu, la faute aussi à un modèle final qui n’est autre que le dédoublement de l’acteur.