6 Underground
2019
Michael Bay

Fatigué d’une licence qu’il ne maîtrise plus et des studios imposant certaines contraintes, Michael Bay a donc accepté avec joie la carte blanche de Netflix : 125 M$ pour une grosse purge d’action sans censure. Pour le service de streaming, c’était un sacré pari tant ce genre de budget est difficile voir impossible à amortir, mais c’était surtout l’occasion d’ajouter du lourd à son catalogue et montrer qu’eux aussi concourent dans la cours des grands. Ce n’est pas non plus une grande première, Triple frontière avait déjà ce genre d’ambitions, et force est de constater qu’il le faisait mieux.

Le principe du film aurait pu être bon : un milliardaire (Ryan Reynolds) va décider de mettre sur pied un groupe d’élite fantôme (incluant Mélanie Laurent et Dave Franco), composé de gens officiellement morts et n’ayant rien à perdre, dont l’objectif sera de s’occuper des menaces en dehors des juridictions.

L’introduction du film fera d’emblée le tri. Ça passe ou ça casse, et perso ça n’a pas prit, et la suite fut pire. On démarre directement avec une course poursuite éreintante de vingt minutes, au montage épileptique et grosses cascades racoleuses à défaut d’être originales. Bref, les plus grosses tares de son réalisateur poussées à leur paroxysme, et ça fait mal. Enfin bon, une grosse purge d’action peut divertir, mais pas quand le scénario est à ce point fatiguant. Ouin les dictateurs sont très vilains et il faut les tuer, et c’est limite si on ne leur met pas directement dans les mains une arme de destruction massive, avec écrit texto cela dessus, braquée sur des enfants estropiés pleurant sur le cadavre de leurs parents décapités. On en est là niveau cliché lourd et pathétique. Quand on sait que TOUS les pays où l’on a fait « tombé » le dictateur en place (incluant généralement le massacre de toute sa famille en prime, vive le monde « civilisé ») ont tous sans exception sombré dans le chaos et une misère plus sombre qu’avant, et qu’en plus avec le drame du Coronavirus incomparablement mieux géré par le gouvernement chinois que n’importe quel autre pays au monde, pointer du doigt les dictatures fait doucement rire. Il y a l’art et la manière, et le film est juste une parodie minable écrite par un consanguin complètement abruti. Enfin deux, comme quoi l’union ne fait pas la force. L’humour tombe souvent à plat, le montage est insupportable, l’écriture paraisseuse au possible, et même niveau action le film échoue à apporter une quelconque once de nouveauté. Un gros bousin insipide, et tâchons de vite l’oublier.

Bloodshot
2020
Dave Wilson (II)

Bien que généralement le succès décroit de film en film et que chercher à établir une franchise, c’est un peu comme vouloir dilapider les bénéfices, il n’empêche que les studios n’ont de cesse que de vouloir adapter des saga littéraires ou des comics pour prospérer de façon pérenne. Voilà ce qui aurait pu devenir à n’en point douter une saga assez rentable tant la campagne marketing fut efficace, et entre un budget modeste (45 M$) et le statut de star ultime de son interprète principal en Chine, où la saga Fast & Furious défonce tout sur son passage, les planètes semblaient alignées. Puis ce fut le drame : le Coronavirus. Espérant esquiver la vague, le film fut finalement privé de sortie en Chine et sera arrivé aux Etats-Unis dans un contexte où près d’un tiers des salles avaient déjà fermé. Dès son quatrième jour, 95% des salles étaient fermées, et à moins d’une semaine d’exploitation, le monde entier était en quarantaine. Le film n’aura eu l’occasion de rapporter que 30 M$, et dans un contexte normal, sur la même période il en aurait rapporté facilement le double, ce qui aurait laissé présager à minima 200 M$ dans le monde en fin de carrière. Un gros carton programmé, finalement déprogrammé et débarquant en VOD telle une sous production lambda tant 5-6 derniers mois de l’année seront surchargés de sorties majeures se marchant toutes dessus. Triste monde.

En parlant de la noirceur du monde, Ray Garisson (Vin Diesel) ne la connaît que trop bien, étant militaire américain. Du moins c’est ce qu’il était de son vivant, avant qu’un psychopathe (Toby Kebbell) ne le soumette à un interrogatoire au cours du quel lui et sa femme seront exécutés. Pour toute personne normale, la mort est alors la fin du voyage, mais c’était sans compter sur le projet militaire du docteur Harting (Guy Pearce), spécialiste en nano-technologie et qui va le ramener à la vie.

On ne le dira jamais assez : la science-fiction est le meilleur vivier scénaristique possible. Le principe du film est juste dingue, à la croisée d’un Mass Effect 2 et d’un Mass Effect Andromeda où la science permet de sauver une personne que d’aucuns auraient tôt fait de déclarer mort, tout en lui implantant une technologie décuplant ses facultés, tant physiques que mentales. Enfin bon, forcément, pour ce qui est de la question de l’existence post-résurrection, on ne pouvait pas s’attendre à un développement à la hauteur des deux derniers opus de la trilogie s’étalant sur 40-60 heures, mais de là à ne se poser à ce point aucune question, c’est dommage. Pareillement, si même en une soixantaine d’heures Andromeda n’effleurait qu’à peine le potentiel du transhumanisme, on se doutait que la réflexion serait faible, mais en réalité cela se limite carrément à un simple outil bien pratique. Ouch… Avec en prime notre bien aimé Jamie Fraser (Sam Heughan) cantonné à une caricature de méchant, l’écriture fait mal malgré tant de prémices savoureuses. Le mode auto-guidage s’active très vite dès la première demi-heure passée, tout s’enchaînant dans une prévisibilité navrante. Pour autant, le film n’en devient pas mauvais : le pitch de base reste plutôt bon ; le choix de Vin Diesel en auto-caricature est un coup de génie très méta vu le « twist » middle ; l’action fuse et le divertissement est assuré ; et enfin, malgré un budget modeste, les effets spéciaux sont impressionnants, montrant les prouesses en modélisations réelles. Au final l’ensemble tient la route, et même si l’immense potentiel est saccagé, il faut parfois savoir s’en contenter.

Mission to Mars
2000
Brian De Palma

Quand on croit avoir toujours un sens critique plus aiguisé que les autres, on se méfie de l’avis « général » et on fabule sur des comparaisons intenables. Bien que ce soit pour m’en dire le plus grand mal, quand on m’a récemment rappelé l’existence de ce film, j’y ai vu l’espoir, la grandeur d’évasion des plus grands chef d’œuvre de science-fiction. L’affiche digne d’une vision de Mass Effect, une histoire de mission de reconnaissance / sauvetage en dehors de notre atmosphère, un réalisateur de cinéma d’auteur aux commandes d’un énorme projet SF, produit par Disney et qui a fait un four en salle. Bref, sur le papier les mêmes caractéristiques que le film le plus abouti de l’an dernier : Ad Astra. Ah c’est beau de se faire un film dans la tête, mais les comparaisons s’arrêtent là…

Nous sommes en 2021, peu après que la première mission habitée, partie de la Terre le 7 juin 2020, ait atteint la planète rouge, Mars (ah c’est beau de rêver, 20 ans plus tard on n’est pas plus avancé… ). Chef de l’équipe sur place, Luke Graham (Don Cheadle) va détecter une anomalie structurelle aux abords de leur base. Cette nouvelle sera le dernier message reçu par la station spatiale internationale de leur part, laissant craindre le pire. Ses collègues astronautes Jim (Gary Sinise) et Woody (Tim Robbins) vont alors décider de monter en urgence une équipe pour se rendre sur place, à la recherches de réponses et d’éventuels survivants.

Dès les dix premières minutes, l’euphorie de se plonger dans de la SF s’était envolée. Dix minutes à voir des stéréotypes ambulants blablater avant le grand départ, qui finalement n’aura pas lieu. Point de décollage à vous coller des frissons, de comment se passe une traversée dans l’espace insondable six longs mois durant, rien. On se retrouve directement sur place, pour la fameuse découverte. Le contact sera l’occasion d’une flopée d’effets spéciaux incroyablement mauvais, où l’on voit que l’intégralité des grains de poussières, roches et autres graviers sont des incrustations sur un sol inexplicablement immuable, créant une dissonance terrible. Mais le vrai problème sera scénaristique : face à une tornade des plus violentes, qui est assez con pour rester à regarder ? Qu’il y ait un con, à la rigueur, mais TOUS ?! Même quand ça arrache des pierres du sol à moins d’un mètre ?! En vingt minutes, le sort du film semblait scellé, mais ça n’était que la première d’une longue succession de déceptions. Le film se torche tellement violemment avec la science que s’en devient usant. Comment peut-on ne pas savoir que la moindre brèche tuerait  quasi instantanément l’entièreté des habitants d’un vaisseau dans l’espace ? Le plus fort restera tout ce qui entoure la révélation finale, cumulant tous les clichés les plus éculés de la SF de la manière la plus maladroite et bancale possible. L’échelle du plan galactique aura de quoi rendre fou, sans compter les effets-spéciaux tellement criards qu’on se croirait dans les années 50 avant 2001 : l’odyssée de l’espace. On sent d’ailleurs que ce film tente de le copier sur énormément de points en terme de technique, et ce seront justement les points les plus réussis, mais en dehors de la récupération du module, pas grand chose de marquant. Le film aurait simplement pu être moyen si son scénario n’était pas à ce point claqué au sol, mais vraiment la dernière demi-heure est un ratage complet, une souffrance. Terrible désillusion…

J’accuse
2019
Roman Polanski

Voici assurément la plus grosse polémique du cinéma français du moment : peut-on et doit-on séparer l’artiste de son œuvre ? Non dans la mesure où l’homme derrière l’artiste aide à comprendre son travail, mais quel que soit la vie de l’homme, cela ne doit pas nous empêcher d’apprécier son travail, d’autant que résumer un film à son seul réalisateur est une injure aux milliers de personnes ayant aussi travaillé dessus, surtout dans un film d’époque où la reconstitution des décors et des costumes est si importante. Après oui, quand le film reçoit le prix de la meilleure réalisation, cela ne récompense pas l’ensemble des personnes de la production, mais bien le réalisateur et uniquement lui. De ce point de vue là, lui décerner le prix ultime était une erreur, mais tâchons d’oublier cet incident plus exaspérant qu’important.

Le film nous place en 1894, alors que le capitaine Dreyfus (Louis Garrel) est reconnu coupable de traîtrise, déchu de ses grades militaires et exilé sur une île-prison. Pour le colonel Picquart (Jean Dujardin), c’était assurément une bonne nouvelle : la France se débarrassait de la vermine juive. Pourtant, après avoir récupéré le poste de directeur du service de renseignements de l’armée, il va faire une découverte troublante le faisant douter. Et si Dreyfus était innocent ? Et si le traître était encore dehors ?

Affaire à la portée historique, tout élève l’a forcément étudié au moins une fois au cours de sa scolarité, et assurément comme moi tout le monde ou presque a oublié l’entièreté de l’histoire. Une chance pour mieux apprécier les retournements de situation, et je n’en soufflerais donc mot. Néanmoins, avec le recul, je vois mal comment cette affaire a pu tant marquer. Des erreurs judiciaires, il y en a tous les jours, et contrairement à ce que d’aucuns auguraient compte tenu du harcèlement médiatique subit par son réalisateur, le parallèle s’arrête là puisque ce n’est pas spécialement le peuple mais surtout le gouvernement qui harcela le colonel Picquart. Pour ce qui est de l’antisémitisme, il n’est pas non plus si violent, se montrant plus culturel que viscéral. L’histoire en elle-même n’est donc pas si intéressante que ça, du classique à base d’enquête, de conspiration et d’honneur. Reste que le film a deux arguments de taille. Le premier et le plus évident est son casting, réunissant quantité de têtes plus ou moins connues : Laurent Stocker, Vincent Perez, Mathieu Amalric, Denis Podalydès ou encore Michel Vuillermoz pour les plus inspirés, et Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois et Melvil Poupaud pour les moins convaincants. On reconnaîtra aussi moult voix, des doubleurs de renom y ayant des rôles physiques. C’est sympathique, mais ça ne fait un film. Non, le vrai intérêt du film réside dans les dialogues, et aussi la force d’interprétation de Dujardin. On éprouve de l’admiration en entendant par exemple : « Je ne veux pas d’une nouvelle affaire Dreyfus. Ce n’est pas une nouvelle affaire Dreyfus, c’est la même ». Et comment ne pas être abasourdi par une telle prestance, un tel charisme quand résonne « C’est peut-être votre armée, mais ce n’est pas la mienne ». On peut aussi souligner le travail admirable sur les décors et les costumes. Clairement le film a eu les moyens de ses ambitions, quelques passages donnent le frisson, mais les enjeux peinent à dépasser le cadre humain, laissant dubitatif sur la portée historique des faits.

Retour à Zombieland
2019
Ruben Fleischer

Alors même qu’une suite avait été annoncé peu après la sortie du premier film, il aura fallut attendre 10 ans pour retourner à Zombieland. La raison ? Eh bien après avoir planché sur le scénario de la suite, il a été convenu que la saga allait se poursuivre en série. Et comme les protagonistes ont vu leurs carrières exploser, bien que l’ascension avait déjà commencé pour tous, les réunir pour un budget restreint sur une plus longue période bloqua. Finalement le casting fut rebooté, mais le pilote fut abandonné. Régulièrement des rumeurs ont circulé, mais nous y voilà finalement enfin : une vraie suite avec tout le casting d’origine. Un petit miracle de patiente, source de bien trop d’attentes.

Qu’est-il advenu de notre quatuor durant dix longues années dans ce monde infesté de zombies ? Eh bien ils ont vagabondé de squatte en squatte, trouvant enfin un pied à terre à la maison blanche. Thallahassee (Woody Harrelson) s’est trouvé un nouveau bolide de guerre qu’il bichonne, Columbus (Jesse Eisenberg) et Wichita (Emma Stone) se supportaient toujours jusqu’alors, mais face à l’ennui chronique et la solitude Little Rock (Abigail Breslin), désormais adulte, les sœurs vont à nouveau prendre la tangente. Retour à la case départ…

Dès le générique avec l’apparition du logo Columbia, le ton est donné et le franc sourire se dessine sur le visage d’un spectateur comblé de reprendre du rab d’un plat qu’il avait tant apprécié. L’intro nous régale avec une pléthore de bonnes idées comme le zombie Homer, et le dégommage en règle est jouissif, bien qu’incroyablement imprudent et toujours à un cheveux de la morsure fatale. Sans déconner, comment ne pas prévoir une combinaison à la Batman ? Quand tous les magasins et peut-être des bases militaires sont en open-bar, cela me semblerait la moindre des choses. Et pour peu qu’on commence à entrer dans le sujet de la cohérence, on en sort pas. Le film fait genre d’avoir pensé à certaines incohérences du premier film en disant « c’est dingue que les barrages et autres éoliennes et panneaux solaires nous fournissent encore de l’électricité ! ». Sérieusement les gars ? Non clairement, sans personne pour entretenir et gérer le réseau, tout s’effondrerait en moins d’une semaine. Blackout total. Et je ne parle même pas de la légende urbaine de l’essence miraculeusement efficace dix ans après. L’essence et le diesel commencent à perdre certaines de leurs propriétés en quelques mois à peine, donc dix ans plus tard l’intégralité de ce qui a été raffiné est inutilisable. Et puis d’où sortent les zombies ? Vu les plaies et l’état de délabrement, n’importe quel corps serait trop délabré pour se déplacer en quelques semaines à peine, et ce n’est pas une question de volonté. Donc dans un contexte de quasi extinction où la nourriture est presque inexistante, il est strictement impossible qu’il y ait autant de survivants, sans compter le vieillissement accéléré dû aux conditions de vie. Enfin bref, revenons-en au film.

Pas mal de bonnes idées sont donc abordées d’emblée, comme par exemple la relation Columbus / Wichita. Quand on a pas vraiment le choix de la personne avec qui on est, peut-on tout de même voir son couple comme légitime ? Bon après la réflexion sociétale n’est pas très poussée, et dans la vraie vie nulle doute que la faim aurait poussé Little Rock à tenter de se taper le copain de sa sœur ou son père de substitution, qui lui même face à l’arrivée de formes si généreuses aurait fini par avoir des envies, probablement même avant l’âge légal, d’autant plus dans un contexte apocalyptique. Il n’y a qu’à voir comment les chiens se jetaient tous sur une fillette même pas pubère dans Waterworld. Reste que cela permet d’introduire le personnage de la blondasse cruchasse (Zoey Deutch), aussi attachante que séduisante, mais globalement la tentative d’introduction de nouveaux personnages est un ratage. Le coup des clones avec Luke Wilson ne sert à rien, si ce n’est faire un clin d’œil sympa à Idiocracy, et le personnage de Rosario Dawson est trop peu exploité pour marquer. Et c’est malheureusement un constat qu’on peut étendre à l’entièreté du film : de bonnes idées et autres clins d’œil sympathiques, à l’image de la séquence de fin, mais pas très abouties et surtout n’apportant pas grand chose au final. L’histoire n’a pas vraiment de nouveaux enjeux, si ce n’est protéger ce qu’on avait déjà, et au final on assiste à un chapitre complètement dispensable dans l’histoire de ce quatuor. Revenir pour une suite, d’accord, mais encore faut-il y trouver un but en dehors de prolonger le plaisir. Si on retrouve effectivement tout ce qui faisait le charme et le sel du premier Zombieland, cette suite échoue à se forger sa propre identité et peine à justifier son existence, plus opportuniste que créative.

Contre-enquête
2007
Franck Mancuso

Avant le sacre de The Artist, c’était un peu l’argument unique et central de la défense contre les fous pas encore convaincus du talent de Jean Dujardin. Il faut dire qu’entre Un Gars une Fille, les OSS117 et autres Brice de Nice, sa carrière s’était basée sur les comédies, et une fois qu’on est catalogué dans un genre, il est difficile de s’en sortir. Exit les plages et autres loufoqueries, place à l’amertume et au désespoir : pour un contre-emploi, une contre-enquête.

Il suffit parfois d’un instant d’inattention, d’une confiance trop aveugle en un monde pourtant si dangereux. Alors que sa femme était au travail et qu’il était seul chez lui avec sa fille de neuf ans, Richard Malinowski (Jean Dujardin) va recevoir un coup de fil du travail. Il aurait pu dire non et partir pour la balade en vélo comme prévu, mais poussé par une mentalité parisienne carriériste, il va laisser seule sa fille ce jour-là. Inconsciente, elle va rejoindre un ami en forêt comme cela lui arrivait, mais elle ne rentrera jamais. Son corps sera retrouvé dans un étang de ladite forêt, visiblement violée et rouée de coups. De par la gravité de l’affaire et le fait que Malinowski est en plus inspecteur de police, une enquête exemplaire sera menée avec des effectifs impressionnants, aboutissant rapidement à l’arrestation d’un certain Daniel Eckmann (Laurent Lucas). Tout l’accuse et il sera condamné à l’unanimité, mais il va pourtant continuer de plaider son innocence. Incapable de tourner la page, Malinowski va alors mener une contre-enquête.

Un rôle à contre-emploi admirablement tenu, une histoire très sombre et un scénario plutôt bien pensé : tout était réuni pour tenir là un grand film. On veut y croire, on veut aimer ce film, et il a de grandes qualités d’écriture et surtout d’interprétation, mais impossible de fermer les yeux sur tout ces défauts. Déjà en terme de mise en scène, on sent que les moyens ou la technique n’y sont pas. Ancien policier de profession, le réalisateur y faisait là ses premiers pas, et ça se sent : on se croirait devant un téléfilm, tant en terme de mise en scène que de rythme. Malgré le fait que le film soit très court, à peine dans les 80 minutes, l’histoire avance péniblement, mais le problème vient d’autant plus de la gestion du suspens. On sent tout venir à des kilomètres, les révélations n’en sont pas, amenuisant les quelques enjeux mis en place. C’est dommage car le principe du combat d’un père meurtri est excellent et le casting est impeccable, faisant que le film marche tout de même, mais on est passé à côté d’un très grand film.

Pokémon – Mewtwo contre-attaque : Evolution
2019
Motonori Sakakibara, Tetsuo Yajima, Kunihiko Yuyama

Partant du principe que la nostalgie fait vendre et qu’à défaut d’être le meilleur, loin s’en faut, le tout premier film était peut-être le plus présent dans le cœur des fans, Gamefreaks s’est dit que faire un auto-remake plan par plan comme le fait régulièrement Disney serait une excellente idée pour capitaliser sur sa franchise. Seulement il n’est pas cette fois question de passer d’un film d’animation 2D à du live action. Non, ici on reprend la même idée foireuse que pour Le Roi Lion : remplacer une « belle » 2D pour de la 3D vraiment immonde et sans âme, et pour le coup incroyablement cheap.

Le scénario est donc exactement le même que le film de 2000 : avides de pouvoir, des scientifiques vont cloner « le plus puissant Pokémon de tous les temps » : Mew (alors qu’entre sa base stat et la stratégie, il n’est même pas dans le top 50 dans les jeux). Ne sachant le sens de son existence, ledit « Mewtwo » va partir en quête de sa raison d’être.

Si le film est un remake plan par plan, ça n’est malheureusement pas de la version longue qui expliquait un temps soit peu le travail des scientifiques en montrant le décès de la jeune fille du chef de la base. On reste donc sur une quête existentielle extrêmement superficielle où l’action et les réflexions sont expéditives. Le scénario reste donc au ras des pâquerettes, mais là où Pokémon le film avait le mérite de conserver le charme de la série et un design réussi, le passage à la 3D se fait ici dans la douleur. C’est d’une laideur sans commune mesure, digne des séries animées les plus cheap jamais vues, les personnages sont dénués d’âme et les quelques changements sont tous néfastes, comme le drakkar qui devient un bateau lambda. On retrouve nos héros, leurs voix, l’histoire est la même, mais son impact est amoindri et les personnages ont été remplacés par des robots atroces en pleine vallée dérangeante. Bref, Gamefreaks a fait un remake du pauvre, le résultat est désastreux et Netflix a en plus proposé un doublage conservant les erreurs de traduction d’origine. Les anciens y verront là une version atroce, et les nouveaux seront rebutés par une histoire dénaturée à l’emballage si repoussant.

Les 101 Dalmatiens
1997
Stephen Herek

On parle sans cesse de la mode actuelle de Disney de vouloir ressortir ses classiques d’animation en live, mais la pratique ne date pas d’hier. Certes moins en surabondance qu’aujourd’hui, le phénomène ne gêna pas grand monde à l’époque, le film ayant eu un fort succès en salle et valut même une nomination aux BAFTA pour sa méchante, dont il est question qu’une nouvelle histoire soit centrée sur elle en 2021.

Remake du classique de 1961, le film nous raconte une double histoire d’amour, ou comment Roger (Jeff Daniels) et Anita (Joely Richardson) sont tombés amoureux grâce à leurs chiens, Pongo et Perdita, qui ont d’abord eux leur propre coup de foudre. Deux célibataires endurcis qui vont découvrir le bonheur, entourés par une ribambelle de petits dalmatiens. Mais une ombre plane sur eux : Cruella D’Enfer (Glenn Close), la patronne d’Anita et qui rêve de posséder un manteau en peau de bébés dalmatiens.

Dans la grande tradition actuelle de Disney, on assiste là à un quasi remake plan-par-plan, mais c’est justement dans ce genre de cas où l’intérêt se fait sentir. Deux choses justifient ce remake : l’original date de 1961, et même si depuis il y a eu plusieurs remasters, ça reste de la vieille animation (bien que plus belle que les 3/4 des productions 3D actuelles), mais surtout l’histoire s’y prête tellement bien. L’animation prend énormément de temps et coûte très cher, donc tous les films d’animations d’antan étaient très courts (70-80 minutes) et allaient à l’essentiel. Ici, les quelques 25-30 minutes supplémentaires permettent de donner plus de sens à l’histoire au travers du travail de Roger, mais aussi poser les décors. Autre point de taille : les animaux. Voir le travail de dressage est quelque chose de fascinant, impressionnant en l’occurrence, et cela renforce les liens avec les personnages tant le regard d’un chien en dit long. Des pans entiers du film se déroulent sans le moindre dialogue, juste avec des regards d’animaux, des aboiements. L’exemple parfait de quand les gestes parlent d’eux-même. Bon, bien sûr ne soyons pas trop dupes, il est évident sur certains plans qu’il n’y a jamais eu 101 dalmatiens, tout juste une dizaine grand maximum, le reste étant des incrustations, mais en dehors des animatroniques de raton-laveur, ça passe étonnamment bien pour l’époque. Alors oui, le scénario reste assez convenu, la romance expéditive, le duo Hugh Laurie / Arthur Whisley caricatural et la méchante en fait des caisses, mais ça se veut dans l’esprit cartoon, le film garde toutes les qualités de l’original et pallie à quelques défauts narratifs. Personnellement, c’est donc un grand oui.

À couteaux tirés
2019
Rian Johnson

Genre qui se fait rare, l’année 2019 a été gâtée au niveau film d’enquête à la Hercule Poirot ou Agatha Christie puisque nous avons eu l’excellent film français Le Mystère Henry Pick, et voici une production américaine au casting incroyable dont le scénario fut même nommé aux Oscars. De quoi mettre l’eau à la bouche pour les amateurs du genre, attendant fébrilement la suite du Crime de l’Orient-Express, petite perle du genre qui s’est immédiatement imposée comme un classique.

Plus que l’amour d’une personne, ce qui suscite le plus la convoitise, c’est la gloire et l’argent. Le jour de son 85ème anniversaire, le grand romancier Harlan (Christopher Plummer) va se donner la mort, laissant derrière lui un empire littéraire de plusieurs dizaines de millions d’héritage. Enquêteur de renom, Benoit Blanc (Daniel Craig) va retrouver un morceau de journal sur l’annonce de cette mort, de même qu’une grande quantité d’argent en liquide, le tout dans une enveloppe anonyme. Intrigué, il va alors se joindre à la police (Lakeith Stanfield) pour enquêter sur ce qui ne serait donc pas forcément un suicide.

Qui est coupable ? La fille délaissée (Toni Collette) qui pique dans la caisse ? La petite-fille hippie (Katherine Langford) ? Le fils cupide (Michael Shannon) qui tente de vendre à tous prix les droits télévisuels des œuvres de son père ? Le petit-fils (Jaeden Martell) sur son téléphone ? Non franchement le pauvre on ne peut rien de plus sur lui, inexistant au possible… La fille aînée (Jamie Lee Curtis) ? Elle non plus, rien à dire sur elle, bigre. Le petit-fils (Chris Evans) qui s’est embrouillé avec tout le monde ? Ou bien alors l’aide soignante (Ana de Armas) ?

Plus que l’enquêteur, c’est autour de cette dernière que l’histoire va s’axer. Elle est en effet le point d’étude le plus intéressant pour Benoit Blanc pour mener l’enquête : elle est externe à la famille mais en connaît tous les secrets, et elle possède une particularité bien arrangeante. En effet, elle souffre d’une incapacité chronique à mentir, vomissant à la moindre tentative. Une pirouette scénaristique bien commode, mais le film est réalisé et écrit par Ryan Johnson, le même derrière le huitième opus de la saga Skywalker. Le monsieur est passé maître dans l’art de déjouer les attentes, et il va alors casser certains codes, à l’image de la révélation d’une infidélité. Il est évident, entre sa réaction et le fait que la fille sur la photo est brune aussi, que c’est d’elle dont il s’agit, que c’est ladite maîtresse. Une information de taille, un enjeu d’importance pour le récit. Et pourtant, à aucun moment l’information ne sera confirmée ou infirmée, et ce fait ne servira jamais. Mais pour le coup, au même titre que certains personnages faussement énigmatiques qui ne sont jamais développés, ça sonne plus comme une écriture un peu foutraque et pas bien construite. Le film monte aussi quelques suspenses autour de scènes clés, mais les révélations seront prévisibles, cassant donc même le principe des révélations, choisissant les moments les moins percutants pour faire les plus grandes révélations. Le style de réalisation quasi « documentaire télévisuel » fait aussi un peu peur, et globalement toute cette excentricité ne mène qu’à une enquête somme toute classique. Reste quelques excellents personnages, une poignée de vraies idées de mise en scène et un soupçon de satisfaction quand vient le dénouement final, donc on passe tout de même un bon moment, mais loin des modèles du genre.