Sinners
2025
Ryan Coogler

Rarement je n’aurais autant appréhendé un film, et ce pour deux raisons. Déjà je n’ai que modérément apprécié les précédentes œuvres de son réalisateur Ryan Coogler, qui prône beaucoup trop un entre-soi afro-américain délétère qu’on pourrait qualifier de racisme antiblancs, et là encore, je savais que le casting allait être quasi exclusivement composé d’afro-américains, à l’exceptions d’antagonistes car le blanc est forcément toxique. Donc je partais du principe que le film ne m’était clairement pas destiné, et d’autant plus que si le film a été un succès tonitruant aux Etats-Unis avec 280 M$, le reste du monde n’en a pas eu grand chose à foutre. La France fait presque figure d’exception avec de justesse le million d’entrées glané, mais c’est proportionnellement à son succès à domicile ridicule, et dans le reste du monde le film a largement bidé. Un réalisateur qui ne m’a jamais convaincu, un succès limité à son seul pays d’origine. Et pourtant !

Nous sommes en 1932 dans le Mississipi, alors que la ségrégation et la prohibition font rage aux Etats-Unis. Deux frères jumeaux, Smoke et Stack (Michael B. Jordan), vont alors ambitionner de défier la société en revenant dans leur ville natale après avoir fait fortune à Chicago, souhaitant ouvrir leur propre club de blues. Pour l’ouverture, ils espéraient une soirée inoubliable, mais les choses vont dégénérer.

Qui sait, c’est peut-être d’avoir découvert Clair Obscur : expédition 33 le même jour, une claque si colossale que j’en étais euphorique, mais ça aurait aussi pu rendre tout insipide en comparaison. Toujours est-il que dès le premier plan de la première scène, j’étais conquis : la photographie est magnifique, et la musique l’est tout autant. Et si le jazz m’insupporte, je dois avouer que la plupart des compositions blues étaient entraînantes. Pareillement, si l’idée d’un club exclusif aux personnes noires est un concept détestable, d’autant que forcément les seuls blancs du film seront méchants ou nuisibles, toute l’organisation est fascinante, montrant les frères recruter les meilleurs de chaque domaine (musiciens, chanteur, cuisinier, etc.) et se procurer les meilleurs produits. On sent cette envie de croquer la vie à pleine dent, tout en mettant en avant le thème commun de chacun qui donne son nom au film : ils sont des pécheurs (sinners).

Ainsi, le gros retournement du film est une métaphore de ces péchés qui s’abattent sur eux, tout en le traitement frontalement premier degré, et force est de reconnaître que ce traitement original marche du feu de Dieu. Si les personnages ne sont pas forcément attachants de par leurs péchés, égoïsme et racisme en tête, il faut reconnaître que le casting est formidable. Delroy Lindo et Jack O’Connell en font des turbo caisse à cabotiner, mais ça colle parfaitement avec leurs rôles. Hailee Steinfeld est une tentatrice d’exception, et Wunmi Mosaku a une présence qui ne passe pas inaperçue. Exercice des plus délicats, Michael B. Jordan arrive avec brio à donner vie à deux personnages à la fois, et le réalisateur se challenge constamment en les faisant interagir très souvent pour un trucage bluffant. En revanche, la fameuse scène musicale, portée aux nues comme l’une des plus grandes séquences de l’histoire du cinéma, m’est tellement passée au dessus que je ne voyais vraiment pas de quelle scène il s’agissait, et avec le recul c’est loin d’être remarquable, voir banal. Pour le reste, je n’ai tout simplement pas décroché un instant du film, scotché de bout en bout comme rarement ça m’est arrivé. L’image est magnifique, la musique sublime, les acteurs au top et l’histoire est prenante. Comme quoi, même pétri d’aprioris, on peut adorer un film.

Y a-t-il un flic pour sauver le monde ?
2025
Akiva Schaffer

Si je suis passé totalement à côté de la trilogie « Y a t-il un flic ? » des années 80-90, à moins d’en avoir peut-être vu il y a fort longtemps et de l’avoir oublié, je dois avouer m’être fait complètement avoir par la bande-annonce. Drôle, efficace, original, et un vrai coup de génie niveau casting, car qui mieux que Liam Neeson peut incarner une parodie de flic, lui qui ne fait plus que camper des héros d’action depuis 20 ans ?

Y aura t-il quelqu’un pour sauver le monde ? Alors qu’un riche fou (Danny Huston) prévoit de déverser un puissant neuro pathogène sur le monde, le plus intrépide des policiers, l’inspecteur Franck Drebin Jr (Liam Neeson) est justement sur les traces de son bras droit, Sig Gustafson (Kevin Durand), qui a commandité un braquage. Pour l’aider dans son enquête, il pourra compter sur son coéquipier Ed Hocken Jr (Paul Walter Hauser) ainsi que Beth Davenport (Pamela Anderson), la sœur d’un témoin qui se serait suicidé de plusieurs coups de couteaux et tirs de revolver avant de se jeter d’une falaise avec sa voiture.

Eh bien pour reprendre la célèbre phase de Kaamelott, « c’est systématiquement débile mais c’est toujours inattendu ». Si certains gags ne fonctionnent juste pas, comme celui de la petite fille pour des raisons évidentes de proportions, d’autres sont presque encore moins cohérents, mais comme dit l’adage, plus c’est con plus c’est bon, et plus c’est gros, plus ça passe. Le running gag du café est de prime à bord sympathique, mais devient juste colossal avec le bon sens du non timing. Qu’un énième collègue lui passe encore un café, même s’il fait trois litres, c’est bof. En revanche, qu’en pleine course poursuite en voiture il ouvre la fenêtre et qu’une main hors champ lui passe un café, c’est du génie ! Ce serait interminable de faire la liste de tout ce qui marche et tout ce qui ne marche pas, car le film est d’une générosité ahurissante, enchaînant sans temps mort. Au passage petit merci pour la durée de 1h20 générique compris, ça fait du bien un film concis de temps en temps. Je dirais que globalement ça a beaucoup marché sur moi, et toute la dernière ligne droite avec le hibou et Dave Bautista m’a fait rire aux éclats. Alors oui, pas mal de passage sont limites, le coup du bonhomme de neige est quasi honteux, mais dans le genre le film pulvérise des propositions comme Max la menace ou Johnny English. Petit mot aussi sur le casting, notamment le duo d’affiche, juste parfait en auto-dérision, et leur alchimie fait plaisir à voir. Enfin une femme d’âge mur qui n’abuse pas de la chirurgie, restant séduisante à l’approche de ses 60 ans, et qui offre une nouvelle partenaire de vie à son binôme après quasi vingt ans de deuil. Profitons donc nous aussi des petites plaisirs simples, car c’est le genre de film qui ose, et c’est même à ça qu’on les reconnaît comme dit le proverbe.

Chainsaw Man – Le Film : L’arc de Reze
2025
Tatsuya Yoshihara

Nous y voilà, il n’y avait qu’une saison de 12 épisodes courts à rattraper avant de pouvoir voir ce film, particulièrement acclamé à sa sortie et dont le succès force le respect : plus de 170 M$ dans le monde, ce qui est colossal dans le genre. Le film prend la suite de la série, adaptant les chapitres 38 à 52 du manga, ce qui au passage fait froid dans le dos. En quatre ans, six tomes auront donc été adaptés, ce qui ne représente que un an de publication. Autrement dit, tous les quatre ans l’anime prend trois ans de retard, sachant que le manga est toujours en publication, et même s’il s’arrêtait maintenant, sachant que aucun autre film n’est prévu dans un avenir proche et que la seconde saison ne sortira pas avant 2027, il faudrait au bas mot 2040 pour rattraper le retard actuel. Autant dire qu’à moins d’une accélération drastique dans le calendrier, plusieurs générations vont passer avant d’en voir le bout, à condition que la popularité ne désemplisse pas sur des dizaines d’années.

Ah l’amour… Alors qu’il ne jurait que par Makima, sa patronne, Denji va rencontrer une jeune fille pétillante et très entreprenante : Reze. Un idylle aussi inattendu qu’éclatant, mais la prudence reste de mise. Les sbires du démon flingue cherchent toujours à s’emparer du cœur de Denji, et les rangs sont clairsemés chez la 4ème division depuis la dernière attaque.

J’attendais au tournant le film pour enfin voir l’histoire avancer, mais ça n’est pas du tout la direction prise. Au contraire, la plupart des personnages sont en retrait, voir éclipsés comme Power sans que cela ne soit réellement expliqué, et le scénario est minimaliste au possible. Avec un antagoniste comme le démon bombe, on le penserait très lié au démon flingue, mais pas du tout, le grand méchant en restera à des évocations, rien de concret et pas la moindre douille (contaminant ses sbires par ce biais normalement). Pire, toutes les intrigues et sous intrigues développées ne serviront absolument à rien, comme une parenthèse isolée sans aucune conséquence. Alors oui, il y un certain impact émotionnel, mais un peu vain. Reste le point le plus salué et qu’on ne peut que reconnaître : la virtuosité de la mise en scène, pour un spectacle dantesque. S’il ne se passe quasiment rien pendant la première moitié (au passage très bizarre la censure où on omet de dessiner certaines parties), la seconde envoie la dose niveau action, ça bombarde dans tous les sens et c’est effectivement très beau. Le démon bombe est visuellement réussi, original et nous régalant d’un sacré panel de pyrotechnie, mais les enjeux sont bien maigres. Rien n’est relié à la grande histoire, et la pirouette scénaristique du sang qui guéri tout est un peu facile, tuant les enjeux et rendant les personnages immortels, du moins pour ceux qui ont du démon en eux (les humains eux ça crève en deux deux de toutes façons). L’effort supplémentaire pour le cinéma donne visuellement à l’ensemble un petit boost premium, mais rien de si extraordinaire. On reste donc dans les mêmes eaux que la série : c’est chouette, les persos sont cools et c’est fun, avec même une légère tendresse attachante, mais il faudrait enclencher la vitesse supérieure niveau histoire. Si la seconde saison en cours de création va jusqu’à au moins le chapitre 75 (et plutôt 79 pour boucler le tome 9), ça devrait enfin décoller.

Évanouis
2025
Zach Cregger

Trois ans après un Barbare prometteur mais qui partait complètement en vrille, Zach Cregger nous revient avec un nouveau film d’épouvante qui a clairement fait sensation : près d’un million d’entrées en France, plus de 151 M$ rien qu’aux Etats-Unis, et un total de 269 M$ dans le monde, ce qui est colossal pour le genre. On est bien loin des débuts du réalisateur, qui il est vrai avait fait Miss Mars, sympathique au demeurant, mais tragiquement lié à celui-ci. Le film est en effet dédié à feu son meilleur ami avec qui il avait réalisé, écrit et joué pour celui susnommé.

Il est 2h17 du matin, 17 enfants d’une même classe se réveillent à l’unisson, se lèvent et quittent leurs maisons, s’évanouissant dans la nature. Que s’est-il passé ? Où sont-ils ? Pour le savoir, le film va nous proposer plusieurs points de vue sur cette histoire. Celui de Justine (Julia Garner), la maîtresse de la classe où tous les enfants sauf un ont disparu ; celui de Paul (Alden Ehrenreich), un policier ; Archer (Josh Brolin), le père d’un des enfants disparus ; Marcus (Benedict Wong), le proviseur de l’école ; un jeune drogué qui a peut-être été témoin de quelque chose, ou encore Alex, le seul enfant de la classe qui n’a pas disparu.

D’emblée, on se dit que quelque chose cloche. Une classe de 18 élèves ?! Est-ce possible ?Rah c’est pas en France qu’on verrait ça ! Et en même temps, le début est un peu une occasion manquée : le film démarre directement par la disparition des 17 enfants, et la scène aurait pu nous glacer le sang, mais au contraire, il est choisi de pratiquement la tourner en ridicule avec un montage et une musique presque comiques. Ensuite, on sent que la maîtresse ne sait rien sur cette affaire, qu’elle la subie encore plus que la plupart des autres puisque la ville entière la soupçonne. J’avais alors cru à un film sur le harcèlement à la Pas de vagues ou La Chasse, mais dans un ton plus thriller / horrifique. Et en fait, quelle excellente surprise que de voir qu’en réalité le film se construit sous forme de puzzle à regarder sur plusieurs angles, reprenant le concept de films comme Simon Werner a disparu… ou Angles d’attaque, ce qui est à chaque fois gage de qualité. L’idée marche ici d’autant mieux que les histoires se font suite, sont complémentaires, faisant que les changements de vision se font dans la continuité du récit. Pas de façon chronologique, mais de façon de comprendre ce qu’il se passe. En termes de mise en scène et gestion de la peur, Zach Cregger semble confirmer son accointance avec l’horreur, donc le film coche énormément de cases pour s’imposer comme l’une des œuvres les plus abouties de l’année. Oui mais…

Si bien sûr tout est fait pour faire ressentir l’angoisse au spectateur, une angoisse qu’il ne faut pas forcément extrapoler directement aux personnages, plus d’une fois on se dit que les réactions des protagonistes ne fonctionnent quand même pas. Le danger semble trop important pour des comportements plus qu’irresponsables, tombant dans une inconscience peu crédible (mon dieu le junky !). Personne ne pense jamais à demander des renforts, ou tout simplement appeler la police. La gestion des rôles est parfois maladroite, avec des personnages fonctions peu utiles (au passage coucou à nouveau le caméo de Justin Long) qui ne servent qu’à assurer le spectacle pour ne pas trop en dire. Après, chacun est libre d’en penser ce qu’il veut, mais personnellement le changement de ton dans le dernier tiers m’a un peu déçu, espérant une résolution plus rationnelle. Un concept fort et un sacré savoir-faire, reste maintenant à progresser niveau intrigue pour que le fond soit à la hauteur de la forme.

Lilo & Stitch
2025
Dean Fleischer Camp

Si on aurait tôt fait d’enterrer les remake live action Disney avec des catastrophes artistiques et industrielles comme Blanche Neige, l’année 2025 a été aussi marquée par un contre-exemple total : des critiques élogieuses, plus d’un milliard au box-office mondial, et à un cheveu près le film rate la première place annuelle aux US (à 0,3 M$ près). Pourtant, rien ne destinait le projet à un tel succès à la base. Le film original Lilo & Stitch avait fait le quart des entrées à l’époque, et même si l’histoire avait un peu été prolongée au travers d’une sympathique série Disney Channel ou qu’on pourrait citer les apparitions de Stitch dans l’univers Kingdom Hearts, avec une incursion spatiale dans Birth by Sleep, le film n’avait pas grande ambition au départ. Doté d’un budget « modeste » de 100 M$ (et encore, ce devait être moins à la base), le film était prévu pour une sortie Disney+, avant de finalement lui laisser sa chance en salles suite à des projections test très favorables. Il est amusant d’ailleurs de se rappeler que la machine était déjà lancée niveau marchandising, et que dès Noël 2024 les produits Stitch inondaient les magasins, et c’est peut-être un effet boule de neige stratégiquement inouïe : au lieu de capitaliser sur le succès du film pour relancer des produits dérivés, ce sont les produits dérivés qui ont d’abord inondé le marché, rappelant aux bons souvenirs du film d’origine, puis le remake a cartonné car sortant dans un contexte de hype renouvelée, ce qui relance encore la vente de produits dérivés. Bref.

L’histoire, sans être une repompe plan par plan comme Dragons mais au contraire une revisite de celle d’origine, nous plonge à Hawaï dans la famille de Lilo (Maia Kealoha) et Nani (Sydney Elizabeth Agudong), deux sœurs dont l’aînée tente tant bien que mal de s’occuper de la dernière suite à la mort de leurs parents. N’ayant personne d’autre que sa sœur pour l’aider à surmonter cette épreuve, Lilo va faire le vœu d’avoir enfin un ami, un meilleur ami. Pendant ce temps, Jumba (Zach Galifianakis), un scientifique fou, avait mit au point une arme ultime, un monstre inarrêtable, capable de tout détruire sur son chemin, l’expérience 626. Cette terrible menace va justement s’évader et atterrir sur une planète singulière aux formes de vies primitives : la Terre, et plus précisément sur une petite île appelée Hawaï.

Voilà exactement ce qu’on pourrait qualifier de remake utile : l’aspect science-fiction, lourd et pratiquement pas traité dans le film d’origine, a ce petit plus de développement qui permet un peu de légitimité à cet univers. Mes deux autres principales réserves concernant le classique d’animation était justement sa qualité d’animation, assez médiocre (en même temps son budget était moitié moindre que L’Atlantide ou La Planète au trésor par exemple), et le traitement superficiel de l’histoire. Si le travail de redesign est carrément fainéant, supprimant même Gantu du récit pour se faciliter les choses, et que Jumba et Pleakley ne marchent pas du tout en live action (heureusement que leurs formes humaines représentent la majorité de leurs scènes), visuellement le film fait beaucoup d’excellents choix. Déjà il n’y a pratiquement pas de fonds verts, des décors en dur, et même Stitch est en grande partie uniquement en animatronique, un effort louable qui permet en plus de réduire les coûts ! C’est même visuellement plus joli que l’original, la mise en scène étant posée avec une photographie travaillée, restituant au mieux la chaleur, les couleurs et l’ambiance hawaïenne. Si l’histoire est grosso modo la même, reprenant pas mal de scènes iconiques d’ailleurs (mais pas plan pour plan, plus en mode hommage réinventé), le fait que le film fasse 20 minutes de plus permet d’approfondir la relation entre les personnages, et grâce au talent des actrices qui jouent les sœurs, leurs querelles sont beaucoup plus douces, maîtrisant mieux cet équilibre de chamaillerie qui ne remet jamais en question leur amour. La petite Lilo est même encore plus jeune ici, renforçant sa mignonnerie et décuplant l’impact émotionnel de son combat pour gagner le cœur de Stitch. Plus que de la nostalgie, j’ai vraiment eu l’impression qu’enfin ce récit obtenait toute la puissance dramatique nécessaire pour que sa poésie éclate. Peut-être que la nostalgie est si insidieuse qu’elle annihile sournoisement toute objectivité, mais pour moi cette nouvelle version surclasse de loin celle d’origine.

Wake Up Dead Man : Une histoire à couteaux tirés
2025
Rian Johnson

Si on passera sur la folie même des prémices que d’avoir racheté les droits d’une saga qui n’avait forcément vocation à en devenir une, surtout qu’un investissement de 400 M$ pour un genre – le whodoneit / cluedo – quasi mort et enterré, Netflix a finalement eu raison, au moins au début. En effet, si le résultat manquait toujours d’un peu plus de folie et de maintient tout du long pour pleinement convaincre, Glass Onion avait réussi à se faire une place dans le top10 des films les plus vus sur la plateforme, bien qu’il en fut délogé récemment. La formule va t-elle un peu évoluer et enfin s’imposer comme un modèle du genre ?

Ancien boxeur reconverti en prêtre pour se sortir de ses propres démons, le révérant Judd Duplenticy (Josh O’Connor) va se voir affecté par le père Langston (Jeffrey Wright) dans une petite église en campagne anglaise, sous la tutelle de Monsignor Jefferson Wicks (Josh Brolin), un vrai psychopathe qui confond paroisse et secte, prêtre et gourou. Ses « messes » font fuir mêmes les plus dévoués, à quelques exceptions près (Glenn Close, Thomas Haden Church, Jeremy Renner, Kerry Washington, Cailee Spaeny et Andrew Scott), totalement sous son emprise. Une situation sous haute tension, jusqu’à ce que Monsignor tombe raide mort au cours d’une messe. Que s’est-il passé ? Pour l’aider à élucider ce meurtre, la cheffe de police (Mila Kunis) va faire appel à nulle autre que le légendaire Benoit Blanc (Daniel Craig).

Eh bah voilà ! Toutes les qualités décuplées, les défauts envolés. Habitué des castings quatre étoiles, la saga passe la cinquième ici, avec des performances à saluer pour le duo de tête, puisqu’en réalité l’enquête change d’axe. Exit Benoit Blanc le solitaire, il mettra d’ailleurs pas moins de 39 minutes à faire son apparition, laissant ainsi pleinement le temps à l’intrigue d’avancer ses pions, de développer ses personnages, et ainsi faire du meurtre du film un vrai enjeu central, pas juste un point de départ. On pourrait même dire que le vrai personnage principal de l’histoire est le révérant Judd, qui donc fera équipe avec Benoit, recréant une sorte de dynamique de duo à la Pirates des Caraïbes avec Will et Jack, ce qui marche du feu de Dieu avec un Daniel Craig plus charismatique que jamais. Le cadre est oppressant, très bien travaillé, et pour une fois on ne ressent pas cette impression que le film se joue de nous en nous cachant trop d’informations ou quoi. Non, les indices ne sont pas si nombreux, les pièces avares, on rame réellement à trouver quoi que ce soit de concret, et à chaque fois c’est primordial. Le spectateur avance donc au même rythme que l’enquête, avec parfois quelques intuitions prémonitoires, parfois quelques surinterprétations trompeuses, mais quand vient l’heure du « échec et mat », à aucun moment on ne sent berné ou floué : tout était là, logique, implacable, il fallait juste tout mettre dans l’ordre. L’introduction est un poil longue, mais c’est pour mieux créer du liant, ménager l’arrivée de son enquêteur emblématique, et toute l’enquête est passionnante avec une résolution non pas satisfaisante, mais gratifiante. Après deux volets pas tout à fait concluants, l’essai est cette fois pleinement transformé avec brio.

Valeur sentimentale
2025
Joachim Trier

Grand prix du festival de Cannes, le film a semble t-il conquis très largement les critiques à travers le monde, se retrouvant nommé dans pratiquement toutes les catégories aux Golden Globes, le plaçant de fait comme l’une des œuvres à suivre pour la période des cérémonies. Au final le film a fait quasi choux blanc, et on attend encore la liste des nommés pour les Oscars, mais ça m’étonnerait que le film y fasse tellement plus de bruit.

Grand cinéaste reconnu, Gustav Borg (Stellan Skarsgârd) n’a en revanche pas été un bon père, ayant quitté ses filles dès leur plus jeune âge au moment du divorce. Trente ans plus tard, Gustav va revoir ses filles à l’occasion de l’enterrement de leur mère, espérant peut-être pouvoir renouer avec elles, notamment son aînée (Renate Reinsve) qui s’est particulièrement renfermée sur elle-même, pour qui il a justement écrit un film dont il espère qu’elle tiendra le rôle principal.

Si on excepte le fait qu’il s’agit d’un film norvégien où gravite quelques têtes connues, le père en tête mais aussi Elle Fanning qui campe une actrice américaine, on est dans du classico drame social de bobo arty où ça se balance des fions, ça crie son malheur, ça se lamente, le tout dans une auto fellation totale autour du cinéma. Je ne dis pas que le cinéma ne peut pas parler de cinéma, au contraire, The Fabelmans était un petit bijou sur la créativité dans sa première moitié, mais le film en parle plus qu’il n’en montre. Il s’en sert comme d’une parure pour montrer que ce sont des personnes hypersensibles, animées par cette noble passion de l’art, revêtant au passage un arrogance insupportable, mais au fond on ne voit pratiquement rien du processus créatif, d’où vient cette passion ni pourquoi elle est si importante. Au contraire, le film passe son temps à montrer à quel point la fille aînée n’y a pas sa place, souffrant à chaque montée sur scène du théâtre, et on montre surtout ce tiraillement intérieur, ce mélange d’agonie et de dépression, pour au final éclipser toute la pièce ou ce qui la fait vivre (costumes, décors, techniciens, etc.). Ou alors c’est pour dire qu’il faut souffrir dans le processus créatif, mais dans ce cas il faut aller se faire foutre et arrêter de tout ramener à la Seconde Guerre Mondiale, puisqu’évidemment on suivra une famille dont la grand-mère (mère du père) fut dénoncée et déportée. L’actrice principale est en ce sens totalement insupportable, ruminant inlassablement le passé, auto alimentant sa souffrance en refusant de vivre autrement que dans une forme d’égoïsme absolu. Des claques se perdent…

En vrai le film est à moitié bon et à moitié chiant. Tout ce qui entoure la fille est donc ennuyeux, de l’auto apitoiement pénible, alors même qu’elle se pose en égérie de la morale, ce qui m’a énervé plus d’une fois. Elle fait traîner l’intrigue, bloque les relations des personnages dans une spirale de remords et non pardon. C’est comme la règle d’or en théâtre d’improvisation : ne jamais dire non. Eh bien là elle ne fait que ça, poussant les autres à ramer pour tenter de quand même faire avancer la barque. Usant. Heureusement, l’autre moitié du film est bien plus réussie : celle du père. Déjà Stellan Skarsgârd est formidable, et ce n’est pas pour rien que le seul prix aux Golden Globes sur la dizaine de nominations pour le film fut le prix du meilleur acteur secondaire qui lui a été décerné. Son chemin de rédemption pour reconquérir ses filles est des plus louables, car non seulement mieux vaut tard que jamais, mais en plus il le fait par le biais qui lui ai le plus cher, celui du cinéma, en écrivant son premier film en 15 ans avec le premier rôle pour sa fille aînée, celle qui a accumulé le plus de remontrances. On le voit vraiment essayer de bien faire, et sa relation père/fille improvisé avec la star américaine est touchante, montrant qu’il suffirait qu’on lui laisse sa chance. Quelques bonnes idées, de bons acteurs, mais une écriture trop concentrée sur l’aigreur et les reproches, allant jusqu’à en paralyser l’intrigue, à la limite de l’ennui.

Une bataille après l’autre
2025
Paul Thomas Anderson

Nous y voilà, le chef d’œuvre ultime au niveau d’encensement ahurissant, totalisant pas moins de 4,7/5 de moyenne par la presse française. Le film qui marque un tournant dans la carrière de son réalisateur Paul Thomas Anderson, d’habitude confiné à du cinéma d’auteur ne dépassant pas les quelques dizaines de millions dans le monde, et passant d’un coup à un budget fou de 140 M$ et des recettes comparativement modestes mais néanmoins remarquables dans le genre, dépassant les 200 M$. Continuellement cité de partout dans le top liste des meilleurs films de l’année : le film que tout le monde a adoré. Ah non, pas tout le monde, et faut redescendre deux minutes.

On suivra une bande de terroristes pro immigration clandestine, les French 75. Suite à un braquage ayant mal tourné avec un civil assassiné par les terroristes, les forces de l’ordre vont se déchaîner sur eux, menés par un certain Steven J. Lockjaw (Sean Penn). Monsieur dynamite (Leonardo DiCaprio), le Rocket Man, va fuir sous l’identité factice de Bob, emmenant avec lui son nouveau né, la petite Charlène / Willa (Chase Infinity). Seulement 16 ans plus tard, sur le point d’intégrer une haute confrérie, Lockjaw va relancer la traque pour couvrir ses arrière, pensant être potentiellement le père de Willa, ayant eu une aventure avec sa mère aux alentours de sa conception.

Bigre par où commencer ? Déjà, comment s’attacher à des personnages profondément antipathiques, des pseudos révolutionnaires qui déchaînent une immigration incontrôlée, font des destructions de biens publics, et vont même jusqu’à tuer des innocents ? Ce sont clairement des terroristes de la pire des espèces, pro ségrégation puisque pro black (être pro quoi que ce soit brise tout équité, et est de fait un acte raciste), donc idéologiquement le film m’a profondément rebuté d’emblée. Ensuite, le début met en avant le personnage de Perfidia, portant bien son nom puisqu’étant une gigantesque nymphomane. Admettons, mais son absence d’instinct maternel ou de stabilité émotionnelle la rende insupportable, son devenir n’est jamais traité (gros souci de traitement des personnages, celui de Benicio Del Toro est lui aussi abandonné en cours de route) et surtout j’ai du mal à comprendre le délire autour d’elle. Perfidia est interprétée par Teyana Taylor, dont ma première impression n’a pas changé : j’ai toujours autant l’impression de voir un sosie travelo de Michael Jackson. Globalement l’écriture des personnages et le scénario en général sont mauvais. Je pense notamment à l’antagoniste Lockjaw, dont le dernier rebondissement, totalement débile, est foutu en l’air par l’inversion dudit rebondissement. Pourquoi avoir fait ça si c’est pour l’annuler derrière ? Stupide… Petit mot sur le bon temporel de 16 ans : n’aurait-il pas été pertinent de rajeunir en amont ou vieillir après coup les acteurs ? Qu’une ellipse de 16 ans soit effective et que les acteurs aient les mêmes gueules comme si c’était le lendemain, c’est un ratage comme rarement on en a vu de pareil ! Et mon dieu ce final sur le fait de prendre les armes ! Sérieusement, tout le gratin d’Hollywood qui se réuni dans leur petit confort pour dire aux autres de se battre ? On parle de terroristes nauséeux dont je n’espérais que voir leur mort à l’écran ! Bref, l’histoire est minable.

Maintenant que l’aversion totale pour les idéaux est passée, parlons tout de même des points positifs qui sont à louer. Si les 140 M$ de budget ne se voient pas du tout, il faut reconnaitre une belle variété de décors naturels, un certain sens de la mise en scène avec par exemple le plan séquence dans la partie habitation / toit de la superette, ou encore la séquence en voiture sur les routes sinueuses. De même, malgré une durée de 2h40, le film se suit de façon étonnamment fluide, un rythme vraiment maîtrisé avec une bonne dose d’action et une gestion du suspens réussie. Heureusement, au milieu de cette bande de terroristes et de dégénérés suprémacistes, il y a le personnage de Milly, la caution pureté du récit, permettant d’avoir un vrai personnage positif pour qui on va s’inquiéter et dont le sort nous intéresse. Dommage pour sa conclusion en revanche…

En termes de cinéma, le film est une grande réussite. Au niveau de l’acting, c’est plutôt bon. Par contre au niveau du scénario et du propos politique, c’est une catastrophe sans nom. Les images sont belles, c’est dynamique et prenant, mais le fond est hypocrite au possible, dangereux et nauséeux. Pour un bobo gauchiasse bien installé dans son fauteuil se gargarisant du récit des révolutionnaires alors que lui est bien au chaud dans son confort, pour peu qu’il soit également très limité cognitivement, il se pourrait qu’il applaudisse des deux mains. Un haut niveau d’hypocrisie qui voudrait qu’on déloge Trump du pouvoir, mais qui exècre ce dernier quand lui déloge du pouvoir un narcotrafiquant dictateur (enfin paraît-il). Si le message est vraiment de prendre les armes, faire fi des lois, des institutions, et qu’importe si des innocents sont tués, alors clairement ceux qui le soutiennent sont pire que ceux qu’ils dénoncent. Bref, ce film me tiraille profondément, car j’ai plutôt aimé la forme, mais j’ai détesté le fond. Par contre vraiment, l’engouement si intense autour du film me terrifie sur la mentalité actuelle, en espérant que ce soit surtout de la connerie et pas de l’hypocrisie malsaine.

Blanche Neige
2025
Marc Webb

Après avoir vu l’un des meilleurs films de la décennie, il fallait un peu redescendre sur terre et s’attaquer à un projet maudit, qu’on ne pouvait que détester avant même sa sortie. On attendait un carnage, et ce fut pire que tout : un budget fou furieux de presque 270 M$, hors marketing, pour des recettes anémiques de 206 M$, avant frais de distribution. Le film se bat avec  Mission : Impossible – The Final Reckoning pour la place de plus gros désastre financier de l’année (et dans le top 3 all time), là aussi avec des pertes estimées entre 250 et 300 M$. Il faut dire que les scandales ont battu des records autour du film.

Il y a eu l’histoire des nains, censés être joués par de vrais acteurs, puis finalement devenus des « créatures magiques » en CGI pour ne froisser personne. Il y a eu les projections test désastreuses, qui ont conduit à quantité de reshoots alors que le film était terminé en 2022. Il y a eu la guerre Israël / Palestine, où les deux actrices principales avaient des positions opposées, l’une défendant Gaza, l’autre étant une ambassadrice juive ayant été élue Miss Israël et ayant servi pour le Mossad, et paraît-il que l’ambiance sur les plateaux était des plus austère. Mais surtout, surtout, c’est bien le comportement cataclysmique de la fameuse Blanche-Neige (Rachel Zegler) qui posa problème, alors même que son casting avait déjà provoqué des indignations à la base. C’est bien simple, l’actrice s’est mise absolument tout le monde à dos, crachant ouvertement dans la soupe en disant haut et fort à quel point ce rôle était insignifiant pour elle, que le classique d’animation, monument du cinéma et tout premier film animé de l’histoire, était une bouse sans nom et qu’elle a fait ce qu’elle a pu pour sauver le film tant l’histoire de base est médiocre. Ses vidéos de défiance envers ses détracteurs étaient aussi un summum de maladresse provoquante, insultant carrément les critiques. Les gens se sont délectés des vidéos d’elle pleurant devant des salles vides, et c’est mérité. Arrogante, méprisante et méprisable : à elle seule elle avait ruiné tout le marketing du film. Donc oui, on ne pouvait que haïr le film, et il trouve quand même le moyen d’encore décevoir !

Si la présence du prince charmant a été supprimée et que les nains sont désormais des créatures magiques, l’histoire est peu ou prou restée la même : après la mort de sa femme, un roi s’est épris d’une autre (Gal Gadot), et peu après en avoir fait sa reine, il mourut à son tour. Le royaume devint de plus en plus sombre sous son règne, obnubilée par l’argent et la beauté. D’ailleurs, quand la princesse Blanche-Neige (Rachel Zegler) atteint la majorité, son beau miroir magique au mur cessa de reconnaître en la reine la plus belle de tout le royaume, donnant désormais ce titre à la princesse. La reine va alors décider d’ordonner la mort de sa belle-fille.

En vrai, mise à part qu’il est totalement ridicule de comparer la beauté des deux actrices tant la princesse est d’une laideur infinie en comparaison, ce qui est certes un sacré problème de cohérence, j’avais presque envie de défendre le film basé sur ses premières 27 minutes. Oui, ça chante de trop et la VF est absolument catastrophique au niveau des chansons, mais en vrai les décors / costumes et effets spéciaux passait à peu près, bien que dégoulinant de couleurs et de fluo au delà de l’indigestion. Et puis après j’ai progressivement abandonné toute idée de voir un film ne serait-ce que supportable. Déjà les animaux sont très limites, complètement cartoon, mais alors les nains sont un ratage sans commune mesure. Juste ignobles, tant au niveau du design censé être un hommage mais totalement raté, que surtout de la modélisation pas crédible une seconde. Et autant le château fait mine d’avoir de beaux paysages, autant les forêts sont tristes à crever, puant le plateau en carton pate. Les acteurs sont en roue libre totale, en surjeu monumental, surtout que les chansons sont assommantes. C’est bien simple, il ne se passe pas deux minutes sans que ça chante, enchaînant à un rythme usant : de la pure comédie musicale. Et c’est bien beau de supprimer le prince charmant, mais dans les faits le voleur fait totalement office de, avec un amour toujours aussi superficiel. La poésie de l’animation d’antan a laissé sa place à une avalanche de FX atroces, les chansons sont encore plus nombreuses avec des reprises systématiquement moins bien que l’original, avec en plus des acteurs qui cabotinent et nous chient dessus en off. Le projet était déjà détestable, mais le résultat l’est encore plus.