Night Call
2014
Dan Gilroy

Faire un film sombre et violent sur un héros pas très respectable, ça peut marcher, alors le producteur du sympathique et atypique Drive a voulu pousser le concept encore plus loin avec un film cynique exploitant la misère humaine, la violence et la mort comme source comique. Bilan : des critiques exceptionnelles, une pluie de nominations, quelques récompenses et un certain succès commercial. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que c’est amplement mérité.

Que peut-il y avoir de pire qu’un journaliste ? Un Nightcrawler (titre VO), cameraman amateur spécialisé dans les incidents nocturnes, souvent violents et sanglant. Ne sachant pas vraiment que faire de sa vie, Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) va tomber par hasard sur l’un d’entre eux, et il va être immédiatement fasciné par l’idée de traquer et reporter le crime et les accidents spectaculaires. Un poste retransmettant les ondes radios de la police, prêt à démarrer au quart de tour derrière son volant, Lou va chercher soir après soir le reportage le plus choquant imaginable, n’hésitant pas à transgresser la loi pour filmer au plus près les cadavres encore chauds ou les mourants.

Pas grand monde n’ose l’avouer, et pourtant, c’est une réalité : tout le monde s’en fout de tout. Un accident de voiture, même si une mère et son bébé perdent la vie, c’est bien peu de chose. Un énorme carambolage avec explosion, des flammes de partout et des corps agonisant dans une marre de sang, ça attise à peine notre curiosité. Véritable génie qui a tout compris à la vie, au fonctionnement et aux travers de notre société pourrie jusqu’à la moelle, le personnage principal du film sait exactement ce qu’il faut faire pour obtenir ce qu’il veut, et c’est avec déterminisme et un sang-froid ahurissants qu’il y excelle. Il ne souffre aucun tabou, va droit au but, ose dire tout et assume totalement chacun de ses actes, et son aplomb atteint des sommets divins. Voilà qui résume le film : « ce mec est un génie ». Il sait ce qu’il veut, comment l’avoir, et il ne souffre aucune limite. La surenchère du reportage le plus cru, le plus ignoble semble à son paroxysme d’emblée, et pourtant, il repoussera chaque limite avec un professionnalisme et un calme surnaturels. D’aucun le qualifieraient d’inhumain, de monstre psychopathe, mais son talent est sans commune mesure. En résulte des scènes chocs filmées avec jubilation, donnant lieu à un humour dérangeant mais irrésistible. Un film foncièrement original, superbement interprété et hilarant.

Big Eyes
2015
Tim Burton

Après avoir atteint la cime du box office avec Alice au Pays des Merveilles, le choc fut brutal pour Tim Burton, qui malgré de bonnes critiques, connu bien des difficultés financières avec Dark Shadows, l’amenant à opérer quelques changements radicaux. Ainsi, après un film d’animation, il nous revient avec un biopic à micro budget complètement lâché par les distributeurs, sombrant dans l’indifférence la plus total avec moins de 30 M$ dans le monde au final. Du coup, le réalisateur a à nouveau vendu son âme à Disney, signant pour une adaptation live de Dumbo, et succombé à l’appel des fans pour un second Beetlejuice. Pourtant, si sa patte est discrète, le résultat est là.

Tiré d’une histoire vraie, le film retrace le parcours de Margaret (Amy Adams), mère célibataire tentant de vivre de son art, qui croisa le chemin de Walter (Christoph Waltz) en 1958. Lui aussi artiste, ayant beaucoup peint Paris du temps où il y étudiait l’art, il est en revanche bien plus à l’aise que Margaret, qui deviendra sa nouvelle compagne, quant à la vente et la promotion de ses œuvres. Ainsi, pour donner plus de chance à ses enfants aux grands yeux, thème de ses toiles, il va faire croire à qui veut bien l’entendre que le fruit de son dur labeur est de son dû. Une mascarade arriviste qu’elle va bien vite regretter.

C’est une évidence, dans le milieu de l’art la force de l’œuvre ne pèse strictement rien face à la façon de la vendre. Et il est probable que l’artiste en question n’aurait jamais été connue sans son mari qui l’a défendu vigoureusement. Seulement voilà, se faire déposséder de ses créations et voir le mérite attribué à quelqu’un d’autre, surtout dans des propensions aussi énorme, ça fait mal, et peu à peu la rancœur s’installe, puis la haine de l’autre. Une fois le succès avéré la supercherie aurait pu prendre fin, mais l’usurpateur y avait trop prit goût pour lâcher l’affaire, et le mensonge les a rongé des années, jusqu’au point de rupture, sans quoi jamais cette histoire n’aurait été révélée. C’est un peu comme pour Arrête-moi si tu peux : il n’y aurait eu pas de film si la preuve n’avait pas été faite. Le film réussi parfaitement à traduire le désarrois et la folie des personnages, surtout Walter, et l’histoire est bien plus palpitante qu’on aurait pu le croire, notamment avec la révélation Sényque. Le procès final est lui aussi très intéressant, et la touche d’humour apportée au récit donne un ton frais et décalé. Le développement est bon, l’ambiance immersive, et on en ressort conquis.

The X Files, le film
1998
Rob Bowman

Après nombre de saisons à nous balader à grands coups de complots gouvernementaux, faux-semblants et autres mascarades pour discréditer la thèse extraterrestre, la cinquième saison de la série événement X-Files mettait enfin les points sur les i. Oui : une invasion extraterrestre se prépare bien, se prépare même depuis la nuit des temps, et l’homme à la cigarette et ses associés ont négocié les conditions de l’imminente colonisation, servant l’humanité sur un plateau aux envahisseurs. Néanmoins, la recrudescence d’une autre race alien, les sans-visages, sorte de rebelles terroristes, permet d’envisager une autre alliance, tout aussi incertaine, mais qui permettrait de mettre au point un antivirus contre l’agent pathogène de ceux du premier contact, et ainsi donner une vraie chance à la résistance.

Le film était donc censé apporter quelques réponses supplémentaires à cet arc de la série, le tournant majeur pourrait-on dire même. Toujours pas réaffectés aux « affaires non-classées », il faudra pour ce faire attendre le début de la saison 6, les agents Mulder (David Duchovny) et Scully (Gillian Anderson) vont être rattrapés par la vérité. Témoins d’un terrible attentat, ils vont être accusés d’être responsables de la mort de cinq personnes, non-évacuées de l’immeuble qui a sauté. Mais sont-elles réellement mortes lors de l’incident ? Un contact de Mulder affirme le contraire, le mettant sur la piste d’une souche préhistorique du pathogène extraterrestre.

L’une des séries les plus appréciées et suivit de l’histoire, The X-Files était alors au sommet de sa gloire, ressortant de sa cinquième saison avec une moyenne record de 19,8 millions de spectateurs, et ce sans l’exposition historique de l’épisode post-Superbowl de la saison précédente. L’intégralité de l’équipe technique et artistique était de retour pour cette aventure cinématographique, avec au passage un budget solide de 66 M$, permettant au show de jouer dans la cours des grands. Passer du petit au grand écran est néanmoins un sacré pari, mais avec près de 190 M$ récoltés dans le monde, ce fut une belle victoire. Mais le film fut-il à la hauteur des attentes ? Non, loin s’en faut. Si le passage en 16/9, l’amélioration de la qualité des caméras et l’effort de présentation sont flagrants, on a plus l’impression de se retrouver face à double épisode de la série, et pas forcément très bon. On retrouve le même soucis d’économie de moyens, avec un unique plan ambitieux sur la fin, et l’histoire n’est qu’un bête prolongement pas très intéressant de l’arc de la série. Uniquement centré sur le virus et oubliant totalement certains aspects de l’histoire comme les sans-visage, le film n’est qu’une enquête de plus sur cette même affaire de colonisation, et au final on n’en saura pas plus et rien n’aura tellement bougé. On retrouve bien sûr tout ce qui fait le succès de la série, et le film l’exploite bien avec sa mise en scène sublimée, mais on s’attendait forcément à plus au cinéma, alors qu’au final on assiste à un gros épisode, pas spécialement inspiré d’ailleurs.

Near Death Experience
2014
Gustave Kervern, Benoît Delépine

Suivre un gourou aveuglément n’est pas forcément une bonne idée, et en voici la preuve. Habituellement critique avisé et pertinent, Durendal a chaudement recommandé cette expérience cinématographique unique, et étant actuellement entrain de lire un excellent livre du célèbre écrivain Michel Houellebecq, qui trouve là son premier vrai rôle, sa côte de popularité me concernant avait décuplé mon envie de m’y plonger, mais un détail m’avait échappé : le duo de réalisateurs. Connus pour leurs personnages dépravés et immondes dans l’émission Groland, ils n’en sont pas à leur coup d’essai en matière de cinéma, mais sur leurs trois précédents films, deux sont venus à bout de ma patience en moins d’un quart d’heure, l’autre étant Le Grand soir, l’un des plus mauvais films jamais régurgité.

Pour le film de moins de 90 minutes le plus long de l’histoire, on suivra passivement un certain Paul (Michel Houellebecq), père de famille ivrogne qui n’en peut plus. Son quotidien lui fait fermement chier, et tout le répugne, surtout lui-même. Un bel après-midi d’été, il va prendre son vélo et mettre le cap vers la Sainte Victoire, bien décidé à mettre fin à ses jours. L’occasion aussi de faire le point sur sa vie, voulant profiter du calme ambiant pour se poser quelques jours.

Une phrase dite par le quasi unique personnage du film résume à merveille notre ressentiment à son égard : « Mon petit Paul, tu parles beaucoup et tu ne te suicides pas assez ». Après nous avoir bien montré à quel genre de déchet on avait affaire, on passe l’intégralité du film à voir ce vieil homme repoussant tirant une tronche de six pieds de long et nous dire de temps à autre, après d’interminables séquences de randonnée pédestre vides, à quel point la vie c’est de la merde. Le pire, c’est que ce qu’il nous raconte n’est presque jamais intéressant, trop rarement incisif, et ne sert qu’à démontrer son pathétisme extrême. De plus, l’articulation et la prononciation sont catastrophiques, rendant certaines répliques inaudibles. La mollesse du film est d’un niveau inédit, de même que la réalisation, véritable provocation. Chaque plan semble avoir été étiré jusqu’à l’exaspération pour endormir le spectateur, ou tout du moins lui infliger l’ennui le plus grand. Le montage est dégueulasse, insultant pour l’écrivain filmé entrain de baver, sous son jour le plus minable. Un film torchon, là pour salir, et s’il le fait bien, ça n’en reste pas moins d’un ennui interminable et insoutenable. L’un des films les moins intéressant de l’histoire, au titre d’ailleurs foncièrement mensonger.

La Religieuse
2013
Guillaume Nicloux

Si la France est un pays laïque, il n’en reste pas moins d’héritage culturel catholique, et il fut une époque où l’engagement religieux était monnaie courante, une solution souvent utile face à la misère. Et si aujourd’hui ce genre de sujet n’intéresse presque plus personne, le livre de Denis Diderot dont le film est adapté est encore très respecté parmi les érudits, bien qu’éloignant définitivement son réalisateur du succès.

Jeune fille de bonne famille, la belle et jeune Suzanne (Pauline Etienne) a vite attisé la convoitise, mais ne se sentant pas prête pour le mariage, elle va avoir la sotte idée de prétendre préférer l’amour de Dieu, la conduisant droit au couvant. Elle pensait pouvoir en sortir après quelques temps, mais ses parents, ruinés par les mariages de ses deux sœurs aînées, y voyaient là une occasion magnifique de se libérer de leur dernière charge. Contrainte et forcée, elle sera tour à tour confrontée aux brimades d’une mère religieuse tyrannique (Louise Bourgoin) puis aux avances satanistes d’une autre (Isabelle Huppert).

Qu’est-ce qu’on ne ferait pas pour échapper à la mendicité ou faire plaisir à ses géniteurs… On suit donc le récit d’une jeune ingénue sacrifiée pour de mauvaises raisons, rejoignant des rangs bien indignes de la sphère religieuse qu’ils sont censés représenter. Après les polars montrant que les pires truands sont au sein des forces de l’ordre, voici le film religieux qui montre que plus grands pécheurs sont des prêcheurs. Ainsi, on subit le calvaire initiatique d’une héroïne jouissant de malchance, dont la vie prouve inlassablement l’inexistence ou le mépris de Dieu. Néanmoins, ce calvaire a tendance à devenir le notre, les deux premiers tiers étant d’une mollesse insoutenable, et la rage de l’injustice devenant de la lassitude à force de résignation. Malgré de belles performances et une certaine curiosité, l’histoire ne nous emporte jamais vraiment, et l’ennui ne se dissipe qu’occasionnellement. Difficile de savoir où le film voulait en venir, à part démontrer que le mal est omniprésent.

Kon-Tiki
2013
Joachim Rønning, Espen Sandberg

En 1947, un scientifique norvégien a tenté une aventure folle dans le but de prouver sa théorie sur la colonisation des Philippines : effectuer quelques 8000 km séparant le Chili des îles océaniques dans les mêmes conditions qu’à l’époque, à savoir sur une simple barque faite de bois et de cordes, dotée d’une rame et d’une voile comme gouvernail. Une expédition à haut risque, dont le documentaire a gagné en 1952 l’Oscar, et qui a fait ici l’objet d’une adaptation cinématographique ambitieuse. Un film pourtant norvégien et qui avait tout du projet extrêmement risqué, mais qui a réussi à bien s’exporter, et grâce à un énorme succès à domicile, il est finalement rentré dans ses frais. Le film a joui d’une belle renommée, lui offrant son ticket d’entrée dans les plus prestigieuses cérémonies, même si pour d’obscures raisons l’ennuyeux Amour lui a ravit l’Oscar du meilleur film étranger, et suite à ça les réalisateurs ont eu l’incroyable opportunité de réaliser le cinquième Pirates des Caraïbes prévu pour l’été 2017, projet qui tombe sous le sens après cette épopée aquatique.

Après une petite amorce pour expliquer le personnage de Thor (héros du récit) et ce qui a conduit à cette expédition périlleuse, le gros du film se concentre donc sur la poignée d’homme à bord de la modeste barque pour une durée initialement estimée à une centaine de jours (101 au final, donc remarquable de précision). On suit donc leur voyage avec tous les problèmes survenus, allant du manque de nourriture aux menaces sous-marines en passant par les dangers climatiques. Des conditions extrêmes qui influent inévitablement sur le moral entre la grande proximité qui peut créer des tensions et le doute perpétuel quant à la réussite de l’opération. Comme pour L’Odyssée de Pi ou le récent Invincible, cette survie en haute mer est donc pleine de rebondissements et de temps forts, reprenant les classiques du genre comme l’attaque de requins, le passage de baleines ou la visite nocturne d’étranges poissons luminescents. Le film n’innove pas tellement et le casting n’a pas non plus l’occasion de prouver sa valeur, d’autant que l’équipage devient très vite une bande de vieux barbus préhistoriques indissociables, mais le résultat est tout de même puissant. Malgré un budget presque risible face aux mastodontes du genre, le film possède quelques scènes impressionnantes d’un réalisme incroyable, notamment toutes les scènes sous-marines, et visuellement c’est irréprochable. Le rythme est lui aussi très bon, le film ne possédant presque aucun temps mort et la durée étant raisonnable. Une belle épopée tirée d’une grande histoire, démontrant que la grandeur d’un homme vaut pour son courage, et le film est en plus une belle réussite artistique.

Turf
2013
Fabien Onteniente

Alors que tout le monde s’accorde à dire que la filmographie de Fabien Onteniente est composée exclusivement de navets indignes, il n’empêche qu’entre Disco et les deux premiers Camping, le piètre réalisateur venait d’enchaîner pas moins de trois gros succès commerciaux. Car oui, même si c’est mauvais, ses films sont distrayants et on y retrouve des acteurs populaires. Alors pourquoi cette fois-ci le bide fut légendaire, le classant parmi les plus gros échecs financiers de l’histoire du cinéma ? Il semble qu’à force de trop tirer sur la corde, le public se soit lassé.

Qu’est-ce qu’un Turf ? Eh bien tout simplement un amateur de course hippique, souvent vautré au PMU du coin à claquer son salaire à parier sur le dos des chevaux. Spécialistes du genre, quatre potes (dont Edouard Baer et Alain Chabat) vont avoir l’idée folle de passer de l’autre côté de la barrière en devenant propriétaires d’un cheval de course. Directeur d’un prestigieux élevage, Paul (Gérard Depardieu) va réussir l’exploit de leur refourguer l’animal malade de l’enclot, Torpille, un cas désespéré. Un onéreux investissement, surtout avec le surcoût du coach et du jockey (Sergi López et Vahina Giocante), qui risque fort de tourner au canular et au gouffre financier fatal. Sauf si…

Un cheval c’est beau, fort, majestueux et noble, et les concours sont un ressort dramatique intense, propice aux émotions et au suspens. Le film avait donc un certain potentiel, surtout que le casting est solide, et il y a de-ci de-là quelques propositions comiques intéressantes. Mais voilà, le film est brouillon, horriblement creux, et la direction d’acteurs est catastrophique, pénalisant encore plus des personnages stéréotypés à outrances par des prestations médiocres. Le personnage de Edouard par exemple est typiquement un gros égoïste incapable de voir au delà de l’instant présent, parasite vivant au crochet des autres et qui se pavane de façon détestable. Mais les autres ne valent pas tellement mieux entre l’ostéopathe censé être infidèle alors que pas du tout, le comptable nerveux agressif, et le gros bouboule à sa maman qui déconnera à plein tube lors d’une séquence monégasque ahurissante de connerie. La logique est totalement absente, de même que l’originalité, et toute la seconde moitié est une vertigineuse chute libre dans le mauvais goût. Inévitablement on sombre dans l’ennui, même si on voulait y croire. Décidément, vivement Camping 3, j’ai trop hâte !

Un prof pas comme les autres
2013
Bora Dagtekin

Fraîchement débarquée chez nous en novembre dernier, cette comédie allemande avait fait sensation à domicile une année auparavant, culminant à pas moins de sept millions d’entrée, faisant du film l’un des plus gros succès de tous les temps. Avec soixante mille entrées en France l’engouement ne fut en revanche pas communicatif, mais le cinéma allemand ne s’exporte de toute façon que très difficilement.

Tout juste sorti de prison après s’être fait coffré lors d’un braquage, Zeki espérait mettre la main sur son magot, mais sa cruche de complice l’a enterré dans la cour d’une école, et un bâtiment a vu le jour au dessus de sa cachette. Pour remettre la main dessus, il doit creuser sur près de six mètres, chantier difficilement faisable clandestinement. Du coup, il va postuler pour le poste de concierge et ainsi glaner une place stratégique dans l’école, mais repartira finalement avec un job de professeur remplaçant. Lui qui méprise les élèves et se contrefout de leur apprentissage, la situation est hautement improbable. Pourtant, sa pédagogie va porter ses fruits.

Un prof qui n’a pas réellement les diplômes nécessaires pour exercer, une incompétence flagrante, des manières de rustre et une dégaine de loubard : on se croirait face à une adaptation live de GTO en mode allemand. Donc forcément, il y a de quoi être enthousiaste, mais Onizuka avait un bien meilleur fond que ce Zeki, beaucoup plus brute de coffre et aux manières parfois détestables. Il reste charismatique et sympathique, mais heureusement qu’on peut aussi compter sur une charmante collègue et quelques élèves intéressants, sans quoi le vide scénaristique s’en ressentirait encore plus. Dynamique et efficace, le film fait valoir un humour frais et passe-partout, bien qu’éculant certains clichés avec une paresse effrontée. On sait d’emblée comment ça va se finir, mais ça n’en reste pas moins divertissant, et j’accueillerai personnellement bien volontiers la suite déjà disponible en Allemagne.

The Voices
2015
Marjane Satrapi

Depuis la série Dexter, le meurtre de masse est devenu presque festif, et voir débarquer une comédie cynique sur ce thème est même logique. Néanmoins, le public visé étant assez restreint, le scénario figurait sur la fameuse black-list des projets risqués, et le film ne sortira d’ailleurs peut-être pas aux Etats-Unis, d’autant plus vu l’échec cuisant du film en Grande-Bretagne (heureusement pour eux que la France sauve un peu les meubles).

Quand notre mère nous demande de l’achever quand on est encore enfant, ça laisse des marques, c’est sûr, surtout si cette dernière était maltraitée par son mari et qu’elle entendait des voix. Jerry (Ryan Reynolds) avait donc peu de chance de finir saint d’esprit, et c’est exactement pour ça qu’une psychologue le suit assidûment, mais vu que ce dernier refuse de prendre ses médicaments, le mal est déjà entré en lui. Les animaux autour de lui lui parlent, et son chat le pousse à commettre des meurtres. D’abord réticent à s’engager sur cette voie, il va succomber aux voix.

J’ai toujours trouvé que Ryan Reynolds était un mauvais acteur, obligatoirement cantonné aux comédies à cause de sa tête de con. Seulement quand on lui propose un rôle sur-mesure, le résultat est génial. La bêtise dans toute sa splendeur : jamais quelqu’un n’aura aussi peu transpiré l’intelligence que lui, et il est d’un naturel époustouflant. Une formidable idée de base, au potentiel comique énorme, mais c’est aussi un boulet que se traîne l’histoire. Quand on est un meurtrier, ne même pas avoir un QI à deux chiffre est une plaie tant les indices laissés sont flagrant, affichant presque une pancarte avec écrit « je suis un assassin ». L’histoire s’en retrouve donc rapidement poussive, à la conclusion inévitable. Dommage car d’autres excellentes idées sont de la partie avec les têtes de Anna Kendrick et Gemma Arterton, mais au final on reste assez mitigé, bien que la dernière scène soit encore une fois une belle trouvaille. Une idée originale et efficace, avec un psychopathe génial et un humour noir ravageur, mais la trame est un peu trop faible pour pleinement convaincre.

Into the Woods
2015
Rob Marshall

Comédie musicale à succès qui a fait les beaux jours de Broadway, cette compilation des plus grands classiques contes de fée (Jack et le haricot magique, Cendrillon, Le petit chaperon rouge ou encore Raiponce) s’est vu transposée au cinéma pour les fêtes de fin d’année aux Etats-Unis pour un succès tout aussi honorable, mais a en revanche largement bidé dans le reste du monde, sans doute de par une sortie éloignée moins stratégique et l’engouement restreint pour les comédies musicales. À moins que ça ne soit parce que le film est mauvais, ça peut jouer.

Ô tristesse infanticide, toi qui m’interdit de fonder une famille ! Dans un royaume bordé par une immense forêt magique, un boulanger (James Corden) et sa femme (Emily Blunt) essayent en vain de faire un enfant, une vieille malédiction, héritage familial, ayant rendu le boulanger stérile. Miséricordieuse, la sorcière responsable du maléfice (Meryl Streep) lèvera le sortilège en échange de quatre présents : une vache couleur lait, un vêtement rouge comme le sang, des cheveux jaunes comme le maïs et un soulier pur comme de l’or.

Que Disney reprenne ses vieilles histoires d’antan pour en faire une comédie-musicale féerique en y mettant le paquet côté casting (avec en plus Anna Kendrick, Johnny Depp et Chris Pine) était gageure, mais le résultat ne suit pas. Que l’histoire soit complètement bancale n’est pas très grave, le matériau de base était déjà faiblard, mais il est vrai que le fil conducteur est navrant, même si les univers se marient bien. Les acteurs ne sont pas non plus formidables, mais encore une fois c’est un aspect secondaire, bien que la nomination aux Oscars de Meryl Streep soit une aberration hallucinante et qu’on s’étonne de voir des inconnus au milieu de stars planétaires. De même, l’aspect cheap du film avec des effets-spéciaux au rabais importe peu, aussi regrettable soit-il. Non, le vrai problème du film provient de ses chansons, toutes plus mauvaises les unes que les autres. Elles arrivent comme un cheveux sur la soupe, consistent la plupart du temps en un parlé-chanté peu mélodieux, et rallongent artificiellement la narration déjà bien poussive. La musique est bonne, surtout pour le thème principal, mais la pauvresse du texte et du contexte font de chaque chanson un ratage artistique presque total. Une faiblesse d’écriture monumentale qui ruine toute potentialité, et le film fait vraiment pitié à côté du pourtant modeste remake d’Annie.