First Kill
2017
Steven C. Miller

Dans la famille « je cachetonne à blinde, s’il-vous-plait j’ai très faim », je voudrais deux spécialistes du direct-to-DVD, Bruce Willis et Hayden Christensen. Ce second campe ici un père qui s’inquiète pour son fils, régulièrement victimisé par une brute de son collège. Pour le pousser un peu à devenir un homme qui ne se laisse pas faire, il va l’emmener un beau jour à la chasse, loin de se douter de ce qui allait lui tomber dessus (et je ne parle pas de la pluie). Au détour d’un sentier de la forêt où ils étaient partis, ils vont tomber sur deux hommes en pleine altercation, l’un tenant l’autre en joug puis va lui tirer à bout portant, avant de tirer dans leur direction (bah oui, quand y’a un gosse, forcément qu’il va être con au point de faire du bruit en pareille situation). Obligé de se défendre, le père abattra l’assaillant, constatant après coup qu’il s’agissait d’un policier. Comme une connerie en cache dix autres, il va décider de ramener chez lui le second sur lequel le policier avait tiré, histoire de le soigner, sans savoir qu’au réveil il allait kidnapper son fils pour que le père l’aide dans une affaire de flic ripoux. Voilà voilà.

Un magot dérobé, des policiers corrompus et un homme lambda là par hasard pour que le spectateur s’identifie. Un pitch qui semble relater un film déjà vu une centaine de fois, et c’est effectivement le cas tant rien ne permet au film de s’extirper de la masse, enchaînant les pseudos rebondissements qu’on connaît d’avance et nous livrant une œuvre paresseuse qui se contente de copier tel quel des codes préhistoriques. Pour tenter de camoufler le manque de moyens et d’ambition, le film essaye de caler le maximum d’action et de s’attarder le moins possible, mais difficile de rester concentré quand on atteint des sommets d’absurdités de facilités scénaristiques comme lors d’une course poursuite où comme par hasard deux véhicules avec les clés sur le contact se trouvent sur le chemin. Une série B miséreuse où sont venus cachetonner deux grands noms du cinéma, visiblement plus intéressés par l’argent que par l’art.

Un Profil Pour Deux
2017
Stéphane Robelin

Ah la la, la France et le social. C’est culturel : notre pays a un problème avec les vieux, et eux ont un problème avec la technologie. Notre monde passe de plus en plus par les échanges virtuels, coupant davantage les personnes âgées qui pour la plupart n’ont pas su évoluer avec l’informatique. Mais si on leur apprenait à s’en servir, que feraient-ils avec ?

Aspirant écrivain à qui personne ne laisse sa chance, ne trouvant jamais le temps d’écrire entre les corvées et les petits boulots qu’on lui assigne, Alex (Yaniss Lespert) va se retrouver obligé de donner des cours particuliers à son grand-beau-père, Pierre (Pierre Richard). Se morfondant dans la solitude depuis la mort de sa femme, ce dernier va reprendre gout à la vie grâce à un site de rencontre, lui donnant l’occasion de se sociabiliser à nouveau et de rêver à d’ardentes passions. Seulement voilà, sur son profil il se fait passer pour Alex, loin de savoir qu’il sort avec sa petite fille et qu’il le pousse par là même à l’adultère.

L’idée de base est à la fois amusante et originale en nous montrant un papy se mettant aux sites de rencontres, mais avec pour singularité de se faire passer pour son professeur d’informatique, tout en lui prêtant des qualités propres à l’ex de sa petite-fille parti en Chine. Une situation très délicates, reposant sur des mensonges et des non-dit, aboutissant à moult quiproquos, certes faciles et qu’on voit venir de loin, mais c’est très drôle et le sens du timing est excellent. Le grand-père est très attachant et de ce micmac va naître une belle romance, mais difficile de pleinement s’extasier quand le personnage principal est à ce point mou et dénué de charisme. Reste une comédie sympathique avec un brin d’originalité.

Geostorm
2017
Dean Devlin

Un rumeur faisait état d’un scénariste sur les films de Roland Emmerich, même si de toute évidence il ne s’agissait que d’un stagiaire plaisantin qui n’y connaissait rien. Eh bien cette personne mystérieuse sort de l’ombre cette fois en réalisant son propre film, toujours en respectant le style « film catastrophe » de son maître. Après tout pourquoi pas, Le Jour d’après et 2012 étaient de gros divertissements décérébrés mais jouissifs, et cette fois encore le budget est monstrueux : 120 M$. Malheureusement, le spectaculaire est un art bien difficile transposer.

Bien qu’en vérité tout le monde s’en fout, le réchauffement climatique est censé être un grand sujet d’inquiétude, et pour lutter contre ses effets négatifs le scientifique Jake Lawson (Gerard Butler) a mis au point en 2019 une technologie satellite capable de réguler les climats des différentes zones du globe. Malheureusement, quelques années plus tard, la machine de contrôle climatique va se mettre à enchaîner des bugs aux répercutions dévastatrices, et si le problème n’est pas très vite résolu le monde risque d’être prit au cœur d’une Geostorm (tempête d’échelle mondiale).

Même à l’annonce du projet il n’y avait pas grand chose à attendre, si ce n’est un divertissement pas bien intelligent mais vaguement spectaculaire. Hélas, le film fera effectivement montre d’une paresse d’écriture importante, mais bien plus qu’escompté, et l’aspect visuel est très loin des standings actuels, surtout en matière de mise en scène. Si le principe de contrôle météorologique peut éventuellement être tolérer – encore qu’à l’image de l’option d’auto-destruction les explications soient de l’ordre du « oui mais si » – il est bien moins évident de pardonner une narration si prévisible et des personnages à ce point stéréotypés et insipides. Il est vrai que le caractère affligeant des dialogues n’aide pas, mais on pouvait espérer mieux de la part de Jim Sturgess, Abbie Cornish, Ed Harris ou Andy Garcia, mais ils sont visiblement tous là pour cachetonner. Côté visuel le bilan n’est pas exceptionnel non plus, affichant des séquences de destructions mal filmées, trop courtes et scénaristiquement débiles (on est presque sur une parodie du Jour d’après avec la course contre le froid). Seuls les plans spatiaux sont sympathiques, mais on a déjà vu tellement mieux en la matière. Pour l’équilibrage, la formule si réussie de Roland Emmerich n’est pas du tout reconduite, nous assommant de 90% de blabla ennuyeux pour seulement 10% de pseudo spectacle, très loin des musts du genre. Sans aller jusqu’à dire que ce fut un calvaire, on ne peut clairement pas qualifier ce sous-produit de bon divertissement et en aucune façon le recommander.

Epouse-moi mon pote
2017
Tarek Boudali

Décidément, plus rien n’arrête le duo de potes Tarek Boudali et Philippe Lacheau ! Après avoir cartonné avec Babysitting 1 & 2 et Alibi.com, les voilà dépassant pour la quatrième fois d’affilée les deux millions d’entrées en France, un plébiscite dont strictement personne d’autre ne peut s’en venter. Il est vrai que leur style est terriblement efficace, dépoussiérant notre vieux cinéma en proposant un humour frais, décomplexé et sans tabou. N’ayant peur de rien, ils s’attaquent cette fois à la migration et à l’homosexualité.

Marocain immigré en France pour y suivre des études d’architecture, Yassine (Tarek Boudali) a commit la bourde de sa vie : boire la veille de son concours. Trop bourré, il va rater son rendez-vous, échouer dans ses études, perdre l’amour de sa vie (Nadège Dabrowski, alias la Youtubeuse Andy) et son droit de séjourner en France. Enchaînant les boulots au noir pour survivre, il va décrocher un vrai travail (offert par David Marsais), mais nécessitant d’avoir des papiers en règle. Pour se faire, aux pieds du mur, il va demander à son meilleur ami (Philippe Lacheau) de l’épouser.

Eh bien oui, toutes les combines sont bonnes pour échapper à l’expulsions, alors pourquoi pas un mariage blanc entre potes ? Il est vrai que l’écrasante majorité des immigrés sont homophobes de par la culture dans laquelle ils sont nés, donc c’est d’autant plus « novateur ». Dans la pratique, c’est aussi un bon moyen pour ouvrir le champ lexical comique, pouvant ainsi piocher dans les vannes sur les gay et les étrangers, chose dont le film ne va pas se priver. Aussi efficace que généreux, le film enchaîne ainsi les gags plus ou moins faciles avec une finesse très variables, la plupart du temps au niveau du gros burlesque qui tache. On rit de bon cœur mais ça n’est jamais très sérieux, à l’image de la scène du pont, et parfois le film dépasse carrément les limites du bon gout comme avec la belle mère dans la maison de campagne. D’ailleurs, et c’est là le point le moins convaincant du film, tout ce qui entoure le flicage est lourdingue, pour ne pas dire grossier. Avec un film comme ça on pouvait s’en douter, mais le film pousse le délire très loin. De la bonne grosse comédie potache qu’il ne faut pas regarder de trop près, mais pour peu qu’on soit ouvert d’esprit et que sa suspension d’incrédulité soit totale, on passera un bon moment.

Comment j’ai rencontré mon père
2017
Maxime Motte

Quand un couple blanc adopte un enfant noir, le suspense ne dure pas longtemps. Cela marcherait avec n’importe quelle ethnie très marquée d’ailleurs, mais dans les esprits bobo gauchistes parisiens, quand on adopte c’est forcément un noir, à qui on a au passage vraisemblablement sauvé la vie puisque son pays d’origine, quel qu’il soit, était forcément un de ces pays du tiers monde insalubre où tout le monde meurt de faim et vit au milieu de ses excréments. Si si, demandez à n’importe quel résident d’hôtel particulier dans le 16°, c’est sûr ! Enfin bref, on suit donc la cohabitation difficile entre Ava (Isabelle Carré), avocate qui ramène seule l’argent à la maison et qui ne supporte plus son incapable de mari, Eliott (François-Xavier Demaison), qui de son côté se contente d’observer impassible l’échec de son commerce et le rejet de son enfant adoptif, obnubilé par son potentiel père biologique. Une situation tendue qui va exploser le jour où leur faux fils va se mettre dans la tête qu’un clandestin débarqué sur la plage n’est nulle autre que son vrai père.

Dès le début le film ne va pas. Comment pourrait-on à un seul instant s’attacher à une famille dont le couple est inexistant et dont l’amour paternel est vide dans les deux sens. Certes, l’enfant ne peut pas très longtemps croire en la légitimité conceptrice de ses hébergeurs, mais il y a une différence énorme entre cacher et renier ! On sent qu’à aucun moment le couple n’a cherché à s’imposer comme de vrais parents, laissant l’éducation de leur réfugié en roue libre. Le principe même de cette recherche identitaire est donc totalement justifié, mais les personnages n’ont aucun affecte entre eux, et par empathie ils n’en développent pas non plus avec le public. Ne reste que le grand-père, seul être censé et amusant de ce portrait de famille dégueulasse, baignant dans une espèce de sentimentalisme vide et bien-pensant, tentant vainement de faire dans du social gauchiasse en se moquant pourtant de la détresse des migrants. Que eux souffrent est secondaire, l’important c’est qu’on voit bien que nos habitants du Nord ont le cœur gros et qu’ils font de bonnes actions. On dirait des bénévoles qui exhibent leur CV, dénaturant la noblesse de leur geste par une démonstration de supériorité déplacée. Le film, en plus de ne pas être drôle ou intéressant en quoi que ce soit, en devient indigne, honteux, malaisant. Le bide fut écrasant lors de sa sortie et c’est tant mieux.

Backtrack
2016
Michael Petroni

Dans la mort il y a trois types d’apparitions : les hallucinations, les âmes tourmentées revanchardes et les esprits protecteurs accompagnateurs. La question est ici de savoir à quel type d’entre elles le héros a affaire. Psychiatre ayant perdu sa fille depuis un an, Peter Bower (Adrien Brody) pensait que son processus de deuil était en bonne voie, consultant pour ce faire lui-même un psychiatre (Sam Neill), mais une étrange patiente va lui faire prendre conscience d’un soucis bien plus profond et d’une connexion inquiétante entre chacun de ses patients. Il va alors retourner dans sa ville natale pour remonter à la source du problème et rouvrir les plaies du passé.

Le principe du film est excellent. Dès le début, on créé un suspense autour de la mort de la fille, dont le père a détourné le regard à cause d’une vitrine dont il ne se rappelle plus. Quel souvenir peu être si important qu’il perde sa fille des yeux ? Quelle est cette mystérieuse fille qui ne cesse de se volatiliser de son cabinet ? Quel est le sens caché de ses visites ? Si le mystère principal reste entier jusqu’à la toute fin (15 minutes avant le générique quoi), le film ne nous laisse en revanche jamais mariner trop longtemps, désamorçant généralement les questions assez vite, sans pour autant donner toutes les cartes, mais ça on ne le comprend que plus tard. On aurait tendance à croire que cela empêche le film de surprendre s’il révèle tout très vite dès qu’une question arrive, mais comme chaque réponse soulève d’autres questions et que les réponses sont partielles, la structure reste très efficace. Le film n’est ni révolutionnaire dans sa forme ni dans son histoire, mais il s’agit d’un puzzle finement pensé, prenant et qui nous tient en haleine jusqu’au bout. Une bonne surprise pour un film privé de sortie en salles qui mériterait plus d’attention.

Zero Dark Thirty
2013
Kathryn Bigelow

Dans le genre gamelle au box-office, les films de guerre s’imposent. Tournage en studio impossibles, gros moyens techniques obligatoires et intérêt du public très faible, surtout en dehors des Etats-Unis. Rare sont ceux à avoir su tirer leur épingle du jeu comme ce film là, bien que son succès soit exclusivement dû à d’excellents résultats aux USA (sur les 133 M$ récoltés, plus de 95 M$ proviennent du sol nord américain). Il faut dire qu’un film sur la traque de l’ennemi numéro un de leur pays, ça avait de quoi attirer, surtout que les critiques étaient excellentes et que le film fut porté par sa pléthore de nominations, notamment aux Oscars (bien que seul le montage sonore y fut primé). Alors pourquoi ne le voir que maintenant ? La crainte de ne pas supporter la prise de partie – les US centre du monde et sauveur de l’humanité – durant 2h30.

Une théorie voudrait que le 11 septembre 2001 deux avions se soient crashés sur les tours jumelles du World Trad Center et que l’attentat fut commandité par un certain Ben Laden. Le film raconte la traque fantasmée et fictive de cet homme de l’ombre en faisant graviter la grande histoire autour d’un personnage créé pour le film : Maya (Jessica Chastain), agent des forces spéciales des Etats-Unis.

La démarche même du film est très étrange. Il ne se veut pas être un documentaire ou même une mise en scène de la réalité mais bien une fiction pure, librement inspirée. Une solution de facilité pour ne pas avoir à répondre d’accusations en diffamation et compagnie. Il faut dire, et c’est probablement là son point le plus positif, que le film n’épargne pas la gouvernement américain, parlant explicitement des opérations d’armement secret dans la base 51, de techniques de torture ou d’écoute illicites mises en application pour lutter contre le terrorisme, sans compter la finesse légendaire de l’armée. Shoot first, then think (tire d’abord, pense après) : on aura droit à des meurtres sans sommation, même sur des femmes désarmées. Pire, les soldats sont montrés comme des abrutis capables de crasher un hélicoptère dans des conditions optimales. Le portrait dressé des sauveurs n’est donc pas tout blanc et c’est une très bonne nouvelle, faisant même un tacle aux armes de destruction massive, mais c’est trop peu de pommade pour une plaie bien trop grande.

À la rigueur suivre durant 150 minutes une traque extrêmement redondante où on remonte le fil à grand coup d’informations obtenues sous la torture, pourquoi pas, mais encore faut-il que ça soit intéressant ou enrichissant. Or question méthodes, elles sont particulièrement douteuses : soit on attend laborieusement, soit la morale est bafouée dans des propensions dantesques. La torture, à la rigueur oui quand des vies sont directement en jeu et qu’on veut faire payer un responsable direct, mais sur un potentiel sous-fifre lambda ça n’a pas de sens. Même la dernière prise d’assaut peine à convaincre tant l’amateurisme n’a d’égal que la barbarie. Si en terme de réalisation et de montage il n’y a rien à reprocher au film, le rythme est en revanche atroce – certes, ça symbolise la difficulté de la traque, mais quand même – et l’écriture décevante. Point d’excentricité d’espionnage, c’est plat, et les personnages sont des clichés monstrueux, l’héroïne en tête avec son statut de femme forte qui s’exprime, balance des punch line et grandes leçons de vie à tout le monde alors qu’en fait c’est juste une malade de travail qui se positionne elle-même comme marginale. Pire, malgré le prestige complètement dingue du casting (on compte dans les rangs, excusez du peu, Jason Clarke, Joel Edgerton, Mark Strong, Edgar Ramirez, Frank Grillo, James Gandolfini, Chris Pratt et même le français Reda Kateb) les performances sont clairement décevantes, voir outrancières comme pour l’actrice principale dont le Golden Globes pour le rôle est une vaste plaisanterie. Ainsi, malgré des arguments qui paraissaient solides et des craintes finalement non avérées, le film rate le coche entre ses faussetés historiques, sa gestion poussive du temps et ses ambitions trop affichées qui en font une œuvre bâtarde et arrogante.

Thor : Ragnarok
2017
Taika Waititi

Les années passent et les films se multiplient : depuis le projet du Marvel Cinematic Universe lancé en 2008 avec Iron Man, c’est déjà 17 films qui ont vu le jour, avec toujours à la clé un résultat très satisfaisant, voir excellent à quelques moments. Dans ce paysage super-héroïque, Thor occupe une place de premier choix en revisitant la mythologie nordique, mélangée à du space-opera comme on les aime. Pourtant, Disney semblait se désintéresser du personnage entre une intrigue décevante dans Thor 2 et une présence extrêmement réduite dans le second Avengers, sans compter son absence dans Civil War. Et voilà que le studio abat sa carte maîtresse, l’arc narratif le plus important du comics : la fin du monde des asgardiens.

Dans la mythologie nordique, le Ragnarok est tout simplement la destruction totale d’Asgard, royaume des dieux. Une prophétie que Thor (Chris Hemsworth) essaye à tous prix d’empêcher, sans se rendre compte qu’une autre menace pesait sur le palais. Ayant simulé sa mort, Loki (Tom Hiddleston) se faisait passait pour Odin (Anthony Hopkins), sans se rendre compte que ce dernier, exilé sur Terre, était entrain d’agoniser et que sa mort libérerait un fléau qu’il maintenait sous scellé tant bien que mal : Hela (Cate Blanchett), la déesse de la mort, bien décidée à prendre le contrôle d’Asgard.

Ce film est un deux en un pas très bien équilibré. D’un côté on a le Ragnarok, menace colossale de fin du monde, mais à force c’est presque banal. On y retrouve une opposition classique avec une antagoniste pas très passionnante, aux motivations arbitraires et ennuyeuses, pour au final des combats assez lambda et peu marquants. D’un autre côté, on a l’un des films les plus inventifs du MCU avec un film dans le film, nous offrant une interlude dans la grande histoire classique comptant pour plus de la moitié du long-métrage, nous plongeant dans un tout nouvel univers aux propriétés temporelles uniques. Monde poubelle où les rebuts des quatre coins de la galaxie se retrouvent les esclaves du Grand Maître (Jeff Goldblum), cette étrange planète est une mine d’or créative. Non seulement le design des personnages et des lieux sont haut en couleurs, mais ce qu’on retiendra surtout c’est le principe même de société parallèle aux règles totalement arbitraires, capable d’asservir des personnages comme Hulk (Mark Ruffalo) pour simplement divertir le public de leur Colisée. Certes, peu de Marvel se passaient sur une autre planète que la Terre, mais c’est bien la première fois qu’on découvre une vraie planète intéressante, architecturalement et culturellement.

Comme un Marvel n’en serait pas vraiment un sans une bonne dose d’humour, le paquet est encore une fois largement mis dessus, une coutume qui ne surprendra personne. Néanmoins, il faut bien avouer que la cuvée est toujours très bonne, même mieux que la plupart des autres films de la saga. Forcément, le côté bourrin naïf de Thor fait toujours des merveilles et Loki est toujours un fourbe impayable, mais l’efficacité est plus que jamais de mise avec de sacrément bons moments, le théâtre et l’arène en tête. En revanche, aussi excellente que soit la scène, l’apparition de Docteur Strange (Benedict Cumberbatch) n’a rien de très utile, de même que la présence de Hulk est largement décevante, n’étant à la fois pas drôle et dispensable. Côté casting les acteurs sont globalement bons, comptant dans leurs rangs un vétéran (Idris Elba) et deux nouveaux (Karl Urban et Tessa Thompson). Visuellement le spectacle reste au rendez-vous, offrant quelques séquences magnifiques, trouvant de belles idées sur l’évolution du personnage de Thor. Avec une saga ne faisant que peu de fausses notes et fonctionnant toujours selon le même principe, il devient de plus en plus difficile de sortir du lot, mais ce nouveau Thor le réussi avec brio. Toujours plus fort, toujours plus grand, mais quand la créativité suit on dit oui.

PS : Ayant eu l’occasion de voir le film en 4DX, je vous invite à voir mon avis sur cette nouvelle technologie : https://www.youtube.com/watch?v=KtHMJEAQfeo&t=7s

Very Bad Dads
2015
Sean Anders

Parce qu’en France la distribution des films c’est yolo, cet énorme succès à 250 M$ dans le monde, et dont la suite débarque dans deux semaines aux Etats-Unis, ce mastodonte de la comédie n’a même pas eu droit à une sortie en salle. Il est vrai que l’humour américain est souvent très particulier et que nous n’y somme que rarement réceptif, mais quelle erreur ! Pour une fois, on tient enfin une comédie très drôle et pas trop débile.

Dans notre société moderne où le mariage n’a plus aucune valeur et où les enfants ne représentent plus le ciment d’une relation, les familles recomposées se multiplient autant que ce que la fidélité disparaît de notre charte morale. Nouvel amant d’une mère de deux enfants, Brad (Will Ferrell) voulait néanmoins faire les choses bien, se dévouant corps et âme à sa nouvelle famille, espérant devenir un vrai père et un mari aimé. Alors qu’il touchait au but, arrivant à gagner petit à petit la confiance de ses enfants par alliance, une menace à l’ampleur insoupçonnée va faire surface : Dusty (Mark Wahlberg), le père biologique. Ultra beau-gosse, d’une classe infinie et à la musculature imposante, il va en plus se révéler avoir des qualités humaines imparables, faisant de lui une sérieuse menace.

On est tous l’ex de quelqu’un, et pour ceux qui ont momentanément une moitié, cette personne a elle aussi une pléthore d’anciens prétendants ou prétendantes, faisant qu’on est toujours plus ou moins en compétition avec des fantômes sur tous les tableaux. Alors quand pour des raisons inconnues un challenger bien plus crédible entre dans l’arène, il y a de quoi flipper. Un principe que le film exagère à outrance en opposant deux physiques radicalement différents, grand et gros ours gentil Vs bad guy badass trapu et costaud, mais ça marche indubitablement. Le charisme de Dusty aide beaucoup à rendre cette confrontation intéressante, mais plus que ça le film trouve de belles idées pour rendre l’expérience très drôle, notamment dans l’outrance. Le coup de la moto est bien trop gros par exemple, mais nous le balancer en plan séquence rend l’enchaînement presque crédible. La capacité de Dusty à être exceptionnel est juste jubilatoire, offrant un sentiment de surenchère faisant de chaque défaite de Brad un moment hilarant. Très peu de passages sont vraiment débiles à la sauce américaine, c’est-à-dire en humiliation publique et compagnie, et globalement l’humour fait des ravages. C’est bien simple, je ne me rappelle même plus de la dernière comédie américaine qui m’ait fait autant rire. Je n’ai qu’une chose à dire : foncez !

Kidnap
2017
Luis Prieto

Profitant d’un mois d’août particulièrement vide en blockbusters et où les rares qui s’y trouvaient n’ont largement pas connu le succès escompté, classant le mois comme le pire mois d’été de la décennie en terme d’entrées, ce film mit en boîte depuis deux ans et sans cesse reporté a à peu près tiré son épingle du jeu en récoltant presque deux fois son budget, mais rien de fou fou. Il faut dire que si le concept de course-poursuite pouvait attirer quelque peu, le résultat refroidi d’emblée.

Probablement la quinquagénaire la plus sexy de la planète, Halle Berry incarne ici une jeune mère (parce que oui, à 50 ans elle en paraît moins de 40) dont la vie va basculer lors d’une petite sortie à la fête foraine. S’éloignant de son fils pour répondre au téléphone, elle va le perdre des yeux quelques secondes, un laps de temps largement suffisant pour qu’il soit kidnappé, mais pas assez pour prendre complètement le large, réussissant à l’apercevoir au parking. Va alors démarrer une course effrénée pour sauver son fils.

Non, juste non. Même si on s’éloigne du bruit pour passer un coup de fil, on emmène avec soit l’enfant, ou à la rigueur on laisse une petite distance mais en aucun cas on tourne le dos à 15 mètres. Si on veut faire s’arrêter une voiture, on ne la suit pas gentiment, on se cale devant et on fout le frein à main. À la rigueur si on pense que l’enfant a bien sa ceinture ou qu’il ne risque pas grand chose, on rentre dans le lard, et puis surtout on oublie pas de racler toutes les voitures qui passent pour attirer un maximum l’attention. Si mémère se bouge un chouia les miches dans la dernière ligne droite, à aucun moment ses réactions ne semblent logiques, normales ou même compréhensibles. Voilà qui ferait bien rire le héros de Taken, autrement plus badass et déterminé, ne se posant jamais la question de s’il va trop loin face à une urgence aussi vitale que l’être qu’on a de plus cher au monde. Alors c’est sûr, le film est dynamique, bien réalisé et quelques passages font preuve d’une certaine tension, mais on s’en fout assez vite quand l’héroïne est à ce point une incapable énervante. Mieux vaut se revoir une énième fois le cultissime Taken que perdre son temps avec cette pâle déclinaison.