Il est de retour
2015
David Wnendt

Si en principe on peut rire de tout avec tout le monde, quelques sujets restaient jusqu’alors tabous : le viol de petits enfants, le massacre de chiots ou de petits chatons, les juifs et Adolf Hitler. On a pu en entendre quelques boutades ou légères blagues relativisées, mais jamais quelqu’un n’avait encore osé aller à fond dans le sujet. Adaptation du best-seller de Timur Vermes, cette production allemande arrivée chez nous grâce à Netflix abat toutes les barrières humoristiques en faisant ce que personne n’aurait pu ne serait-ce qu’envisager : rendre le Führer sympathique.

Fait assez largement admis, Adolf Hitler s’est donné la mort le 30 avril 1945 dans son bunker à Berlin, mais que se serait-il passé s’il avait voyagé 70 ans dans le futur ? Partant de ce principe un peu loufoque, le film nous montre la découverte du monde actuel par l’ancien chef du troisième Reich, toujours aussi soucieux d’aider son prochain et participer à la grandeur de son pays. Homme cultivé et avisé, il va tout mettre en œuvre pour faire connaître ses idées, épaulé par une société de communication clairvoyante, consciente du statut de messie de l’individu.

Avec un film transposant magiquement Hitler dans nos temps modernes, on s’attend à ce que tout le monde lui crache à la gueule, cherche à le tuer, et que de son côté il déverse une haine sans borne contre les juifs et les étrangers, voir qu’il propose la réouverture des chambres à gaz. Il aurait aussi pu jouer la carte négationniste en niant en bloc l’existence desdites chambres et des massacres arbitraires, ce qui aurait déjà été polémique, mais le film va tellement plus loin. Par une succession de démonstrations de sa bienveillance et de son intelligence, le film prouve le caractère quasi saint du personnage, à la fois bon camarade, homme convivial, politicien intègre et visionnaire. Tout le monde ou presque l’apprécie, son seul vrai antagoniste étant le « méchant » du film, renforçant d’autant plus son auréole et son charisme. En résulte un effet comique prodigieux qui prit au premier degré en fait le film le plus couillu de l’histoire, et au second une hilarante inversion dénonçant au passage l’adhésion de plus en plus importante des idées extrémistes à cause d’une immigration agressive et invasive qui renforce une situation d’appauvrissement inquiétante. Une histoire provocante, polémique et satyrique, à mi-chemin entre Borat et La Vague, dont la force d’écriture et l’originalité inédite en font une comédie majeure dans le paysage cinématographique.

Le Chasseur et la reine des glaces
2016
Cedric Nicolas-Troyan

Alors que le phénomène des adaptations en live des classiques de Disney n’avait pas encore débuté, le studio Universal avait réussi son pari de faire une version de Blanche-Neige et le chasseur dans un style héroïc-fantaisy à la Seigneur des Anneaux, rentabilisant contre toutes attentes son budget colossal de 170 M$ en amassant pas loin de 400 M$. Une suite a pendant longtemps été à l’étude, avant de finalement opter pour un préquel / séquelle / spin-off centré sur le chasseur.

Une fois n’est pas coutume, le film se déroule avant et après le film de 2012. Chasseur ayant fait ses armes dans le royaume gelé de la reine des glaces Freya (Emily Blunt), sœur de Ravenna (Charlize Theron) qui prit possession du royaume de Blanche-Neige, Eric (Chris Hemsworth) avait violé l’une des règles essentielles : il était tombé amoureux de quelqu’un, Sara (Jessica Chastain), chose interdite. Cette dernière fut alors tuée et lui fut laissé pour mort. Sept ans plus tard, alors que la mort de Ravenna laissait entendre une paix durable, la disparition du miroir magique, source de ses pouvoirs, va jeter une vague de panique. Choisit par la reine Blanche-Neige, Eric aura la lourde tâche de le rapporter dans un sanctuaire où ses pouvoirs maléfiques ne pourront opérer.

Bienvenu à l’histoire la plus évidente du monde, ou comment l’affiche elle-même tue certains enjeux. Bien sûr, quand on met sur l’affiche quatre personnes, on se doute que si l’une d’elles meurt après dix minutes de film, ça n’est pas vraiment fini. Pas bravo au passage à la bande-annonce pour avoir balancer l’une des révélations finales, à moins que l’histoire ne soit si prévisible que cette découverte ne pouvait que sauter aux yeux. On avait été prévenu dans le précédent film que la femme du chasseur était morte, donc on s’attendait à ce qu’elle meurt, et cela fait parti des problèmes du film : certains enjeux sont vides de sens avant même d’arriver. Mais après tout, on ne s’attendait pas forcément à un vrai scénario, le film vendant plus du gros casting, de jolis effets visuels et quelques scènes qui claquent. Effectivement donc, le quatuor d’affiche est imposant, on retrouve une partie de l’univers et du bestiaire existant et les pouvoirs magiques offrent du grand spectacle, mais point de cerf majestueux ici, pas de choc visuel et une certaine réserve sur les pouvoirs des sœurs sorcières, qui semblent en plus avoir perdu leur frère dans l’entre films. L’histoire racontée n’a pas grand intérêt et le divertissement visuel n’est pas totalement satisfaisant, tout juste peut-on féliciter les costumes et le pouvoir de vision par glace. De gros moyens et plein de bonnes idées, mais on reste sur sa faim.

Cop Car
2016
Jon Watts

Jetez une pierre dans l’eau, il ne se passera rien. Jetez mille pierres, vous aurez alors créé un barrage. À force de tester tout et n’importe quoi, on fini par tomber sur de belles surprises comme ce bon gros délire pour le moins original. Renouant avec la tradition des films d’aventures emmenés par des enfants, le film part loin, très loin, et on l’en remercie.

Il n’y a pas d’âge pour la connerie, et le film nous propose un duo d’une dizaine d’années qui a déjà une chance qui tient du miracle pour être arrivé aussi loin dans leurs vies. Marchant dans le désert du Nouveau Mexique depuis quelques jours suite à une fugue, ils vont tomber par hasard sur le véhicule de police du shérif du coin (Kevin Bacon), venu se débarrasser de deux cadavres encombrants, loin de se douter qu’au milieu de nulle part deux petits cons viendraient lui piquer sa caisse. Trempant dans de salles affaires, il va se retrouver dans la merde jusqu’au cou, puisqu’en plus de s’être fait voler sa voiture, cette dernière contient de nombreuses armes et une petite surprise dans son coffre.

Deux gamins qui fuguent et testent leurs connaissances en terme de gros-mots, ça ne fait pas immédiatement penser à un bon film, et on alors loin de s’imaginer la tranche de rire qui nous attend. Jeter des pierres sur une voiture de flic, c’est déjà pas mal, rentrer dedans, c’est balaise, mais la conduire, la faire monter à plus de 160 km/h, le tout à contre-sens, sans compter quelques extra dont je vous laisse le soin de découvrir, ça atteint tout de suite des sommets épiques. Des garnements irrespectueux et un brin fous, on connait, mais à ce niveau d’inconscience, on explose tous les records tant ils ne se posent aucunes questions et œuvrent dans un calme le plus absolu et surréaliste. De plus, le fait d’avoir aussi en parallèle le point de vu affolé du shérif rend l’ensemble d’autant plus drôle, et c’est remarquable de s’autoriser des choses comme le crochetage de voiture dont la longueur apporte beaucoup en terme de stress et d’ambiance. Du grand n’importe quoi qui s’assume à fond, osant pousser son concept au maximum et le résultat est jubilatoire.

Comment c’est loin
2015
Orelsan, Christophe Offenstein

Connaissez-vous Orelsan et Gringe ? Si oui, vous avez probablement vu et adoré ce film. Sinon, c’est bien normal car ce sont deux rappeurs blancs et normands, tout juste potentiellement familiers grâce à leurs mini-épisodes de Bloqués sur Canal +. Un film mi-autobiographie mi-fiction sur deux quasi inconnus, surtout avec pour toile de fond le rap, c’était un projet risqué et très probablement confidentiel, mais avec plus de 240 000 entrées, le pari fut remporté, porté par d’excellentes critiques attisant la curiosité.

Le succès n’était pas gagné pour l’apprenti duo de rappeur à leur début. Glandant depuis un an déjà depuis leur contrat avec une radio, les « Casseurs Flowters » n’avaient toujours pas fini un seul morceau, achevant la patiente de leurs promoteurs, leur assénant un ultimatum : si d’ici 24h ils n’ont toujours rien à montrer, ils n’auront qu’à voir ailleurs. Ô le stress…

Voir deux types se traîner comme des loques tout le film durant, ça ne gageait pas grand chose, surtout quand on ne connaît pas les artistes et qu’on est pas spécialement sensible au slam et autres raps, mais finalement c’est à la fois original et bien fait. Un peu saoulant et ennuyeux au début, nos deux grands paumés finissent par nous faire rire de par leur décalage et leur folie. Orelsan est complètement à l’ouest, comme en permanence sous acide, tandis que Gringe brille par sa capacité à tout abandonner, sans compter son immense perversion. L’ambiance, laissant d’abord dubitatif, fini par emporter l’adhésion grâce à ses personnages irrécupérables et la composition musicale. Même si on est imperméable au genre, il faut bien dire que la dizaine de compositions originales créées expressément pour le film sont très bien écrites, à la fois percutantes dans le texte et très appropriées dans le contexte. Bien sûr, si on aime le genre le résultat sera d’autant plus probant, mais ses qualités sont indéniables et le style a le mérite d’être poussé au max.

Les Visiteurs en Amérique
2001
Jean-Marie Poiré

Avec près de 22 millions d’entrées rien qu’en deux films, le succès des Visiteurs a en toute logique tapé dans l’œil des studios américains, reprenant au passage le même réalisateur à la barre et conservant le duo d’acteurs original. Déjà que généralement les remakes sont en dessous de l’orignal, sachant l’étron qu’était Les Visiteurs II, le four monumental que cette version américaine a connu (16 M$ récoltés dans le monde pour un budget de 35 M$, avec seulement 1,2 millions d’entrées en France, même pas le dixième de l’orignal) et le bâchage critique (sauf la presse, assez enthousiaste) qui lui est tombé dessus, je m’attendais donc à un niveau de nullité sans commune mesure, mais en réalité la presse y voyait clair.

Reprenant bien sûr les grandes lignes de la version originale, ce remake l’adapte à sa sauce. Cette fois, démarrant toujours en plein moyen-âge, à cause d’un rival voyant d’un mauvais œil l’alliance entre le comte français Thibault de Malfete (Jean Reno) et la princesse britannique Rosalind (Christina Applegate), Thibault va part inadvertance, sous l’influence d’une potion, tuer sa promise. Anéanti, il va demander à un enchanteur de le renvoyer dans le passé pour la sauver, mais par une erreur de concoction, lui et son serviteur André le Pâté (Christian Clavier) vont se retrouver au troisième millénaire à Chicago.

De toute l’histoire des remakes de films français, voici l’un des plus aboutis qu’il m’ait été donné de voir, parvenant à se hisser au niveau de l’original, tout en se réinventant suffisamment pour justifier son existence auprès des fans de la première heure. Pour être plus parlant pour un public international, l’action est vaguement située à l’époque des romans de cape et d’épées, de toute façon la plupart des américains serait incapable de situer le règne de Louis VI le gros, les personnages ont des noms très stéréotypés pour faire comprendre leur provenance et le film reprend la quasi intégralité des gags les plus emblématiques des deux films français, qu’on pourrait traduire à tort comme un manque de créativité ou d’imagination, mais il ne faut pas s’en arrêter là.

En plus de proposer un environnement encore plus déstabilisant pour nos deux visiteurs, le film s’améliore sur bien des points, comme l’écriture des personnages et la qualité du jeu des acteurs (avec au passage la présence salvatrice de têtes bien connues comme Tara Reid) ou même la réalisation. Avec un budget à l’américaine et toute la puissance de l’industrie Disney en appui, le cinéaste arrive enfin à cadrer correctement et visuellement c’est bien plus agréable. Côté histoire, s’il n’y a que peu de surprises, les personnages sont plus travaillés et la fin est bien plus probante, avec à la clé l’un des génériques de fin les plus imaginatifs et réussis qu’il m’ait été donné de voir. Malgré un temps affiché de seulement 1h30, le film prend plus de temps pour présenter l’époque d’origine et développe plus les relations entre les personnages, avec un Jacquouille (André) qui apprend à s’émanciper plus sur la durée et des scènes touchantes entre Godefroy (Thibault) et sa petite filleul. Donc non seulement le film apporte pour la première fois de l’émotion avec une alchimie, source du voyage initial, bien plus palpable, mais en plus il développe plus ses thèmes sans pour autant rallonger la durée du film, prouvant le caractère plus maîtrisé de son rythme. Les gags, forcément attendus et pour la plupart réutilisés, marchent assez bien et le contexte évolue de façon intéressante, relançant significativement l’intérêt. Donc oui, de par son statut de remake le film n’est pas aussi novateur que l’original, mais il apporte une nouvelle vision du concept et son lot d’améliorations, le rendant presque meilleur, ou tout du moins aussi intéressant. Le fait que son réalisateur ait signé le film sous un pseudonyme montre qu’il n’a aucune idée de ce qu’il fait, tendant à prouver que la qualité des Visiteurs tient de la chance (surtout quand on voit la filmographie du monsieur), et les vives critiques à l’égard de ce remake tiennent surtout du caractère sacré de l’original pour ces personnes, car fondamentalement cette seconde version est plus aboutie.

Les Visiteurs 2 : Les couloirs du temps
1998
Jean-Marie Poiré

Le film ne s’y prêtait pas spécialement, voir pas du tout, mais quand on explose le plafond au box-office, on ne se pose pas trop de questions et on capitalise sur le succès. Voilà comment une suite aux Visiteurs a vu le jour, et quand on voit que malgré des critiques assassines le film a réussi à faire huit millions d’entrées, on se dit qu’ils auraient eu tord de s’en priver. Il faut dire qu’en reprenant la quasi intégralité du casting et de l’équipe technique et artistique on pouvait difficilement tout rater, mais il faut croire que si.

Pas besoin de se fatiguer à chercher, l’histoire était toute tracée. Avec l’entourloupe de Jacquouille la fripouille (Christian Clavier) qui a laissé son maître, le comte Godefroy de Montmirail (Jean Reno), repartir en 1112 avec son petit filleul, il a créé une faille temporelle, laissant les couloirs du temps ouverts. De ce fait, Godefroy ne peut épouser Frénégonde (Muriel Robin – oui, le changement fait mal), dont le père a été dépouillé de ses bijoux, et il doit alors se dépêcher avant qu’il ne soit trop tard.

Il n’y a absolument rien à sauver dans ce film, et à ce niveau de contre performance ça force le respect. Tout d’abord le scénario, déjà sujet au débat dans le premier de par la boucle pas vraiment bouclée où la réalité où la flèche a touché sa cible n’a en réalité jamais eu lieu, qui bat ici tous les records de non-sens. Si le beau-père n’est pas mort, alors ses bijoux n’ont jamais été dérobés, ils se trouvent juste dans deux réalités temporelles différentes. De même, inclure une notion de « il faut se dépêcher » quand il y a 880 ans d’écart, cela n’a aucun sens. Le pire du pire niveau cohérence vient tout de même du personnage de Marie-Anne Chazel, clocharde du village qui fait partie du paysage depuis longtemps à Montmirail version contemporaine, mais qui va subitement être prise pour une voyageuse du temps au même titre que les deux autres. Mais finalement, ça n’est pas le plus gros problème du film. Que le réalisateur soit toujours aussi mauvais, certes, mais quand la seule bonne actrice quitte le navire au profit d’une remplaçante atroce et que tous les autres cabotinent à outrance, surtout Christian Clavier qui mérite la pendaison pour un pareil affront, on prend tarif et tout tombe à plat. Les effets spéciaux sont lamentables, incroyablement en dessous du premier film, et côté humour on frôle le nanar. On finira péniblement par rire nerveusement face à un tel niveau d’incompétence, mais globalement la blague passe extrêmement mal.

Les Visiteurs
1993
Jean-Marie Poiré

Assurément l’un des plus grands monuments de la comédie française, déjà culte à sa sortie avec 13,67 millions de spectateurs et une pluie de nominations aux Césars dans la totalité des catégories, avec à la clé le prix de la meilleure actrice dans un second rôle pour Valérie Lemercier. Depuis, en dehors d’une quantité de rediffusions et de ventes de VHS, DVD, Blu-ray  probablement colossales, l’image du film a quelque peu été entachée par une capitalisation hasardeuse et fortement décriée sous forme d’une suite, de l’avis général indigne, et d’un remake américain, semble-t-il impropre à la consommation. Et désormais, en attendant peut-être un cinquième film, un certain Visiteurs 3 a pointé le bout de son nez 23 ans après l’original, pour une douleur paraît-il similaire, l’occasion de nous replonger au cœur de ce qui nous fascinait auparavant.

L’histoire démarre en l’an 1112 sous le règne de Louis VI, dit le gros, alors que le preux comte Godefroy de Montmirail (Jean Reno) s’était vu accordé une descendance et la main de celle qu’il convoitait : Frénégonde de Pouille (Valérie Lemercier), mais abusé par une vil sorcière, il va maladroitement tuer le père de cette dernière, mettant un terme à sa possible idylle. Anéanti, il va tourner vers la magie en demandant à un enchanteur de l’aider à regagner sa mie. Pour se faire, se dernier va le renvoyer lui et son écuyer, Jacquouille la fripouille (Christian Clavier), dans le passé pour dévier la trajectoire de la flèche qui mit fin aux jours de son potentiel beau-père. Malheureusement, par une erreur de dosage, les deux hommes vont se retrouver plongés en 1992…

Difficile d’être passer à côté du phénomène tant il a marqué des générations entières, mais ça n’est pas une raison pour ne jamais remettre en cause sa légitimité. Mérite t-il vraiment son statut de film culte ? Déjà d’un point de vu scénaristique, on peut dire que l’histoire est assez intéressante et originale sur le principe : un chevalier et son écuyer du moyen-âge plongés dans notre monde actuel. Cet aspect du film est parfaitement maîtrisé, les deux protagonistes ne sortant jamais de leur personnage, même quand Jacquouille décide de goûter aux joies contemporaines, et le décalage marche très fort côté potentiel comique. Gardant leur parlé de l’époque, leurs références et leur style face à des interlocuteurs n’y voyant que folie, on se retrouve avec des séquences aussi mémorables que la scène de la baignoire, de la voiture de la poste, du repas ou de l’inondation. Même après tant d’années, la puissance comique n’a pas faibli, tout juste trouvera t-on le jeu de certains acteurs (incluant Marie-Anne Chazel et Isabelle Nanty) un peu faiblard (en fait à peu près tous, mais bon). Même au niveau effet spéciaux le film s’en sort avec les honneurs, à l’exception bien sûr de la transformation de voyage temporel. Seule la mise en scène est un peu en dessous, car en dehors de quelques panoramiques sympathiques, les mouvements sont trop mécaniques ou abruptes. Une bonne comédie efficace qui n’a rien perdu de son attrait donc, sans pour autant être une révolution indétrônable.